STASIOTIKA

LA CABEZA DEL BAUTISTA EN MONEDAS MALTESAS DE LA ORDEN HOSPITALARIA

2011-11-01T00:00:00.008+01:00

Para Santiago Izco y Santiago Vélez

Haciendo búsquedas de imágenes de distintos tipos de monedas me llamaron la atención hace algún tiempo unas piezas maltesas en las que la cabeza de los anversos no aparecía en posición vertical. Reparé luego en que se trataba de la cabeza cortada de San Juan Bautista, barbada y de pelo largo, dispuesta sobre una bandeja. Enseguida pensé que tales monedas, por su rareza, eran toda una invitación para contraponerlas a la tendencia general de representación numismática de los soberanos en la plenitud de su poder. El mensaje iconográfico era en esta ocasión muy poderoso, pues una entidad estatal convertía en referente a alguien mostrado en el momento máximo de su aparente fracaso, optaba por expresar su ideario mediante la imagen de alguien recién decapitado. Sin duda el asunto tenía que remitir a una exaltación religiosa cuya contextualización histórica la haría más comprensible. La leyenda latina que rodea la cabeza refuerza el significado de lo que se pretendía transmitir en la encrucijada de una grave situación de acoso militar: “Propter veritatem et iusticiam” (Por causa de la verdad y la justicia). Los súbditos que tuviesen en su mano la brillante plata de esas piezas entendían que se les estaba llamando, con claridad meridiana, al posible sacrificio de sus vidas.

El testimonio más antiguo de la utilización simbólica de la cabeza cortada de San Juan Bautista en las monedas maltesas de la Orden Hospitalaria corresponde a la época del Gran Maestre Jean Parisot de Valette (1557-1568), el cual tuvo que hacer frente en 1565 al terrible asedio del archipiélago efectuado por la flota otomana. El motivo iconográfico descrito aparece en monedas de plata de 4 tari de unos 11,5 gramos de peso. También ocupó el anverso de piezas de plata de 2 tari de algo menos de 6 gramos, pero en este caso la cabeza cortada se disponía de modo diferente, en perfil horizontal, sobre una bandeja cuya base se asemejaba más bien a una gran copa. En ambos valores el reverso quedaba reservado para el escudo personal del Gran Maestre, con una inscripción latina circundante que incluía su nombre y su condición de líder de la Orden hierosolimitana. Los escudos de los distintos Grandes Maestres coincidían en la cruz repetida en dos de sus cuarteles alternos, mientras que los otros dos cuarteles incorporaban elementos heráldicos familiares. En el caso de Jean Parisot de Valette, estos espacios los compartían de manera pareada un águila y un león, ambos rampantes. Una pequeña cruz de Malta, con sus brazos crecientes hacia el exterior y sus características ocho puntas, iba en el cénit de las leyendas, tanto de anverso como de reverso.

Los párpados de San Juan Bautista en las representaciones mencionadas suelen ir cerrados o ligeramente entreabiertos, enfatizando así la inmovilidad del rostro. El motivo de su cabeza cortada siguió siendo utilizado en las monedas argénteas por los sucesivos Grandes Maestres de la Orden, sobre todo en las piezas de 4 tari. Lo encontramos por ejemplo en las monedas acuñadas por el Gran Maestre Alof de Wignacourt (1601-1622), con un peso ya rebajado de unos 10,5 gramos, la incorporación del año concreto de emisión y la sustitución de la leyenda de los anversos por el nombre del santo y la súplica “Ora pro Nobis” (Ruega por Nosotros). Este Gran Maestre tuvo que prepararse en 1612 para afrontar otro intento de sitiar Malta por parte de la armada turca, finalmente desestimado al llegar un refuerzo de galeras aliadas desde Nápoles. Similares criterios simbólicos y numerarios a los ya citados los tenemos en las monedas de plata de los siguientes Grandes Maestres. Uno de ellos, el italiano Marc’Antonio Zondadari (1720-1722), introdujo modificaciones en la representación de la cabeza cortada del Bautista en las piezas de 4 tari, optando por el perfil horizontal y por una bandeja de bordes adornados con gráfilas de puntos. Malta, bajo la autoridad de los hospitalarios, recurrió también a otros muchos tipos de imágenes del Bautista, más tranquilizadoras, mostrándole vivo, sobriamente ataviado, sosteniendo un cayado largo o una estilizada cruz, rodeándole de alguna frase suya, como “Parate viam Domini” (Preparad el camino del Señor) (Marcos 1:3), o “Ecce qui tollit peccata” (He aquí el que quita los pecados) (Juan 1:29), señalando en este último caso a un cordero, metáfora de Jesucristo. El cordero exento, con el estandarte de la Orden, aparecía con frecuencia en las monedas de plata acuñadas por el Gran Maestre español Juan de Homedes (1536-1553). Otras piezas argénteas, especialmente las de 3 tari, concedieron gran protagonismo a la llamada cruz de Malta, usándola como elemento central, pudiendo ir rodeada por la inscripción “Sub hoc signo militamus” (Bajo este signo militamos).

El motivo numismático de la cabeza cortada del Bautista pasó a ocupar piezas de cobre con el Gran Maestre portugués Manuel Pinto da Fonseca (1741-1773), que hizo dotar a la representación de la misma de un mayor dramatismo. Iba en monedas de cobre de unos 8 gramos de peso, equivalentes a 1 tari, pero con el valor inscrito del subdivisor, 20 grani. Alrededor de la cabeza del santo se podía leer una frase que éste diría en vida a los soldados que le preguntaban cómo debían actuar: “Neminem concutiatis” (No extorsionéis a nadie) (Lucas 3:14). Su contestación completa habría sido según el pasaje evangélico: “No extorsionéis a nadie, no hagáis denuncias falsas y contentaos con vuestra soldada”. En el reverso de estas piezas figuraban dos manos enlazadas en señal de mutuo aprecio, acompañadas por la leyenda maltesa clásica “Non aes sed fides” (No el cobre sino la confianza). El significado de esta expresión, empleada en las piezas de bajo valor desde la época de Jean Parisot de Valette, es doble. Por un lado, su origen está en la incapacidad del gobierno maltés para pagar a sus ciudadanos en metales nobles durante el ingente esfuerzo humano y económico que supuso la construcción de la capital amurallada de La Valeta. Se apelaba así a la buena fe de los malteses para aceptar esta moneda fiduciaria. Por otro lado, un sentido más elevado de la frase estaría relacionado con el hecho de que el dinero no se puede equiparar con la fe. Manuel Pinto da Fonseca hizo grabar en monedas de oro y plata una nueva imagen de San Juan Bautista, mostrándole pobremente vestido, sosteniendo el estandarte de la Orden y acompañado de un cordero, con la leyenda circundante “Non surrexit maior” (No ha aparecido uno más grande) (Mateo 11:11), frase enaltecedora que Jesucristo pronunciaría refiriéndose a él.

La Orden de Malta, cuyo nombre completo es “Soberana Orden Militar y Hospitalaria de San Juan de Jerusalén, de Rodas y de Malta”, apareció en 1084 cuando algunos comerciantes de la localidad italiana de Amalfi fundaron en Jerusalén un hospital para peregrinos consagrado a San Juan Bautista. Desde la conquista de la ciudad santa por parte de los cruzados en 1099, la Orden fue consolidando también su vertiente militar. En 1142 los hospitalarios tomaron como sede el castillo sirio del Crac de los Caballeros. Tras la recuperación islámica de Jerusalén en 1187 por Saladino, la Orden se instaló en San Juan de Acre, enclave ahora israelí. Expulsados de allí y de toda Palestina en 1291 por las autoridades islámicas, los caballeros hospitalarios pasaron a Chipre. Desde entonces uno de los rasgos definitorios de la Orden será la insularidad de sus principales bases territoriales y por tanto la necesidad de disponer de una flota con la que hacer frente a los ataques procedentes de las costas asiáticas y africanas.

En 1310 los hospitalarios se establecieron en Rodas, donde construyeron un eficaz sistema de fortificaciones capaces de dar cobertura a las operaciones militares de su escuadra naval. La caída en desgracia y desaparición de los templarios en 1312 benefició a la Orden Hospitalaria, que heredó muchas de sus propiedades. Los caballeros hospitalarios manifestaron diversas contradicciones con respecto a sus principios fundacionales, llegando a tener como práctica frecuente la piratería, desplegada en forma de corso tanto contra las naves islámicas como contra las cristianas. Entraron también en el negocio de la trata de esclavos, lo que demuestra que su afán humanitario fue selectivo, al menos en determinadas épocas. Su bonanza económica se reflejó en el inicio de sus acuñaciones monetales. En los “gigliatos” de plata emitidos en Rodas por la Orden Hospitalaria el anverso lo ocupa el retrato de cuerpo entero del Gran Maestre arrodillado ante una cruz bizantina, la cual presenta pedestal escalonado y dos travesaños horizontales de distinta longitud. El reverso consiste en una cruz floreada, compuesta por cuatro brazos del mismo largo. Posteriormente la Orden acuñó en Rodas ducados de oro de influencia veneciana. En ellos, en el anverso, el Gran Maestre se arrodilla ante San Juan Bautista, que le entrega un estandarte, mientras que en el reverso aparece la imagen de Cristo en una mandorla poblada de estrellas. En 1522 el sultán otomano Solimán “el Magnífico” asedió Rodas durante casi seis meses, obteniendo finalmente la rendición de los hospitalarios, a los que permitió evacuar la isla.

En 1530 el emperador Carlos V cedió a la Orden Hospitalaria el archipiélago maltés, así como el control del avispero libio de Trípoli, al que habían llegado muchos caballeros hospitalarios en 1523, y que éstos sólo pudieron conservar hasta 1551. La Reforma Protestante privó a la Orden de algunos de sus sostenes económicos y fuentes de reclutamiento, haciéndola todavía más vulnerable. En el llamado gran sitio de Malta de 1565, la Orden logró resistir ante una fuerte flota otomana hasta que se produjo el rescate prestado por el ejército español proveniente de Sicilia. Manteniéndose neutral en las guerras entre estados cristianos, la Orden se centró en la fortificación de sus ciudades, y especialmente en el desarrollo urbanístico y poliorcético de la nueva capital de La Valeta, así bautizada en honor del Gran Maestre Jean Parisot de Valette. Napoleón, deseoso de hacerse con cuanto hollara su pie, ocupó Malta en 1798, obligando a los caballeros hospitalarios a abandonarla. Éstos respetaron su juramento de no combatir contra ningún príncipe cristiano, evacuando la isla mansamente. Poco después, en el año 1800, la armada inglesa conquistó el archipiélago, convirtiéndolo en su protectorado. Actualmente la Orden Hospitalaria es una orden religiosa católica sin territorio propio, pero reconocida como sujeto de derecho internacional. Está orientada a tareas asistenciales, sanitarias y sociales, sin tener ya faceta militar.

La elección de la cabeza cortada del Bautista como símbolo monetario nos remite a la figura del Gran Maestre Jean Parisot de Valette, el cual la consideró adecuada para mostrar la situación de extrema gravedad por la que atravesaba la Orden. Esta debilidad se debía tanto a dificultades financieras como al constante retroceso militar frente al poderío otomano, cuya presencia en Europa Oriental y en buena parte del Mediterráneo era cada vez más evidente. Desde su fundación, la Orden había experimentado numerosos traslados, y su nueva sede maltesa corría también el peligro de sucumbir ante el avance militar islámico. La difícil situación requirió decisiones también difíciles, y Jean Parisot tuvo que tomar muchas de ellas, solventando la dura prueba que garantizaría la pervivencia de los hospitalarios. Nacido en la región francesa de Quercy a fines del siglo XV, Jean Parisot, de familia noble, se incorporó en su juventud a la “lengua” de Provenza, una de las ocho agrupaciones idiomáticas de prioratos en que se organizaba la Orden. Destinado en Rodas, sobrevivió al asedio turco de la isla en 1522, acompañando luego al exilio al Gran Maestre Philippe Villiers de l’Isle Adam. Ya en Malta, Jean Parisot dio muestras de excesivo carácter e incluso crueldad. Así, en 1538, pasó cuatro meses en un agujero en el suelo, en la isla maltesa de Gozo, como castigo por haber golpeado a un sirviente hasta casi matarlo. Después fue enviado dos años como gobernador militar a la débil posición hospitalaria de Trípoli. Regresó a Malta con un esclavo negro a su servicio, lo que le valió nuevas amonestaciones. En 1554 fue nombrado Gran Almirante de la flota hospitalaria, puesto en el que demostró su capacidad para el mando militar. Tres años después, en el contexto de tensa espera por un posible ataque marítimo turco, Jean Parisot accedió al Gran Maestrazgo de la Orden.

El intento otomano de tomar Malta se produjo finalmente en 1565. Las medidas preventivas puestas en marcha por Jean Parisot se mostraron insuficientes ante la envergadura del ejército enemigo. Éste cometió el error de centrar sus esfuerzos en la conquista del fuerte de San Elmo, lograda al cabo de un mes al precio de muchas bajas, incluyendo la del prestigioso corsario turco Dragut. El Gran Maestre utilizó bien las escasas fuerzas de que disponía, relevando constantemente a los caballeros y demás soldados en las zonas de mayor desgaste bélico. La llegada progresiva de refuerzos provenientes de Sicilia fue decantando el factor moral de la lucha del bando de los hospitalarios. Tras varios asaltos infructuosos a los demás fuertes, la armada turca optó por retirarse. Jean Parisot actuó durante el conflicto con severidad, recriminando a sus caballeros cuando daban muestras de querer abandonar sus posiciones, lo que sirvió a muchos de éstos como acicate para el último sacrificio. Así, de la última tanda de defensores del fuerte de San Elmo, no se salvó ningún caballero hospitalario, sino tan sólo nueve soldados malteses que huyeron a nado. Hay coincidencia general al valorar la extrema religiosidad del Gran Maestre, cuya devoción y entrega a la causa de la Orden estaban fuera de toda duda. Las potencias cristianas agradecieron a los hospitalarios su defensa de Malta, implicándose en algún caso en el proyecto de reconstrucción de sus fortificaciones. Jean Parisot recibió toda clase de elogios y reconocimientos tras su victoria. Renunció a ser nombrado cardenal, pues prefería mantener una mayor independencia con respecto al Papado. Se acuñaron por entonces en su honor varias medallas conmemorativas, con su efigie en el anverso y motivos ensalzadores en el reverso. En una de estas piezas aparece en el reverso la victoria de David frente al filisteo Goliat, bajo la leyenda “Unus X Millia” (Uno Diez Mil). Esta expresión alude por un lado a la desigualdad numérica de los ejércitos que se enfrentaron en el asedio de Malta, y por otro lado hace referencia a las ventajas del llamado “combate singular” entre dos adalides, al evitarse así la muerte de muchos soldados. Jean Parisot murió en 1568 en la ciudad que luego llevaría su nombre. En la inscripción de su tumba se le describe como “escudo de Europa”.

Antes de ser utilizada en Malta como motivo numismático, la cabeza cortada de San Juan Bautista, dispuesta en una bandeja circular, aparecía en monedas de la actual ciudad polaca de Wrocław, conocida en alemán como Breslau y en castellano como Breslavia. Este uso se documenta desde al menos la primera mitad del siglo XV, época en que la ciudad se integró, junto con gran parte de Silesia, en el reino de Bohemia, pasando así a formar parte del Sacro Imperio Romano Germánico. Muchas de las monedas mencionadas, consistentes en “heller” de cobre, corresponden al convulso período de las guerras husitas (1419-1436). Estas luchas civiles enfrentaron al rey Segismundo de Hungría con la facción más radical, llamada taborita, del movimiento religioso reformador y revolucionario iniciado por el teólogo bohemio Jan Hus, que había sido ajusticiado en 1415, pero cuyas ideas, relacionadas con la transformación de la Iglesia, seguían vivas. La imagen de la cabeza cortada del Bautista, patrón de Breslavia, volvió a ser muy empleada por la ciudad en pequeños “groschen” de plata, de peso inferior a dos gramos, durante el obispado de Johann von Turzo (1506-1520), cuya familia controlaba muchos centros mineros de extracción de metales nobles. En estas monedas la cabeza va rodeada por la leyenda “S. Baptista Sucurre” (Santo Bautista, Socórrenos).

La cabeza decapitada referida sigue ocupando actualmente el centro del escudo de armas de Breslavia. Es representada con los ojos cerrados, con poblada barba y largo pelo negro, en campo circular de plata. El cuarto cuartel del escudo lo ocupa la imagen nimbada del otro Juan, San Juan Evangelista, mostrado joven sobre una corona invertida, en consonancia con el significado de una expresión de Cristo: “Mi reino no es de este mundo” (Juan 18:36). En los otros cuarteles aparecen un león rampante por Bohemia, un águila explayada por Silesia y una W por el antiguo nombre de la ciudad (Wratislavia) y por el nombre de su legendario fundador (Wrocislaw). Un escudo en el que aparecen alusiones simbólicas a ambos Juanes, pero sin representar físicamente a ninguno de ellos, es el del estado libre asociado de Puerto Rico, sirviendo en este caso para referirse al nombre de su capital.

Malta se adhirió a la Unión Europea el 1 de Mayo de 2004, y adoptó el euro como moneda circulante el 1 de Enero de 2008. El tipo de cambio con respecto a la moneda nacional anterior, la lira o libra maltesa, quedó establecido en 0,4293 por un euro. Malta decidió emplear dentro de la unión monetaria europea tres elementos emblemáticos diferentes en sus caras nacionales. Las piezas más pequeñas (1, 2 y 5 céntimos), hechas de acero recubierto de cobre, muestran el templo megalítico de Mnajdra, erigido hace unos cinco milenios. Las monedas intermedias (10, 20 y 50 céntimos), cuya composición es 89% cobre, 5% aluminio, 5% zinc y 1% estaño, llevan el escudo de Malta como elemento principal. Las piezas de mayor valor (1 y 2 euros), que combinan a la inversa una parte de cuproníquel y otra de níquel y latón, presentan como motivo central la cruz de Malta, característica de los caballeros hospitalarios. La cruz que aparece tanto en el escudo como en la bandera de Malta es la llamada cruz de San Jorge, otorgada por el rey británico Jorge VI al pueblo maltés por su leal comportamiento durante la II Guerra Mundial. Es una cruz griega de plata en cuyo interior figura San Jorge abatiendo a un dragón, con el lema circundante “For Gallantry” (Al Heroísmo) y las iniciales G-VI, alusivas a Jorge VI. La corona mural del escudo sirve para ilustrar el carácter republicano del país. Flanquean el blasón una rama de palma, relacionada con la victoria, y una rama de olivo, referida a la paz. Los colores rojo y blanco del escudo y la bandera son los empleados por el archipiélago a nivel institucional desde la Edad Media. El pabellón civil maltés, también bastante utilizado, consiste en una enseña roja con una cruz de Malta blanca en su centro. Este pabellón es similar a la bandera usada en las fiestas de Sant Joan por parte de la población menorquina de Ciutadella, si bien en este caso la cruz que ocupa el centro del paño rojo es una cruz patada. Los idiomas oficiales de Malta son el inglés y el maltés. Este último, derivado del árabe coloquial siciliano, es la única lengua semítica que se escribe en caracteres latinos.

Según los Evangelios (Mateo 14:1-12 y Marcos 6:14-29), el Bautista había sido encarcelado por Herodes Antipas por instigación de Herodías, con la que el tetrarca se había casado a pesar de ser ésta la esposa de su hermano. Herodías ansiaba la ejecución del Bautista, que proclamaba lo ilícito de su unión. Para lograr su propósito se valió de su hija Salomé, que tras bailar admirablemente ante Herodes, le pidió como premio, por orden de su madre, que al instante le trajesen en una bandeja la cabeza del Bautista. Entristecido, pues consideraba al Bautista un hombre justo, pero a la vez sintiéndose obligado por un torpe juramento realizado a Salomé, Herodes mandó decapitar a Juan. Su cabeza fue presentada en una bandeja a Salomé, la cual se la llevó a su madre. Escenas relacionadas con la decapitación del Bautista han sido plasmadas en pinturas de distintas épocas. En ellas cabe resaltar el contraste entre la lozanía, exhuberancia y expresividad de Salomé por un lado y los rasgos inertes del rostro del Bautista por otro. Algunas tradiciones artísticas y literarias intentaron mostrar cierto placer morboso por parte de Salomé en la recepción de la cabeza del santo, reforzando así el erotismo que ya de por sí desprendía la figura de la joven. Pero de los Evangelios se infiere claramente que la más interesada en la ejecución de Juan era Herodías, siendo su hija sólo el instrumento oportuno para conseguir que se produjese dicha muerte. El que los hospitalarios recurriesen en sus acuñaciones monetales a la cruda imagen de la cabeza cortada de su santo de referencia nos permite entender mejor cuál era su mentalidad y predisposición. Buscaron valor en una imagen que enaltecía la derrota, por si en momentos decisivos, de probable derrota, necesitaban su máximo valor.

LA INFLUENCIA ITALIANA EN LAS PRIMERAS MONEDAS DE ALBANIA

2010-12-01T00:00:00.023+01:00

Para Ana, agua y luz, verde mirar

El diseño de los motivos principales de las primeras monedas albanesas correspondió a los grabadores italianos (“incisori”) Giuseppe Romagnoli y Atilio Motti, artistas de referencia y larga trayectoria en la numismática italiana. Mientras que la labor inicial de creación la realizaba Romagnoli, el proceso concreto de grabación lo asumía generalmente Motti, que desde 1913 era el grabador jefe de la “Regia Zecca” romana. La colaboración entre ambos fue estrecha, y se tradujo en representaciones clasicistas, entroncadas con la más genuina numismática de tradición grecorromana. Las figuras elegidas, tanto humanas como animales, rebosan fuerza y convicción, optándose con frecuencia por estudios anatómicos en los que la desnudez se acompaña de elementos complementarios, enfatizando así el simbolismo de éstos. La seguridad y determinación de que hacen gala las figuras mediante sus expresiones, gestos y actitudes pretendían infundir confianza entre los ciudadanos albaneses hacia las medidas políticas y económicas desplegadas por el aparato dirigente del joven estado. Se trata de un tipo de arte que revela la clara influencia que sobre Albania ejercía por entonces el violento régimen fascista italiano de Mussolini, para el cual era mejor “vivir un día como león que cien años como oveja”. El exaltado líder tenía a Albania dentro de sus miras expansionistas, pero de momento se conformaba con el control propagandístico de la ideología imperante en el país vecino. El ejercicio de este agobiante patrocinio tenía en los soportes monetales una herramienta clave para el adoctrinamiento social. Al tratado de amistad sellado entre Albania e Italia en 1925 siguió otro de alianza defensiva suscrito en 1927. Eran sólo pasos previos que hiciesen menos traumática la futura anexión, llevada a cabo finalmente en 1939. Por ello no debemos considerar la simbología de las primeras monedas albanesas desde una óptica estrictamente nacional, dada la contaminación ideológica italiana, envuelta en imágenes de gran belleza.

En el primer sistema monetario albanés la unidad era el lek, cuyo plural es lekë. Estaba dividido en cien qindar leku. Cinco lekë equivalían a un franga ar. Y a su vez cada franga ar equivalía a cien qindar ar. Durante la ocupación italiana, la moneda albanesa fue también el lek, estableciéndose su paridad con respecto a la lira. Desde la recuperación de la independencia del país y hasta la actualidad, el lek se ha mantenido como moneda nacional, fijándose como divisor centesimal, para cuando fuese necesario, el qindarka. La mayoría de las monedas albanesas acuñadas tanto en el primer período de independencia del país como en los años de la ocupación italiana fueron realizadas en Roma, utilizándose como marca de ceca la tradicional R, presente ya incluso en monedas de época romana. En Viena se acuñaron 5.053 piezas de oro de veinte franga ar en 1927, y piezas de un lek y de medio lek en 1930, empleándose como marca de ceca una V. También figura la realización de un encargo a la ceca de Viena en 1927 de 50.000 piezas de plata de un franga ar, si bien es asunto discutido si se llevó a cabo finalmente la emisión. En Londres se acuñaron piezas de un lek y de medio lek en 1931, utilizándose como marca de ceca una L. Aparece con frecuencia en las primeras monedas albanesas el nombre de los grabadores, G. Romagnoli y A. Motti, acompañándose su nombre en las piezas de la partícula “inc.”, abreviatura de “incisori”. Entre los elementos presentes en ocasiones en las monedas albanesas podemos aludir a pequeñas estrellas de cinco puntas, utilizadas para diferenciar emisiones. Puntos, rombos, barras y guiones intervienen en algunos tipos en la secuenciación de los textos, separando palabras o cifras. También se emplean puntos para señalar abreviaturas, como en el caso del valor “franga ar”, que comúnmente se indica mediante unas pocas letras.

En muchas de las primeras monedas albanesas va el nombre del país en albanés, “Shqipni”, acompañándose en algunos casos del nombre latino, “Albania”. En la actualidad el nombre que recibe el estado es el de “Shqipëri”, parecido al original, y que significa “Tierra de águilas”. El nombre latino, mencionado por el geógrafo Ptolomeo en el siglo II para aludir a un grupo étnico de la región, haría referencia a las montañas nevadas. Las acuñaciones se iniciaron en 1926, por lo que habían tenido que pasar catorce años desde que Albania accedió a su independencia hasta que el país pudo contar con un sistema monetario propio. Las piezas de menor valor, realizadas en bronce, eran las de 5 y 10 qindar leku. Las de 5 qindar leku llevaban en el anverso una cabeza de león con las fauces abiertas, y en el reverso una ramita de hojas de roble. Las de 10 qindar leku utilizaban como símbolo en el anverso la cabeza de un águila con el pico entreabierto, mientras que el reverso lo ocupaban dos ramitas de olivo. El león miraba a la izquierda y el águila a la derecha, evitando así suspicacias políticas. El roble alude al continente y a las raíces indoeuropeas de la lengua y la cultura albanesas. En cambio el olivo está metafóricamente más relacionado con las influencias culturales provenientes del Mediterráneo, además de ser icono recurrente de la paz.

Las piezas de los tres siguientes valores (un cuarto de lek, medio lek y un lek) fueron hechas en níquel. Las de un cuarto de lek utilizaron como motivo iconográfico para el anverso a un león pasante hacia la izquierda, avanzando tranquilo, exhibiendo su fuerte constitución física. En el reverso iba una ramita de hojas de roble. Las monedas de medio lek muestran en el anverso a un hombre luchando desnudo contra un león. Este tipo de leontomaquia fue representado en diversos soportes a lo largo del Mediterráneo en el primer milenio antes de nuestra era, denotando una influencia ideológica y artística orientalizante. El combate es el de un héroe frente a una bestia. Si vence el héroe, adquirirá la fuerza del animal, convirtiéndose en el mejor de los mortales. Uno de los más famosos enfrentamientos de esta clase, recogido por la mitología griega, es el de Herakles contra el león de Nemea. En el primero de sus doce trabajos, Herakles logró vencer al león estrangulándolo, pues las armas eran incapaces de traspasar su gruesa piel. Una vez muerto, se la arrancó, vistiéndola desde entonces a modo de armadura. Por tanto Albania recurrió en monedas de distintos valores al león como prototipo de fuerza y coraje, provocando su lucha final contra un hombre, que le arrebata su vigor, y que encarna el poder del estado, dispuesto a enfrentarse uno a uno a todos los problemas que vayan presentándosele. Un significado motivador similar lo tenemos en la cancioncilla que se canta en campamentos y reuniones de escolares para concienciar a éstos de que pueden hacer grandes cosas: “Voy en busca de un león (bis), cogeré el más grande (bis), no tengo miedo (bis), mira cuántas flores (bis)”. En el reverso de las piezas de medio lek encontramos, al igual que en otras muchas, el escudo del país, consistente en un águila bicéfala de tradición bizantina. Su cuerpo está totalmente explayado, mostrándose irreverente, conforme a convenciones heráldicas relacionadas con la intimidación. Tiene las alas extendidas, las garras abiertas, la doble mirada amenazante y las lenguas fuera de los robustos picos. A este escudo se debe el que los albaneses se llamen a sí mismos “Hijos del Águila”. Mientras que en las monedas de 1926 el águila aparece exenta, en las de años posteriores, siendo ya Amet Zogu rey, el águila pasa a estar cobijada por un manto de armiño, coronándose con el casco caprino de Skanderbeg.

Las monedas de un lek acuñadas a partir de 1926 presentan en el anverso una cabeza mirando hacia la derecha. El hecho de que se acompañe del nombre del país podría hacernos pensar que se trata de una alegoría femenina de Albania, si bien el rostro presenta cierta ambigüedad de belleza apolínea, tal vez intencionada, es decir, que no está claro el sexo, lo que refuerza la inclusión de todos los ciudadanos en el significado alegórico de la imagen. Otra interpretación nos lleva al parecido con respecto al modo en que se representó en la Antigüedad a Alejandro Magno, que también dominó parte de Albania, y cuyo nombre está en el origen etimológico del de Skanderbeg. En el reverso un jinete vuela literalmente con su caballo sobre las aguas, hacia el Este. Sujeta con una mano las riendas y con la otra la espada, alzándola en actitud de acometer. Va únicamente vestido con una clámide, capa de lana fina propia de los soldados de caballería de época grecorromana. Esta semidesnudez hace que su vigor muscular parezca adaptarse en mayor medida al del caballo, como si ambos se complementasen a la perfección para perseguir lo mismo. La agresividad de la escena cuadraría mal con un significado abstracto, por lo que proponemos varios más concretos, en los que la orientación del jinete es clave. Podría tratarse de la idealización del pueblo albanés luchando contra los turcos, llegados del otro lado del Bósforo. O tal vez estaríamos ante el ímpetu esculpido de Alejandro Magno cruzando el Helesponto para iniciar la conquista de Persia. La interpretación más inquietante sería considerar que el mar representado es el Adriático, ya que en ese caso los artistas italianos habrían introducido un claro mensaje futurista, apuntando a que pronto Albania sería italiana.

En 1927 comenzó la acuñación de las piezas de un franga ar, cuya pureza en plata es de 835 milésimas. En el anverso de estas monedas va una cabeza galeada de una alegoría femenina de Albania. Su precioso casco, además de elementos ornamentales curvos, presenta cimera y alas decorativas laterales, llevando sobrepuesta una corona de laurel, símbolo de victoria. Las alas contribuyen a remarcar el carácter elevado de los intereses del pueblo albanés a través de su alegoría. No parecen relacionadas con el pétaso alado de Mercurio, deidad cuya presencia numismática suele usarse como estímulo del comercio. El hecho de que la alegoría lleve casco remite a las cercanas guerras de emancipación, recordando el tipo en su conjunto a la diosa Minerva, relacionada con la sabiduría, las artes y las técnicas de combate. Acerca del sexo de la imagen no hay en este caso dudas, gracias por ejemplo al uso de pendientes. En el reverso de estas piezas aparece una elaboradísima proa de navío, cuya estructura se organiza en función de niveles horizontales, incluyendo espolón de choque, decoración laureada y mascarón. Éste consiste en una cabeza de león en actitud fiera, que serviría como elemento mágicamente protector del barco, cumpliendo también un cometido de identificación. Otros adornos presentes en la proa son los óculos, de los cuales se aprecia uno. Mediante ellos se confería a la nave cierto carácter ritualizado de ser vivo, estrechando los vínculos de todos los miembros de la tripulación, cuya suerte podía ser la misma. Podemos señalar que estas monedas de un franga ar imitan claramente tipos clásicos de la Roma republicana, en algunos de los cuales iba una cabeza galeada de Roma deificada en el anverso y una proa en el reverso. Los grabadores jugaron nuevamente en la elección de los elementos simbólicos con motivos de marcada tradición itálica, adaptándolos a la iconografía estatal de la Albania independiente.

Las monedas de dos franga ar, acuñadas a partir de 1926, son también de plata de 835 milésimas. Su anverso lo ocupa el sembrador. Se trata de un hombre desnudo, lleno de fuerza, que esparce las semillas que extrae de un saco que lleva en bandolera, confiando en aprovechar la fertilidad de la tierra. La insistencia en la desnudez masculina en muchos de los tipos numismáticos albaneses del momento se explica como un elemento más de conexión con el arte grecorromano, además de permitir mostrar un perfecto estado físico, garantía a la hora de acometer los retos futuros. El motivo del sembrador, utilizado por diversos países a lo largo de su desarrollo histórico, posee una gran carga expresiva, apuntando por un lado al carácter esencial de la producción alimenticia, y por otro, de manera más simbólica, a la esperanza de que el esfuerzo presente produzca grandes frutos en todos los terrenos. Donde no hay nada, más adelante puede haber algo valioso, si la resolución de los ciudadanos es firme y su trabajo se vuelca en ello. Francia es la que ha dado más prestancia iconográfica a este motivo mediante la imagen de una alegoría republicana que camina sembrando. En el reverso de las piezas de dos franga ar campea un águila legionaria, de tipo similar a las de las insignias y los estandartes del antiguo ejército romano. El diseño del águila, alejado del modelo heráldico albanés del “pollo loco” de dos cabezas, encaja con el gusto fascista de la Italia de la época, en algunos de cuyos tipos monetarios se usaron rapaces similares, corpulentas, de aire imperial. Así pues, con la excusa de que los albaneses se consideran “Hijos del Águila”, los artistas italianos colocaron en las monedas del país un águila de la tradición militar romana, nuevo aviso de las intenciones imperialistas de su estado supuestamente amigo.

Desde 1926, el presidente de Albania, Amet Zogu, se hizo representar en los anversos de las monedas de metales nobles. En 1928 se autoproclamó rey con el nombre de Zog I, cambio que también quedó reflejado en las monedas acuñadas posteriormente. Los retratos monetales que de él se difundieron como presidente muestran a un hombre cercano, con preocupaciones más cotidianas, esbozando incluso una ligera sonrisa. En cambio en los retratos en que ya ejerce como monarca, la severidad de su rostro es algo mayor, proyectándose su mirada hacia la lejanía, y percibiéndose en el porte cierto encumbramiento áulico, todo ello en la línea idealizadora y cada vez más marcial que se estaba aplicando en las representaciones del rey de Italia, Víctor Manuel III (1900-1946). En los tipos monetarios emitidos mientras Amet Zogu fue presidente, se aprecia que su busto mira a la derecha en las piezas de plata y a la izquierda en las piezas de oro. En cambio, siendo ya rey, mira siempre hacia la derecha, tanto en las monedas de oro como en las de plata.

Amet Zogu, que profesaría siempre la fe islámica, nació en 1895 en el castillo de Burgajet, cerca de la ciudad albanesa de Burrel. Su verdadero apellido era Zogolli, pero como éste sonaba demasiado turco, lo cambió por Zogu, que en albanés significa “pájaro”. En su familia recaía hereditariamente la gobernación del distrito de Mat, perteneciente, como el resto de Albania, al Imperio Otomano. Amet Zogu se educó en el Liceo Imperial Galatasaray, en Estambul. A la muerte de su padre, sucedió a éste como gobernador de Mat. En 1912, en el contexto de las guerras balcánicas, Albania accedió a su independencia con respecto a los turcos, escapando así a la vez de la voracidad territorial de sus países vecinos. Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918), Amet Zogu colaboró con el finalmente derrotado Imperio Austro-Húngaro, siendo detenido en varias ocasiones. Su estancia en Viena le hizo familiarizarse con el estilo de vida europeo de esa pujante ciudad. A su regreso a Albania en 1919, Amet Zogu entró fácilmente en los principales círculos políticos del país, ganándose amplios apoyos entre los terratenientes del Sur y la nobleza del Norte, así como entre los comerciantes, empresarios e intelectuales. En los primeros años de la década de 1920 ocupó puestos de gran responsabilidad, como ministro del Interior y jefe del ejército. En 1923 fue disparado y herido en el Parlamento, hecho que revela la tensión política que se vivía en Albania en aquella época. Una revuelta social suscitada a mediados de 1924 como reacción al asesinato de uno de los oponentes industriales de Amet Zogu obligó a éste a exiliarse junto con buena parte de sus colaboradores. Pudo regresar a finales de ese mismo año a Albania gracias al respaldo de las tropas serbias. Fue elegido en 1925 por la Asamblea Constituyente como el primer presidente de Albania. Enseguida intentó implantar el modelo europeo en las viejas estructuras socioeconómicas heredadas del Imperio Otomano. Entre sus medidas occidentalizadoras estuvieron la eliminación gradual de la servidumbre y la prohibición del uso del velo. Entregó a Yugoslavia como agradecimiento por los servicios prestados a su causa el territorio de Sveti Naum, ahora perteneciente a Macedonia. Es decir, sus ambiciones políticas mermaron ligeramente la extensión territorial de Albania. Su gestión política de aquellos momentos se ensombreció por las tensas disputas con los líderes kosovares.

En 1928 Amet Zogu fue coronado como “Rey de los Albaneses” (Mbreti i Shqiptarevet), declarándose a la vez comandante en jefe del ejército. Intentó hacer creer que descendía de una hermana de Skanderbeg para dar así mayor legitimidad a su título. Nombró a su madre, Sadijé, reina madre, y dio títulos principescos a su hermano y a sus tres hermanas. Estas últimas participaron activamente en toda clase de eventos públicos, dando una imagen cercana de la recién creada realeza de Albania. Amet Zogu juró ante el Parlamento, sobre el Corán y sobre la Biblia, que haría un uso correcto de sus poderes reales. Quiso mediante este gesto contribuir a la unificación política del país, en el que tanto el Islam como el Cristianismo han estado siempre bien representados. Instituyó una monarquía constitucional similar a la que tenía Italia, reforzando los medios con que contaba la policía para que ésta actuase como defensa interna eficaz del ordenamiento impuesto. Implantó un saludo propio, consistente en colocar la mano derecha extendida y con la palma hacia abajo a la altura del corazón. Ordenó a las instituciones bancarias estatales la acumulación de piedras preciosas y objetos de oro, los cuales permitieron respaldar la emisión del primer papel moneda albanés, en el cual se hizo representar. La política fiscal albanesa estuvo intervenida por el gobierno italiano, que aportó grandes fondos para favorecer el despegue económico del país. Para intentar evitar que la dependencia con respecto a Italia derivase en absorción, la Constitución albanesa incluyó la prohibición absoluta de que el país se diluyese en cualquier otro estado, bien por vía de boda real o bien por cualquier otro medio. Amet Zogu aplicó medidas europeístas como las que había desarrollado Mustafá Kemal Atatürk en Turquía. Abolió la ley islámica, sustituyéndola por un código legislativo basado en el suizo. Renovó el sistema educativo y modernizó el ejército, que aun así siguió siendo muy débil en comparación con el de sus estados vecinos. Su régimen, a pesar de la connivencia con los movimientos fascistas, se tradujo en una mayor estabilidad para Albania. El rey era más apreciado entre las familias reales de los estados islámicos que en las cortes europeas, donde se le consideraba un advenedizo. Salió airoso de varios intentos de asesinato, incluso disparando él mismo. Entre sus enemigos estaba la familia Verlaci, por haber roto su compromiso con una joven de ese clan. Se casó en 1938 con una aristócrata católica, medio húngara y medio estadounidense, Geraldine Apponyi.

Desde prácticamente el inicio de su mandato presidencial, Amet Zogu se vio sometido al estresante intervencionismo político y económico de la Italia fascista de Mussolini. La crisis financiera internacional iniciada en 1929 agudizó la dependencia de Albania con respecto a su vecino de la otra orilla del Adriático, hasta el punto de que el Banco Nacional de Albania tenía su sede en Roma. Mientras que muchos trabajadores albaneses tuvieron que partir hacia otros países, colonos italianos se establecieron en Albania, principalmente en las regiones septentrionales. El control de sectores estratégicos para el desarrollo económico del nuevo estado recayó en empresas italianas. Mussolini solicitó que se implantase la enseñanza obligatoria de la lengua italiana en todas las escuelas de Albania. Amet Zogu no sólo rechazó esta propuesta, sino que además reaccionó nacionalizando los colegios católicos italianos que había en el Norte del país. Tras intentos fallidos de obtener en 1934 la alianza de otras potencias europeas, Albania volvió a entrar en la órbita de Italia, cuyo deseo último era anexionársela. La invasión se produjo finalmente el 7 de Abril de 1939, dos días después del nacimiento del príncipe heredero Leka, y meses antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. El rey huyó con su familia, llevándose consigo además buena parte de las reservas de oro del país, anteponiendo así nuevamente su bienestar personal al interés de todos los albaneses. El ejército, la policía y la población civil de Albania apenas pudieron oponer resistencia a las tropas italianas, que fueron bien recibidas por un sector importante del país, más preocupado por el futuro económico que por exhibiciones de patriotismo, y en el que la manipulación ideológica a través de las monedas y otros medios propagandísticos había surtido efecto. Albania pasó a ser un protectorado del Reino de Italia hasta que el descalabro bélico fascista de la Segunda Guerra Mundial le permitió recobrar su independencia en 1945, girando entonces hacia la tutela comunista soviética. La familia real albanesa, desposeída ya desde la invasión italiana de sus fugaces derechos al trono, vivió espléndidamente en el exilio, primero en el Reino Unido, luego en Egipto y finalmente en Francia, donde Amet Zogu falleció en 1961.

Las monedas de plata de cinco franga ar acuñadas en 1926 presentan en el anverso el busto de Amet Zogu acompañado de su nombre. Su pureza es mayor que la de las otras monedas albanesas de plata del momento, alcanzando las 900 milésimas. En el reverso está representada una escena agrícola. Un campesino guía una yunta de bueyes uncidos por un yugo de madera, arando así la tierra. Sostiene con su brazo derecho una larga vara con la que apunta firmemente hacia delante. La influencia simbólica italiana, más sutil en este caso, se manifiesta en la utilización de un arado romano, compuesto básicamente de timón (parte delantera de la que tiran los animales), cama (parte curva intermedia), dental (base de la herramienta agrícola), reja (pieza con la que realizar los surcos en la tierra) y esteva (conjunto final que servía al campesino para dominar el artilugio). La postura que tiene el agricultor en la moneda no es realista, pues parece que no le supusiese apenas esfuerzo el trabajo que está realizando. Lo normal sería que se valiese de las dos manos para empujar el arado, haciendo fuerza para que la reja se hundiese bien en el terreno. En cambio va erguido, sobrado de vigor, mirando resueltamente hacia el horizonte, conduciendo el arado con un solo brazo. Se establece cierta identificación metafórica entre Amet Zogu y el campesino del reverso, queriendo transmitir así la idea de que el primero también trabaja con plena confianza por el futuro del país, y como no, con los medios proporcionados por Italia. El campesino viste ropas tradicionales albanesas. Lleva en la cabeza un “qeleshë” o “plisi” (sombrero que en esta imagen tiene forma de cono truncado, pero que también podía ser de tendencia redondeada). El hombre luce “këmishë” (camisa) y “xhaketë” (chaquetilla corta). Su cintura se ciñe con una faja, llamada “brez”. El pantalón, holgado en su parte superior y más apretado en su parte inferior, recibe el nombre de “tirq”. Las sandalias apuntadas de cuero son las “opinga”. Otra prenda masculina típica de Albania, que no sale en la moneda, es la “fustanella”, falda corta y con volante plisado. Las mayores similitudes de los diferentes trajes regionales que se usaron en Albania hay que buscarlas principalmente en Grecia, dato que señala la larga trayectoria histórica de contactos culturales entre ambos territorios. La imagen elegida mezcla elementos clasicistas, como el arado romano (sin temer el dar la impresión de atraso tecnológico), con otros étnicos, como la vestimenta del agricultor.

Todas las monedas de oro acuñadas en Albania durante el mandato de Amet Zogu son de una pureza de 900 milésimas (21,6 quilates). Todas ellas (de diez, veinte, cincuenta y cien franga ar) llevan su imagen salvo un tipo, de veinte franga ar, que muestra en el anverso el busto de Skanderbeg, con poblada barba, y en el reverso el león alado del evangelista San Marcos. Paralelamente se hicieron otras piezas de oro de veinte franga ar con el retrato de Amet Zogu en el anverso y el águila exenta del escudo en el reverso (el mismo tipo que se usó para las de diez franga ar). La existencia contemporánea de ambos tipos tenía la clara finalidad de presentar a Amet Zogu como el digno sucesor de Skanderbeg, considerado unánimemente como el héroe nacional de Albania. El nombre auténtico de este aristócrata albanés era Gjergj Kastriot (1405-1468). Su apodo, que significa “Príncipe Alejandro”, se lo pusieron los ocupantes turcos, estableciendo así una comparación histórica con Alejandro Magno. Skanderbeg pertenecía por línea paterna a una poderosa familia epirota, mientras que su madre era una princesa proveniente de Macedonia. Tras la resistencia inicial de su familia a la dominación otomana, no le quedó a aquélla más remedio que someterse. Skanderbeg, junto a sus tres hermanos, fue llevado como rehén a la corte turca. Allí se hizo musulmán. Destacó como alumno en la escuela militar de Edirne, y solventó con eficacia las batallas en que participó, siendo joven, al servicio de los otomanos. Se rebeló contra ellos en 1443 en una batalla librada contra los húngaros en Niš, cambiando de bando a la vez que otros trescientos albaneses. Marchó hacia Albania, donde consiguió reconquistar su ciudad natal, Krujë. Volvió a asumir la fe cristiana y, por solidaridad con Bizancio (que no sería tomada por los turcos hasta 1453), adoptó como estandarte un águila bicéfala, negra, por la dificultad del momento, en campo rojo como la sangre.

Skanderbeg sacó rápido provecho de los conocimientos militares que aprendió entre los turcos, convirtiéndose en un gran estratega. Fortificó enclaves vitales para la resistencia albanesa y organizó numerosas emboscadas en el escarpado territorio de su país. Unió a los príncipes albaneses en la llamada Liga de Lezhë, si bien algunos de ellos más adelante no pudieron soportar la presión bélica, pasando a colaborar con los otomanos. Las tropas turcas sufrieron varios fracasos serios en intentos vanos de retomar el control de la fortaleza de Krujë. El sultán Mehmet II, cuyas incursiones en suelo albanés eran realizadas con ejércitos numéricamente muy superiores, logró una importante victoria en 1455 en Vlorë. Dos años después fue derrotado por Skanderbeg entre Lezhë y Krujë, tras haber evitado éste ingeniosamente el choque final durante meses, mareando y desgastando a los turcos. Mehmet II y Skanderbeg suscribieron un tratado temporal de paz en 1461. Admirados por la resistencia de Albania e intentando crear líneas de contención al fulminante avance otomano en Europa Oriental, diversos estados cristianos proporcionaron ayuda a Skanderbeg en forma de dinero, provisiones y pequeños contingentes militares. Es el caso de Nápoles, Venecia y los territorios del Papado. El tiempo que Skanderbeg logró retener a los turcos fue de inestimable valor para que descartasen la invasión de la península itálica, deuda histórica que Italia ha intentado pagar en momentos diferentes con un trato de favor hacia los albaneses, pero cayendo en ocasiones en un exceso de intervencionismo e incluso en la tentación imperialista. El héroe cayó enfermo de malaria en Lezhë, donde murió a inicios de 1468. Su sucesor, Lekë Dukagjini, lideró la resistencia albanesa durante una década, hasta que en 1478 cayó la amurallada Krujë.

Entre los elementos mediante los cuales el arte albanés ha intentado idealizar a Skanderbeg destaca sin duda su casco, que corona el actual escudo del estado. El armazón metálico del casco, decorado con una banda horizontal, se prolonga en su parte superior con un prótomo caprino dotado de sendos cuernos, hecho en bronce y revestido de oro. En otras recreaciones la banda horizontal del casco se presenta adornada con rosetas y epigrafía ensalzadora. Su función primaria de atemorizar al enemigo quedaba claramente superada por la representativa. Es decir, quien llevaba ese excelso casco estaba al frente de los albaneses, dirigiendo su destino, como la cabra que, en un rebaño de ovejas, logra que éstas no sean tan indecisas al avanzar. El uso metonímico del casco de Skanderbeg en el escudo de Albania pretende traer a la memoria de los ciudadanos lo que costó conseguir la libertad como pueblo. El músico barroco veneciano Vivaldi (1678-1741) compuso una ópera en honor de Skanderbeg, sumándose así al reconocimiento que en Italia tuvo siempre el general albanés.

El león alado del reverso de las monedas de oro de veinte franga ar representa al evangelista San Marcos, siguiendo la tradición iconográfica cristiana. Este simbolismo está tomado de la interpretación altomedieval de un pasaje del Apocalipsis (4:1-11), en el que se menciona a cuatro seres vivientes que rodean el trono de Dios. Según la iluminación recibida en la isla de Patmos por San Juan, los seres estaban llenos de ojos por delante y por detrás, y cada uno tenía seis alas. “El primer viviente era semejante a un león; el segundo, semejante a un toro; el tercero tenía semblante como de hombre; y el cuarto era semejante a un águila voladora”. Estos seres fueron asociados conceptualmente por el arte cristiano posterior con los evangelistas Marcos, Lucas, Mateo y Juan de forma respectiva, en función de algunas características de sus evangelios, como la manera en que comienzan. En el caso de San Marcos, una de las primeras expresiones de su evangelio es la de “voz que clama en el desierto”, referente a San Juan Bautista, y que sería por tanto, para hacer encajar bien el significado metafórico, como el impactante rugido de un león. En la descripción visionaria que de los cuatro seres vivientes hace San Juan en el Apocalipsis se aprecia la influencia del “tetramorfos” que menciona el profeta Ezequiel al comienzo de su libro. Éste habla de la visión de cuatro seres vivos que tenían entre sí la misma forma, cada uno de los cuales lucía cuatro alas y cuatro caras: Una de hombre, otra de león, otra de toro y otra de águila. Los seres híbridos del arte de Mesopotamia, donde el pueblo judío estaba retenido cuando Ezequiel predicaba (Siglo VI a.C.), pudieron sugerir a éste algunos de los elementos simbólicos que utilizó, aplicándolos a la expresión de ideas religiosas.

En la moneda albanesa referida, el león, nimbado, sostiene con sus garras el evangelio y una rama de hojas de roble. El animal sirve para aludir a Venecia, que tiene como patrón a San Marcos, a quien está dedicada su catedral. En muchas de las plazas de la ciudad de Venecia ocupa un lugar preeminente la escultura del león alado, presente también en su escudo y en su bandera. El hecho de que aparezca el símbolo veneciano por excelencia en esta moneda albanesa se debe al deseo de remarcar que algunos territorios albaneses pertenecieron en determinados momentos históricos a la Serenísima República de Venecia. Ésta controló desde fines del siglo X numerosos enclaves insulares y costeros en el Adriático y en el Mediterráneo Oriental, que actuaban como importantes plataformas comerciales fortificadas. En el caso de Albania, la presencia militar veneciana se centró en la prestigiosa ciudad portuaria de Dürres (la colonia corintia de Epidamnos, fundada en el 627 a.C., luego rebautizada por los romanos como Dyrrachium, y conocida por los italianos como Durazzo). Venecia adquirió la soberanía de Dürres en 1205, si bien sólo la conservó fugazmente. En cambio su autoridad sobre la ciudad albanesa fue mucho más estable entre 1392 y 1501, año este último en que fue conquistada por los otomanos. Actualmente Dürres sigue siendo un destacado centro administrativo, así como la segunda ciudad albanesa en población, sólo por detrás de la capital del país, Tirana. Mucho menos duradera fue la impronta medieval veneciana en el distrito albanés septentrional de Shkodër (Sculari), que tras la independencia de Albania volvió a recibir bastantes colonos italianos. En cuanto a Vlorë (Valona), nunca llegó a ser veneciana, al haber fracasado en 1418 el intento de arrebatársela a los turcos, que la habían conquistado un año antes.

¿Por qué sujeta el león en la moneda aludida una rama de hojas de roble? Una posible explicación, quizás demasiado funcional, sería que de roble están hechos los pilotes que sostienen muchos de los edificios de la ciudad de Venecia sobre las aguas de sus canales. Este protagonismo lo comparte el roble con otras especies de árboles, como el aliso, el alerce y el pino, por lo que la argumentación no parece decisiva. Podría tratarse de un guiño germanófilo, al ser la hoja de roble un emblema alemán frecuente, expresándose así la amistad entre los movimientos fascistas de Italia y Alemania. Pero todavía en el momento en que fue acuñada la moneda el partido nazi no se había hecho con el poder en Alemania, y además sería insólito que en las monedas nacionales de un país se escenificase la amistad de dos potencias extrañas. Habría que conceder por tanto mayor valor a la teoría que apunta hacia el significado general del roble en diversas tradiciones europeas, que lo consideran por su dureza y longevidad un icono de la perduración, de la lealtad y de la constancia, buena metáfora del sucederse de las generaciones humanas en el mismo territorio, sirviéndolas así de enlace. El roble está también culturalmente relacionado con los conceptos de justicia y verdad, hasta el punto de que en su presencia se realizaban juramentos y se sellaban acuerdos, confiriéndoles así un carácter sagrado. De las seis mil monedas albanesas de este tipo que se acuñaron en Roma en 1926, cien de ellas llevaban como marca de ceca no una R, sino un fasces consular. De estas cien, noventa fueron al parecer refundidas posteriormente por las autoridades comunistas para hacer una “damnatio memoriae” de la presencia de los símbolos fascistas en Albania. La utilización icónica del fasces, haz de treinta varillas, atadas y acompañadas de un hacha, era un signo claro de que eran los dirigentes italianos los que estaban moviendo los hilos de la política albanesa de aquella época. Estas piezas, al ser de oro, no estaban destinadas a la circulación entre las clases populares de Albania, sino que llegarían casi exclusivamente a las manos de las élites, cuya alianza era buscada con insistencia por Italia para preparar el camino de la futura anexión.

Las piezas de oro de cien franga ar acuñadas en 1926 y 1927 constituían las de mayor valor del sistema monetario albanés. En su anverso está representado Amet Zogu mirando hacia la izquierda, mientras que el reverso lo ocupa una biga conducida por un auriga. Éste sujeta con una mano las riendas y con la otra una larga fusta. En el instante que recoge la imagen, el auriga no golpea con la fusta a los dos caballos, sino que señala con ella hacia el frente y hacia arriba. Está semidesnudo, luciendo sólo un paño largo que no impide ver su excelente condición física. Los caballos, que dan la impresión de ser difíciles de controlar, tienen las patas delanteras elevadas, en la pose clásica de muchos retratos ecuestres ensalzadores, como disponiéndose a comenzar a galopar o por el contrario frenándose, haciendo en definitiva la voluntad del conductor del carro. La biga de la moneda no es empleada en el contexto de una competición de hipódromo, sino como un signo de poder, de forma similar al valor iconográfico que se le otorgaba al carro en el arte asirio o egipcio. El auriga sería metafóricamente Amet Zogu, encargado de dirigir la política albanesa. El motivo de la biga fue bastante utilizado en los denarios de la Roma republicana, destacando entre sus conductoras las alegorías aladas de la Victoria. En otras piezas la conductora era Venus, volando cerca de ella en muchos ejemplos una alegoría de la Victoria para ponerle una corona de laurel. Otras monedas mostraban como auriga a la Luna Lucífera, portadora de luz, o a la diosa Juno, relacionada con el matrimonio. Y en un denario de la gens Farsuleia de hacia el 75 a.C. la conductora del carro es una alegoría de la misma Roma. En la moneda albanesa analizada, si tomamos como referencia la numismática romana clásica, la biga incorporaría los significados de la victoria y de la extensión de la luz, acrecentando así la glorificación del auriga, trasunto del líder, término frecuente en los incipientes regímenes totalitarios del momento.

Tras algunos años de parón en las acuñaciones, en 1935 volvieron a emitirse nuevas piezas. Las de uno y dos qindar ar tenían en el anverso el águila bicéfala del escudo albanés, exenta. En los reversos iba una rama de roble en las de un qindar ar y una rama de olivo en las de dos qindar ar. Las piezas de plata de uno y dos franga ar llevaban la cabeza de Amet Zogu, ya como Zog I, en los anversos, mientras que en los reversos estaba el escudo albanés, más barroco, protegido con manto de armiño y coronado por el casco de Skanderbeg. La misma iconografía presentaban las piezas acuñadas en 1937 para conmemorar el 25 aniversario de la independencia de Albania, tanto las de plata de uno y dos franga ar como las de oro de veinte y cien franga ar. En 1938 se acuñaron algunas monedas de oro del mismo tipo de veinte y cien franga ar aludiendo a la boda real de Amet Zogu con Geraldine Apponyi, celebrada ese año. Las piezas de oro de veinte, cincuenta y cien franga ar con fecha de 1938 que hacen referencia al décimo aniversario de la monarquía albanesa parecen ser falsificaciones efectuadas en 1969 con el objeto de ser vendidas a un alto precio, haciéndolas pasar por antiguas. En 1939 Albania quedó integrada en el Imperio italiano, que en su momento de mayor extensión, durante la Segunda Guerra Mundial, llegó a englobar los territorios de Libia, Eritrea, Etiopía, parte de Somalia, el Dodecaneso, Istria, parte de Dalmacia y parte de Montenegro, así como el pequeño enclave comercial chino de Tianjin. La bandera que Italia impuso al protectorado de Albania tenía tanto símbolos fascistas como otros alusivos a la Casa de Saboya. Entre estos últimos está la cinta que repite tres veces el acrónimo FERT: “Foedere et Religione Tenemur” (Nos mantienen unidos el pacto y la religión).

Con la conquista de Albania por parte de las tropas italianas, cambiaron también los motivos empleados en las monedas del protectorado. Todos los anversos pasaron a ser ocupados por el rey de Italia, Víctor Manuel III, bien mirando a la derecha o bien mirando a la izquierda, sin casco en las piezas de plata y en las de menor valor, hechas de una aleación de bronce y aluminio, y con casco en las monedas de valores intermedios, hechas de acero inoxidable. Este último material, característico de la numismática italiana, permite que las piezas se conserven en muy buen estado durante mucho tiempo, suponiendo un importante gasto su producción. El motivo que ocupó los reversos fue el águila albanesa, exenta y flanqueada por fasces, salvo en los dos valores menores, que conservaron respectivamente la rama de roble y la rama de olivo. Las piezas del período comunista destinadas a la circulación normal fueron bastante sencillas en cuanto a la simbología empleada. En el anverso iba generalmente el nuevo escudo del país, en el que el águila bicéfala estaba rematada por una estrella de cinco puntas y cobijada por espigas de trigo, con la fecha del Primer Congreso Antifascista de Liberación Nacional en una cinta: 24 de Mayo de 1944. Dicho congreso, celebrado en la ciudad albanesa de Përmet, otorgó amplios poderes a Enver Hoxha, veterano de la guerra civil española, que sería primer ministro de Albania entre 1946 y 1985. El reverso de las piezas estaba reservado para las marcas de valor, acompañadas de espigas de trigo enlazadas. Tanto en el anverso como en el reverso de las monedas había también un número variable de estrellas ornamentales de cinco puntas, conforme a las directrices estéticas del momento. Otras piezas conmemorativas o de metales nobles acuñadas en el período comunista diversificaron los motivos, pasando a incluir por ejemplo soldados, espadas tradicionales de hoja curva o de punta curva, alegorías femeninas, ferrocarriles, retratos idealizados de Skanderbeg e imágenes de las ciudades de Gjirokastër, Butrinti y Dürres.

En 1992 se celebraron en Albania por vez primera elecciones libres, estableciéndose así en el país los cimientos de la democracia. Las monedas albanesas recientes han recuperado en los reversos las ramas de roble y de olivo. En los anversos podemos señalar la presencia de: Un pelícano (alusivo a la fauna del país); el águila bicéfala del escudo (sin aditamentos); la ciudadela de Berat (declarada patrimonio de la humanidad); una embarcación conocida como liburna (usada por los piratas ilirios y luego imitada por los romanos); un retrato ecuestre de Gentio (el último rey que tuvo Iliria, entre 181 y 168 a.C., justo antes de la anexión del territorio por parte del Imperio Romano); y un retrato con lanza y escudo de Teuta (reina de Iliria entre los años 231 y 228 a.C., que desde su capital, Shkodër, organizó el hostigamiento con barcos piratas a las embarcaciones mercantes romanas, siendo al final derrotada militarmente por la armada de Roma). Se aprecia por tanto en los motivos de las nuevas monedas albanesas la búsqueda de la conexión étnica prerromana, creándose una romántica asociación de la población actual con los ilirios. Esta vinculación cultural y genética existe, pero por supuesto entremezclada con el aporte de otros muchos grupos humanos que llegaron a lo largo de los siglos hasta el territorio albanés, como griegos, itálicos, eslavos, turcos… Se nota igualmente el deseo iconográfico actual de identificarse con elementos opuestos a Roma, y por extensión a Italia, que osó poner en cuestión la existencia del sentimiento nacional albanés. En este sentido, ¿por qué no recurre Albania a la imagen de Pirro (318-272 a.C.), rey del Epiro, que tantas molestias ocasionó al ejército romano? Quizás porque el Epiro englobaba principalmente el Noroeste de Grecia, y tan sólo la cuarta parte del actual territorio albanés, siendo además Pirro étnica y culturalmente helénico. Éste fue protegido en su niñez y educado durante una década por la tribu iliria de los taulantios, tan helenizada por la cercanía de la colonia de Epidamnos que sus miembros eran en muchos casos bilingües.

Finalmente, queremos realizar un breve comentario sobre el escultor y medallista boloñés Giuseppe Romagnoli, gran artífice de los diseños de las primeras monedas albanesas. Este reconocido grabador, a pesar de haber tenido una seria responsabilidad en la difusión de la estética fascista, tanto en Italia como en sus posesiones coloniales, ya había participado antes en la composición de algunos de los símbolos previos de la numismática italiana, encargándosele además tras la Segunda Guerra Mundial los nuevos motivos de las monedas de la Italia republicana, algunos de los cuales han circulado hasta la llegada del euro. Parece que era en definitiva “un mandado”, que antepuso su labor creativa a las cambiantes circunstancias políticas a las que se enfrentó su país, adaptándose a lo que en cada momento se le solicitaba. Los numerosos premios que recibió por sus trabajos escultóricos y en el terreno de la medallística revelan que era la persona más adecuada para expresar a través de las imágenes grabadas en las piezas circulantes lo que sentían los italianos, o lo que decidían los sucesivos gobiernos de Italia que debían sentir. Pero nunca tendrían que haber sido ni él ni Atilio Motti los creadores de la estética numismática albanesa, pues ésta, en lugar de ser expresión de las raíces culturales propias de Albania, fue capricho italiano, campo de experimentación de la propaganda imperialista de Mussolini. Tras la belleza y la exhibición de fuerza de esas imágenes se escondía una intención nada inocente. Ahora en cambio, sin ser tan bellas, las monedas albanesas actuales dicen sólo lo que quiere decir Albania, sin presiones exteriores. Siendo uno de los países más pobres de Europa, Albania, protectora de Kosovo, encuentra orgullo suficiente para presentarse, a través de sus monedas, como la Nueva Iliria.

ARCONTÓPULOS

2010-04-01T00:00:00.005+02:00

Entre los años 1086 y 1091, el emperador bizantino Alejo I (1081-1118) tuvo que repeler en Tracia las invasiones de los pechenegos y los cumanos, a los que se daba el calificativo artificial y clásico de escitas. Lo sucedido entonces, así como muchos otros de los hechos relevantes acaecidos durante el reinado de Alejo, fue narrado por la hija del soberano, Ana Comneno, en su obra “La Alexíada”. Es éste un libro historiográfico de gran detallismo escrito con la intención de exaltar la labor política, militar, social y religiosa desarrollada por Alejo. El estilo empleado por Ana Comneno en su obra es bastante panegirista y retórico, pero a pesar de ello su contenido aporta una inestimable visión interna de los muchos problemas que afectaban al Imperio bizantino y del modo en que Alejo trataba de atajarlos. En el caso de la llegada de los ejércitos pechenegos y cumanos a territorios interiores del Imperio la situación llegó a ser desesperada. Alejo tuvo que recurrir por entonces a la confiscación de muchos bienes eclesiásticos que le aportasen ingresos con los que financiar la guerra.

Los invasores habían infringido una gran derrota a las fuerzas bizantinas en la primavera de 1087 en Dristra, posición danubiana que no resistió, abriéndoles de esa manera las puertas hacia el corazón del Imperio. La propia vida de Alejo corrió peligro en la batalla, si bien Ana Comneno describe literariamente la destreza con la que al final el emperador logró escapar. Las luchas internas mantenidas entre cumanos y pechenegos por el reparto del botín evitaron el que las consecuencias fueran más graves para Bizancio. Alejo logró firmar un tratado con los pechenegos, los cuales decidieron romperlo poco después. El emperador casi siempre intentaba frenar diplomáticamente y mediante generosos regalos los posibles conflictos militares, para que los mismos no se reprodujesen en las distintas fronteras hasta extenuar al Imperio. Y es que los enemigos circunstanciales eran muchos, contándose entre ellos los turcos, los normandos e incluso los cruzados. El manejo astuto de las alianzas era fundamental para la supervivencia del estado. Así, en la primavera de 1091, Alejo recurrió al apoyo de los cumanos para enfrentarse con más garantías a los pechenegos, logrando derrotarlos en Lebunio. Contribuyeron a la victoria bizantina 500 caballeros enviados por el conde Roberto I de Flandes, escogidos personalmente por él mismo, que además regaló al emperador 150 caballos excelentes.

Entre los episodios que se sucedieron durante la guerra contra los pechenegos hubo uno especialmente emotivo. Se trata de la formación de un contingente de soldados demasiado jóvenes, conocido como el batallón de los Arcontópulos (“La Alexíada”; VII; VII; 1-2). Estaba constituido por 2000 muchachos de edad no precisada, que según la descripción de Ana Comneno tenían la barba recién salida. La escasez de soldados y lo crítico de la situación bélica habían obligado a Alejo a ordenar su reclutamiento, buscándolos por todas partes. Eran hijos de soldados ya caídos. Se les puso el nombre de Arcontópulos, como si fueran hijos de Arcontes, en honor de sus padres, para que tuvieran siempre presentes la nobleza y el arrojo que habían demostrado éstos en vida. El definir a sus padres como Arcontes, algo propio de la obsesión bizantina por los títulos y la invención de cargos, era tremendamente prestigioso, pues equivalía a otorgarles de manera póstuma una función rectora dentro del Imperio, a pesar de que la mayoría habían sido sólo humildes soldados. Se realizó todo un ejercicio de adoctrinamiento para convertir a los jóvenes reclutas en extremadamente osados, pues desde una edad tan temprana se les inculcaba valores militares, entremezclados con una perspectiva generacional de la defensa secular del territorio patrio. Y ellos efectivamente respondían en los entrenamientos para el combate con tremendo ardor. Chirría entre nosotros la utilización de soldados tan jóvenes, casi niños, así como su manipulación educativa para transformarlos en guerreros de élite, capaces de entregar su corta vida en sacrificio por la pervivencia del estado. Estos escrúpulos morales debieron también hacer mella en Alejo, que aunque fue el creador del batallón dio muestras de profundo pesar ante la muerte de algunos de sus miembros, hasta el punto, siempre según la versión de su hija historiadora, de llorar por ellos y repetir entre lágrimas sus nombres. Esta supuesta afectación es quizás una excusa para hacer menos odiosa la existencia misma del batallón.

Todo parece indicar que aunque tras la muerte de Alejo el batallón de los Arcontópulos siguió existiendo, su uso militar pasaría a ser secundario, convirtiéndose más bien en una escuela para futuros soldados, destinados a integrarse en otros cuerpos de élite. En su diseño puede rastrearse la influencia por un lado de la compañía sagrada tebana, en la que se hacía hincapié en el compañerismo por binomios, y por otro lado de la precoz formación militar a la que eran sometidos los niños de los aristócratas espartanos. Ambos conceptos son relacionados por Ana Comneno al aludir erróneamente al origen lacedemonio de la compañía sagrada. En la guerra contra los pechenegos, la participación de los Arcontópulos consistió en el ataque por la retaguardia a los carros enemigos mientras éstos se desplazaban entre las ciudades de Taurocomo y Cariópolis. Su objetivo era abatir a los hombres que iban en lo alto de los carros para frenar su avance. Fueron respaldados en la acción por otras fuerzas especiales bizantinas. Tropas pechenegas emboscadas a los pies de una colina rechazaron el ataque, causando entre los Arcontópulos unas 300 bajas. Su impecable comportamiento en la jornada tuvo que servir como acicate a los soldados bizantinos más veteranos. No se vuelve a mencionar la intervención de los Arcontópulos en los combates, que progresivamente se decantaron del bando constantinopolitano. Ello refuerza la idea de que el recurso a soldados tan jóvenes se dio sólo en circunstancias críticas. La impresión producida por la muerte ante los pechenegos de unos 300 muchachos, arrebatados sin que su cuerpo hubiera al menos terminado de constituirse, tuvo que ser demasiado dolorosa como para permitir que volviera a repetirse.

En la historia encontramos más ejemplos de confección de divisiones militares de adolescentes, formadas en ocasiones cuando la guerra ya se había cebado con la muerte de buena parte de los soldados de mayor edad, anunciándose con ello el final rápido de la contienda. Con frecuencia se les encomendaba funciones de menor riesgo que contribuían al sostenimiento del esfuerzo bélico desplegado por el país. La formación militar a edad temprana fue implantada por regímenes fascistas y totalitarios, que pretendían así controlar cuanto antes el pensamiento y la fuerza de los individuos, sometiéndolos al cuestionable interés de la nación. En época reciente también ha sido habitual la integración de niños en los ejércitos, más común entre grupos rebeldes que en los contingentes estatales, donde se suelen cumplir mejor las normas de edad en el reclutamiento. El exterminio sistemático de algunas etnias por parte de estados opresores o etnias rivales las llevaba en algunos casos a la medida desesperada de armar hasta a sus niños, pensando que así protegían mejor su vida. Lo relacionado con la guerra atrae de forma misteriosamente primaria a muchos niños, por lo que su ideologización temprana puede transformarlos en abnegados combatientes. Por fortuna el sentido común y el grado de civilización alcanzado por la mayoría de las culturas tienden a evitar la implicación de los niños en los enfrentamientos armados. Las dificultades económicas por las que atraviesan muchos pueblos, si se mezclan con conflictos étnicos o religiosos, suponen un riesgo alto de estallido de guerras, en las que tanto directa o colateralmente sufren tremendamente los niños. El adolescente, aunque crezca en un marco político y económico injusto, aunque su grupo étnico se vea privado de derechos, aunque su pueblo esté sometido por otro pueblo, aunque se sienta miembro de una clase ninguneada, aunque se agolpen en su mente los agravios, debe formarse y esperar. Debe escuchar, hacerse con ideas poderosas, y elaborar otras con las que hacer triunfar la causa de su pueblo, la causa del pueblo. No debe emplear las armas, tiene otras formas de combatir. Quizás mientras crezca llegue una solución diplomática o pactada al conflicto planteado. No ha llegado su momento. Cuando llegue, demostrará sobradamente su valor.

GITANA EMERITENSE

2009-12-01T00:00:00.009+01:00

Impresiona el mirar un retrato antiguo, hecho con pretensiones realistas por las manos de un artista anónimo. Si no hay testimonio fotográfico del aspecto real de la persona, pueden sobrevenirnos las dudas acerca del grado de semejanza del retrato que miramos con respecto al modelo original, especialmente si sólo se posee ese retrato de dicha persona, lo que invalidaría el criterio comparativo. La escultura, al reproducir los volúmenes, aumenta la sensación de veracidad en la transmisión histórica de los rasgos físicos del sujeto, pero en muchos casos no recurre a la policromía, factor de la realidad en que la pintura le aventaja. Si tenemos en cuenta el número de individuos que han existido desde el origen de nuestra especie, el porcentaje de personas retratadas antes de la invención de la fotografía es ínfimo. Y mucho menor aún si seleccionamos sólo los retratos efectuados con la capacidad técnica necesaria para mostrar los rasgos reales de los sujetos, aunque haya siempre cierto alejamiento involuntario o provocado en su captación, por querer por ejemplo embellecer o afear su esencia material, idealizándola o mundanizándola. Un retrato de características fieles tiene la facultad de revivir en cierto modo a la persona, de sacarla de sus coordenadas espacio-temporales para ser contemplada en otro contexto histórico. Es una superación iconográfica de la muerte, lo que explica que muchos retratos antiguos fueran realizados por motivos religiosos o funerarios, cuando la persona enfermaba de gravedad, se hacía anciana o moría, a veces con intención de santificarla, heroizarla o deificarla. Este tipo de retratos buscaba normalmente reflejar a la persona en cierto esplendor vital, aun dentro de la vejez, ocultando la debilidad que acababa con su vida. Algunos retratos se realizaban como reconocimiento hacia alguien que por sus actos o creaciones se había hecho digno del recuerdo, o como muestra de la vanidad de los gobernantes del momento. Se incurría con frecuencia en el error de identificar la grandeza de un alma con la belleza de su presencia física, cuando no tiene por qué haber correspondencia entre ambos elementos. O se caía en el extremo opuesto, intentando reflejar la vileza de un individuo mediante la deformación de su imagen. En ocasiones el retrato era críptico, cuando por ejemplo servía en realidad con fines alegóricos o para mostrar a un personaje religioso o de otro tipo. Es decir, se usaba un modelo real para hacer de otro individuo o deidad, despersonalizando su esencia.

Un tipo de retrato específico que se presta a hacer conjeturas sobre él es el realizado por un artista desconocido con un modelo desconocido. Intuimos o es casi seguro que se trata de un retrato, pero sin que podamos poner nombre ni al autor ni a la persona reproducida. Se trata en cierta forma del tiempo retenido en el rostro y en los miembros de una persona que realmente existió, y de cuya existencia ha quedado constancia. Habrá quien piense que un retrato de quien no conocemos el nombre pierde gran parte de su valor como retrato, como si encontrásemos la fotografía de un desconocido caída en la calle. Pero este misterio acerca de la identidad del modelo no hace sino reforzar el carácter esencialmente humano del retrato. A la vez, cuanto más antiguo es el retrato, más llamativa se nos hace la comparación de los rasgos que son consustanciales a toda persona con los elementos sometidos a las alteraciones diacrónicas, susceptibles de ser estudiados en análisis iconológicos (peinados, atuendos, joyas…). El salto temporal dado por la imagen de la persona retratada desafía al olvido, y nos traslada en cierta manera a la época en que se desarrolló el conjunto de sus circunstancias personales. El retrato de una joven hispanorromana es el retrato de quien nunca ha montado en avión y de quien nunca ha ido al cine, pero sí de quien tiene nuestra misma conformación ósea, un envase humano y todo un conglomerado de aspiraciones, vivencias y sentimientos. Debemos considerar que su forma física es única, parecida a la de todos, pero única. Ahí radica la capacidad para conmover de su retrato, a pesar del vacío que pueda haber en su mirada, al remitirnos a alguien concreto de hace mucho tiempo, de código genético similar al de todos pero único, y a la vez imbricado con el nuestro.

En ocasiones queda la duda de si el retratado es el propio artista, aunque el carácter anónimo de sus realizaciones no invita a pensar en su deseo de inmortalizarse a sí mismo. Quien hacía algo bello y trabajoso sin ponerle su propio nombre contribuía también a enfatizar el carácter universal de su creación. Pero aun así él no tenía mil manos, sino sólo dos, o tal vez una. Es decir, era un individuo concreto sumergiéndose en la oscuridad de la historia, para que quedase sólo el testimonio físico de las características de lo realizado. El retratista se dedicaba a atrapar esencias, a convertir la carne en piedra, metal o color capaz de enfrentarse al devenir. En sus prácticas le saldrían retratos poco acordes con el original. Pero… ¿Y si tenemos la suerte de mirar su mejor retrato, el más próximo al modelo? Que parezca que en cualquier momento va a pestañear o a echarse a andar. No una persona abstracta, sino la persona retratada, un individuo que existió. Esta obsesión de fidelidad con respecto al modelo no tiene por qué ser paradigma de una mayor calidad artística, pero sí que tiene mayor poder evocador, mayor capacidad para recrear el pasado. El canon de belleza de una imagen esteriotipada de Venus contrasta históricamente con el retrato de una desconocida mujer lusitana. Ambas piezas tienen un destacado valor artístico y documental, pero la segunda incorpora el atractivo de hacer referencia a una desaparecida mujer real.

En el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida se conserva un amplio repertorio escultórico que incluye el busto de mármol blanco de una mujer joven conocida como “la gitana”. Este sobrenombre le fue dado por su peculiar corte de pelo, de largas patillas curvadas hacia delante, parecidas a las de algunos peinados dilatadamente mantenidos en el Sur peninsular. Es un tipo de patillas que se usó también en peinados femeninos de la década de 1920, conforme a modelos de reflujo difundidos desde París. El corte de pelo que luce esta dama hispanorromana está bastante aplastado, contribuyendo a definir la forma de la cabeza. Incluye flequillo corto y aladares algo rizados. En la mitad anterior de la cabeza el pelo está acusadamente peinado hacia delante, mientras que en la mitad posterior, cuyo inicio se marca mediante un resalte, el pelo de la joven se peina hacia atrás, formando un mazo largo en su terminación, que cae sobre el cuello hasta el arranque de la espalda. Es un peinado característico de la época julio-claudia (27 a.C. – 68), período que engloba a los emperadores Augusto, Tiberio, Calígula, Claudio y Nerón. Los retratos realizados en esa época dan muestras por lo general de un menor realismo que en el período republicano, suavizándose los rasgos, que se redondean, marcando menos los huesos faciales. Son elementos técnicos presentes en el retrato de “la gitana”, de carita intensamente pulimentada, que aun así se ajusta a criterios bastante realistas, como la inclusión de pequeñas marcas de expresión, todo lo cual permite fechar el busto hacia el cambio de era. Los lóbulos de sus orejas, las cuales quedan totalmente visibles, llevan unas perforaciones que permitirían insertar pendientes. Como divertimento la mujer retratada podía ponerle a su busto sus propios pendientes, dando así al mismo mayor sensación de viveza, combinando la piedra con el metal. Este tipo de perforaciones en las orejas de las esculturas femeninas se documenta también en otros bustos aproximadamente contemporáneos, como el de Julia Agripina “la menor” (15 – 59), también hallado en Mérida, uno de Azaila (Teruel) y uno de Pollentia (Baleares). Su mirada de grandes ojos no tiene mucha expresividad por no marcarse en ellos el iris y la pupila, pero sí que están bien definidos los párpados, las cejas arqueadas y los lacrimales. La pieza presenta diversos golpes y rasguños (cicatrices de la historia), así como la nariz rota. Bajo su fuerte cuello se marca la túnica mediante varias estrías curvas a modo de someros pliegues. La parte inferior de la pieza está simplemente desbastada sin tallar, sirviendo así de base cuadrangular para poder ser insertada en un soporte de fijación. El retrato de “la gitana” parece corresponder a una joven lusitana de familia aristocrática. Pudo ser hecho para reafirmar su presencia en un contexto en el que ella estuviese o no de manera cotidiana. Es decir, pudo estar expuesto en su propia casa o en la de unos familiares, o pudo mandarse hacer con motivo del ritual funerario. Sus llamativas patillas dan a la imagen cierto carácter autóctono, como si se hubiesen querido mezclar en el peinado elementos metropolitanos con otros de raigambre indígena, de rusticidad hispana (Una aristócrata de villa en la capital de la Lusitania). No parece sólo un rostro creíble, ligeramente idealizado, sino un encargo privado para inmortalizar a una mujer que existió de verdad.

LA CRISOPRASA DE LA DÉCIMA HILADA

2009-07-01T00:00:00.008+02:00

“Vi un cielo nuevo y una tierra nueva” (Apocalipsis 21:1)

En la parte final del Apocalipsis de San Juan se describe la Nueva Jerusalén, la ciudad celestial, como un lugar muy hermoso, que será heredado por quienes perseveren en la fe cristiana. En la descripción de la ciudad, concebida como recompensa, San Juan incide a través de numerosos símbolos y numerología en la belleza de su factura para así infundir ánimo en las comunidades cristianas, que estaban siendo sometidas en muchos casos al acoso de las autoridades romanas. El estilo visionario y metafórico del evangelista era en cambio entendido de forma bastante literal por los cristianos del siglo I, que esperaban que a las penalidades de su vida presente les sucediese una existencia plena en la ciudad santa. Allí no habría más muertes, ni duelos, ni gritos, ni trabajo. Tampoco habría mar, ni noche, ni templos. Todos los que venciesen las pruebas terrenas, los que derrotasen al pecado, podrían entrar allí, pasando a formar parte de un único reino. Esta ciudad actuaría como monumento bellísimo de la presencia de Dios.

La ciudad, que es la novia, la esposa del Cordero, es mostrada por un ángel a San Juan, que describe su brillo como el de la piedra más preciosa. Se trata de una ciudad inmensa de base cuadrangular, con la misma longitud, latitud y altura (doce mil estadios), lo que apunta hacia su situación en un lugar muy elevado, un monte místico. Está dotada de una gigantesca muralla de ciento cuarenta y cuatro codos de altura, con doce puertas siempre abiertas, tres en cada lado, custodiadas por doce ángeles, y con los nombres de las doce tribus de Israel escritos sobre ellas. Cada puerta está hecha de una colosal perla. La muralla presenta doce hiladas realizadas con piedras preciosas. Son hiladas de doce codos de altura cada una, y en ellas están escritos los nombres de los doce apóstoles, reconociendo así su importancia espiritual en la construcción del reino de Dios. ¿Está también escrito el nombre de Judas? ¿Su alma se salvó?

La primera hilada, asentada en tierra a modo de zócalo, la que más fácilmente se puede tocar, es de jaspe, mientras que las otras, por orden ascendente, son de zafiro, calcedonia, esmeralda, sardónice, cornalina, crisólito, berilo, topacio, crisoprasa, jacinto y amatista. El conjunto de la ciudad, incluyendo su plaza, es de oro, semejante a un vidrio puro y transparente. La luz no la proporcionan los astros, sino la gloria de Dios. De su trono sale un río de agua de vida, clara como el cristal. Hay también en la ciudad un árbol que cada mes da un tipo de fruto distinto, y cuyas hojas son saludables para las naciones. Para poder entrar en la ciudad santa y tener derecho al árbol de la vida es preciso lavar las túnicas, es decir, arrepentirse de las malas acciones. Los que habiten la ciudad servirán a Dios, pudiendo ver su rostro y llevando su nombre sobre la frente. Y reinarán eternamente. Describiendo la belleza de la Nueva Jerusalén, San Juan intenta fortalecer la voluntad de los seguidores de Cristo, para que se alcen airosos sobre las dificultades y persecuciones de su tiempo, y esperen con confianza el pronto regreso del Mesías, de aquél que es capaz de hacer nuevas todas las cosas. Para comprender la totalidad del mensaje es necesario leer el Apocalipsis, pues además San Juan, queriendo que nadie añadiese o quitase nada a sus palabras proféticas por tener certidumbre de su inspiración divina, advirtió al final del texto a los posibles manipuladores de la gravedad de su conducta.

La décima hilada de la muralla, que es por tanto la tercera más alta, está hecha de crisoprasa. El nombre de este material viene de las palabras griegas “chrysos” y “prason”, que significan respectivamente “oro” y “puerro”, pues su color verde recuerda al de este vegetal. La crisoprasa es una de las variedades más valoradas de calcedonia (mineral de estructura microcristalina relacionado con el cuarzo). No todas las calcedonias de color verde son crisoprasa, ya que entre ellas están también por ejemplo la prasa y la mtorolita. La prasa, poco frecuente en la naturaleza, tiene inclusiones de actinolita que restan intensidad a su color. Se encuentra en algunos yacimientos de Europa Oriental y en los estados norteamericanos de Delaware y Pennsylvania. La mtorolita, proveniente sobre todo de Zimbabue, es un tipo de calcedonia verde coloreada por cromo.

La crisoprasa es una de las formas en que se presenta el dióxido de silicio (SiO2), llamado comúnmente sílice. Según el contenido de silicatos hidratados o de óxidos de níquel, el color de la crisoprasa puede variar desde el verde limón al verde manzana o verde hierba, es decir, desde tonalidades pálidas a otras más oscuras. Es la proporción de níquel la que determina en muchos casos el color. El brillo de esta piedra preciosa va de vítreo a ceroso, pudiendo ser también resinoso. En cuanto a su translucencia, oscila entre casi transparente y casi opaca. El color de las gemas talladas tiende a ser uniforme y distribuido por igual, sin bandas. Más irregular es la coloración de las piedras en bruto, sobre todo si son de gran tamaño. Algunas piedras pueden tener inclusiones en forma de depósitos moteados negros o pardos, lo que les da una apariencia de jade. La crisoprasa más valorada, y por tanto la más cara, es la de color verde manzana intenso, si es que es a la vez translúcida sin nubes. En ocasiones se la tiñe para mejorar o aumentar su color, si bien este procedimiento en realidad la abarata. El color de la crisoprasa empalidece con el calor o incluso simplemente con la luz del sol, por lo que hay que tener cuidado al soldarla o pulirla. Y en cambio su color puede recuperarse si se la conserva en condiciones húmedas.

Entre las propiedades de la crisoprasa podemos citar su dureza aproximada de 6,5 en la escala de Mohs (es algo más dura que la ortoclasa y algo más blanda que el cuarzo). Su sistema de cristalización es el trigonal o romboédrico (con un eje ternario). Presenta fractura concoidea (en onda curva) y tenacidad elevada (opone una alta resistencia a ser rota, molida, doblada, desgarrada o suprimida). Su índice de refracción (cociente entre la velocidad de la luz en el vacío y la velocidad de la luz en el material cuyo índice se calcula) está entre 1,53 y 1,54. Su densidad relativa (cociente entre la densidad del material y la densidad del agua) está entre 2,58 y 2,64. Su birrefringencia (capacidad para desdoblar un rayo de luz incidente en dos rayos linealmente polarizados de manera perpendicular entre sí) es de 0,004. Es criptocristalina, es decir, se compone de cristales tan finos que no es posible diferenciarlos como partículas distintas utilizando ampliaciones normales. En su proceso de formación suelen actuar disoluciones acuosas hidrotermales de origen volcánico, o se registran otras alteraciones y disgregaciones físicas o químicas en las que está presente el níquel.

Desde al menos la época grecorromana, la crisoprasa ha sido una gema muy apreciada como piedra decorativa, susceptible de emplearse en joyería y para realizar objetos ornamentales. Se talla principalmente para producir cabujones engastables y cuentas esféricas para collares. En otros colgantes y collares las crisoprasas mantienen su forma irregular, pero recurriéndose al menos al pulimentado de las piezas para eliminar posibles bordes cortantes. Es también un material adecuado por su textura y brillo para la elaboración de camafeos y otros objetos en relieve o en hueco de la glíptica, como entalles, sellos y talismanes. Aun así no alcanza la popularidad que tiene la sardónice para la realización de camafeos, pues las bandas de esta última permiten al grabador jugar en la misma pieza con varias tonalidades, una para el fondo y otra para el motivo principal.

Carlos IV, emperador de origen checo del Sacro Imperio Romano Germánico entre 1355 y 1378, utilizó crisoprasas para decorar las paredes de la capilla de San Wenceslao en la catedral de Praga, así como para adornar la capilla de la Santa Cruz del castillo de Karlstein (República Checa). Ambos recintos sirvieron además para guardar joyas reales entre las que había algunas hechas con crisoprasas. La reina de Inglaterra Ana I Estuardo (1702-1714) sintió una gran atracción por estas gemas. La crisoprasa fue también una de las piedras preciosas preferidas por el rey de Prusia Federico II el Grande (1740-1786), especialmente si se la tallaba en cabujones con una sola fila de facetas en el borde. Mandó emplearla en la ornamentación de las salas de su palacio de verano de Sanssouci, en Potsdam (Alemania). El uso suntuario de la crisoprasa, engastada en joyas de oro y plata, tuvo un auge destacado durante la época victoriana (1837-1901) y en el período modernista, momento en que fue empleada en el diseño de objetos de Art Nouveau. Actualmente la crisoprasa no tiene demasiado protagonismo comercial, tal vez por la facilidad con que empalidece y por su nombre difícil de pronunciar. Además a veces se vende haciéndola pasar por jade, cuyo nombre exótico permite encontrar mejores compradores. Su mención en el Apocalipsis aumenta su atractivo simbólico, relacionado con los conceptos de la compasión, la clemencia, el altruismo, el crecimiento personal y la conexión con la naturaleza. Es una piedra considerada semipreciosa, resistente, duradera, no muy difícil de conseguir y no muy cara.

La región checa de Bohemia contó con importantes yacimientos de crisoprasa, explotados desde al menos la Baja Edad Media. Los depósitos bohemios de crisoprasa aparecen asociados a minas de níquel en el entorno de Křemže. Hacia el siglo XIV inició su actividad el que fue durante mucho tiempo el principal centro minero de crisoprasa, ubicado en Szklary (Zabkowicki; Polonia). Otros depósitos largamente trabajados son los de Sajonia (Alemania), entre los que se incluyen los de Chemnitz, Glauchau y Erzgebirde. Entre los actuales yacimientos de crisoprasa destaca por su volumen de extracción y por la calidad de las gemas el de Marlborough (Queensland; Australia), que lleva en funcionamiento desde 1963. Esta pequeña localidad australiana, fundada en 1856 y que cuenta sólo con 355 habitantes censados, debe gran parte de su prosperidad y renombre a las actividades mineras relacionadas con la explotación de la crisoprasa, que desde allí es enviada a los principales intermediarios comerciales y talleres de joyería de Hong Kong (China). Australia dispone también de otros yacimientos de crisoprasa, como los de Nundle (Nueva Gales del Sur), Kalgoorlie (Australia Occidental) y Wingellina (situado cerca del punto en que convergen las tres provincias más occidentales del país).

En Estados Unidos tienen bastante relevancia los yacimientos de crisoprasa de los siguientes condados: Mohave, La Paz y Gila (Arizona); Amador, Calaveras, Tulare y Plumas (California); Chaffee, Garfield, Grand y Mineral (Colorado); Douglas y Malheur (Oregón); Buncombe, Burke y Macon (Carolina del Norte); Saint Lawrence (Nueva York); Providence (Rhode Island); Berkshire (Massachussets); y Windham (Vermont). En Japón hay un yacimiento de crisoprasa en la playa de Oyashirazu, en la prefectura de Niigata. En Kazajistán está en explotación el depósito de crisoprasa de Sarykul-Boldy, en la provincia de Karaganda. Hay también crisoprasa en la posesión insular francesa de Nueva Caledonia, territorio que es uno de los principales exportadores de níquel. Otros países productores de crisoprasa son Sudáfrica, Tanzania, Madagascar, Brasil, India y Rusia. La crisoprasa rusa proviene en su mayoría de los montes Urales.

BIBLIOGRAFÍA:

- Crowe, Judith; “Guía ilustrada de las piedras preciosas”; Promopress; Hong Kong (China); 2007.
- Oldershaw, Cally; “Guía de las piedras preciosas”; Omega; Barcelona (España); 2007.

LAS MONEDAS DE 1 Y 2 CÉNTIMOS DE ALFONSO XIII

2008-12-01T00:00:00.015+01:00

Durante el reinado de Alfonso XIII (1886-1931) se pusieron en circulación, entre otras, monedas nuevas de bronce de 1 y 2 céntimos. Estas piezas pasaron a convivir con las del Gobierno Provisional, acuñadas en cobre con fecha de 1870 en cantidades ingentes, y que tuvieron un prolongado uso por parte de los ciudadanos. Las moneditas de 1 y 2 céntimos del Gobierno Provisional eran las hermanas pequeñas de las llamadas “Perra Chica” (5 Céntimos) y “Perra Gorda” (10 Céntimos), con las que compartían iconografía: Un león protegiendo el escudo del país en una cara y una alegoría de Hispania en la otra. Con las nuevas piezas realizadas en época de Alfonso XIII se intentó generalizar un perfil apuesto del monarca a la vez que se cubrían las necesidades de numerario, ya que el pequeño tamaño de las piezas aludidas provocaba su fácil pérdida.

Las monedas de 1 y 2 céntimos de Alfonso XIII mantuvieron el mismo diámetro que las anteriores, pero incrementaron ligeramente su grosor. Su diámetro respectivo era de 15 y 20 milímetros. Se recurrió a dos retratos diferentes del rey, apareciendo en ambos casos con indumentaria militar de cuello alto. El primero de los retratos, en el cual Alfonso XIII figura mirando a la derecha, más joven y con el pelo más largo, fue usado en las monedas de 1 céntimo de 1906 y en las de 2 céntimos de 1904 y 1905. El segundo retrato, en el que el monarca pasa a mirar hacia la izquierda, fue empleado en las monedas de 1 céntimo de 1911, 1912 y 1913, así como en las de 2 céntimos de 1911 y 1912. En la parte inferior del busto de ambos retratos se aprecian las siglas del grabador, B. M., más grandes y claras en el caso de la segunda representación. Se trata del artista Bartolomé Maura. La leyenda de anverso es: “Alfonso XIII por la G. de Dios”, abreviándose por tanto la palabra “Gracia”, dado el pequeño tamaño del cospel. La leyenda del reverso es: “Rey Constl. de España”, abreviándose en este caso la palabra “Constitucional” con una L de menor tamaño.

Bajo el retrato del anverso aparece siempre una estrella de seis puntas como marca de ceca, en cuyo interior van la última o las dos últimas cifras del año de acuñación, en función de si la pieza es de 1 o 2 céntimos. El escudo coronado de los reversos queda en el interior de una gráfila de puntos, acompañándose de la indicación del valor de la pieza: 1 C o 2 C. Tanto el anverso como el reverso disponen de una gráfila dentada junto al reborde. Los cantos son lisos. La fecha se muestra bajo el escudo, viéndose flanqueada por las siglas de los ensayadores y el juez de balanza: S. L. – V. en casi todas las piezas de 1 céntimo de 1906 (Arturo Sandoval, Vicente López y Remigio Vega); S. M. – V. en las piezas de 2 céntimos de 1904 y 1905, y en unas pocas piezas de 1 céntimo de 1906, muy valoradas por su rareza y por no saberse a ciencia cierta el número que de ellas se acuñó (Arturo Sandoval, Miguel Martínez y Remigio Vega); P. C. – V. en todas las monedas de 1 y 2 céntimos con el segundo retrato (Vidal Peiró, Rafael Caro y Remigio Vega).

El número general de monedas acuñadas de 1 y 2 céntimos de Alfonso XIII fue comparativamente pequeño con respecto a las piezas ya circulantes de esos valores, lo que parece reflejar una voluntad de propaganda visual en favor de la causa monárquica más que un refuerzo serio del numerario menor. De piezas de 1 céntimo se produjeron 7.500.000 en 1906, así como un pequeño lote de características especiales y número desconocido. En 1911 se hicieron 1.462.000 monedas de 1 céntimo, en 1912 un total de 2.109.000, y en 1913 la cantidad de 1.429.000. En cuanto a las monedas de 2 céntimos, se acuñaron 10.000.000 en 1904, 5.000.000 en 1905, 2.284.000 en 1911 y 5.216.000 en 1912. Los totales son 12.500.000 monedas de 1 céntimo y 22.500.000 monedas de 2 céntimos. Estas últimas son en la actualidad más fáciles de conseguir, tanto porque se produjeron más como por el hecho de que su mayor módulo evitó su extravío.

Una circunstancia que llama la atención al estudiar las monedas de 1 y 2 céntimos de Alfonso XIII es que muchas de ellas se encuentran perforadas o presentan intentos de perforación. No todos los agujeros efectuados sobre estas piezas parecen tener la misma explicación, pero sí que muchos de ellos apuntan hacia la utilización en colgantes, pendientes, pulseras… El tipo de perforación más habitual es la circular, practicada delicadamente sobre la cabeza del monarca, como si se quisiera usar su efigie en un colgante. En algunos casos este agujero se ve acompañado por otro en el extremo opuesto, lo que nos remitiría al uso en pulseras. Similar explicación tendrían los pequeños agujeros pareados dispuestos más próximos entre sí. Cuando los agujeros presentan un aspecto más tosco o atraviesan el rostro del rey, tenemos que hablar de escasa pericia o intentos de ultrajar su imagen por desacuerdos políticos.

Consideramos que desde poco tiempo después de su puesta en circulación, las moneditas mencionadas fueron usadas en la confección de joyas caseras y adornos artesanales de poco valor, pues gustó tanto su iconografía como el detallismo puesto en los distintos tipos. El llevar encima estas piezas reconvertidas en colgantes no siempre supondría una muestra de lealtad hacia la Corona, sino que simplemente podría deberse al deseo de mostrar un objeto hermoso, pasado por un filtro de cierta rusticidad, sin el empleo de metales nobles. Estas moneditas eran mucho más fáciles de agujerear que las de mayor módulo, por lo que se convirtieron en objetivo de los artesanos. Su escaso peso (1 y 2 gramos) las hacía idóneas para pendientes. Además debió de resultar glamourosa la imagen apuesta del rey, pues el tipo aludido de perforaciones se documenta menos en las moneditas anteriores del Gobierno Provisional. El uso de las piezas en adornos artesanales sería preferentemente femenino, quedando en el caso de los varones reducido prácticamente a colgantes u objetos más sobrios con los que mostrarse partidarios del régimen monárquico. Un aspecto controvertido sería el análisis de las fechas en que más habitual resultó la práctica de las perforaciones, inclinándonos nosotros por el período que va desde la aparición de estas monedas (1904) hasta la muerte en el exilio del monarca (1941), tras momentos de gran agitación política y militar. Se aprecia además una mayor predilección, a la hora de efectuar los agujeros, por las piezas del primer retrato, lo que podría llevarnos casi a circunscribir la práctica a inicios del siglo XX. Este primer retrato muestra a un Alfonso XIII todavía alejado de las convulsiones políticas posteriores, mientras que el segundo consagra ya una imagen mucho más cercana a la de la mayoría de los documentos fotográficos de la época.

LA LÍRICA DE ALCEO

2008-08-01T00:00:00.022+02:00

Para la Nueva Celia

La vida de Alceo se desarrolló a caballo de los siglos VII y VI a.C., aproximadamente entre los años 630 y 580 anteriores al cambio de era, sin que se puedan precisar sus fechas de nacimiento y muerte ni siquiera en lo relativo al año. Sí que parece seguro que Alceo nació en la polis griega de Mitilene, la principal ciudad de Lesbos, la octava isla mediterránea por su extensión. En el paisaje de Lesbos destacan la abundancia de olivos, algunas formaciones montañosas y dos extensos entrantes de mar que hacen su costa muy recortada. Lesbos aparece en los textos hititas con el nombre de Lazpas, mientras que en los relatos homéricos figura como Macaros. La lengua hablada por Alceo fue el dialecto eólico del griego, cuya llegada a la isla se relaciona con la colonización protagonizada siglos antes por los tesalios, reflejada en la saga mítica de la invasión de los Pentílidas. Mitilene no controlaba políticamente toda la isla, sino que en ella florecieron también otras ciudades-estado de menor relevancia, como Ereso, cuna de la poetisa Safo, coetánea de Alceo. Las ciudades lesbias ejercían además su autoridad sobre algunos territorios de las cercanas costas minorasiáticas, que funcionaban como avanzadillas comerciales y aportaban recursos agrícolas. La conservación de estos enclaves supuso a comienzos del siglo VI a.C. el pago de importantes tributos a los lidios, considerados los inventores de la moneda, y que no llegaron a hacerse nunca con el dominio político de Lesbos.

El nombre recibido al nacer por el poeta lesbio tiene resonancias míticas, pues Alceo fue según tradiciones griegas que se remontan al período micénico uno de los reyes de la ciudad peloponesia de Tirinto, hijo de Perseo y Andrómeda, padre de Anfitrión y abuelo de Heracles. La mitología está presente en muchas de las composiciones líricas de Alceo, así como la herencia épica de los combates homéricos, sin cuestionar apenas el valor de la tradición, y sin que el sentimiento religioso parezca derivar en una creencia sincera en la vida más allá de la muerte. El poeta asume que son sus cantos los que pueden hacer indelebles los hechos de los hombres. Aunque Alceo perteneciera a la aristocracia lesbia, no expresa en sus poemas de forma unívoca el conjunto de valores de su privilegiada clase, sino sólo a través de retazos que se mezclan con el apasionamiento puesto en la consecución de sus objetivos políticos. Ello en parte se debe a su deseo de no disgustar en exceso a los sectores populares, sin cuyo apoyo no era posible hacer efectiva la caída de los tiranos. El ambiente en el que creció y se educó Alceo fue de un refinado orientalismo, salpicándose los conocimientos griegos impartidos a los jóvenes nobles de la isla con otros préstamos culturales exóticos, tomados por ejemplo de la pujante y ostentosa civilización lidia. En sus versos hizo Alceo con orgullo gala de su preparación militar, aunque en momentos decisivos el protagonismo bélico de su familia se vio ensombrecido por la figura de Pítaco, que unió a su valía como estratega su habilidad política.

El tono y el estilo de la poesía de Alceo parecen más homogéneos que los de la poesía de Safo, y por tanto más fáciles de imitar. La sensibilidad y la melancolía de los versos de Safo contrastan con la fogosidad y el belicismo característicos de los poemas de Alceo. Ambos pertenecieron a la misma elevada clase social. El hecho de que se mencionasen mutuamente en sus composiciones revela la amistad que existió entre ellos, la cual pudo convertirlos en amantes ocasionales. No hay certeza de ello, como tampoco de que la escuela de niñas de Safo incluyera sistemáticamente la iniciación en el lesbianismo. Alceo dedicó a su compatriota versos encendidos: “¡Coronada de violetas, sonrisa de miel, santa Safo!”, deseando que “Ojalá la vergüenza no te impulse a evitarme”. La poesía cromática y ritual de Safo, más atenta a los detalles de la naturaleza, encuentra réplica en el vitalismo desbocado de los versos alcaicos, centrados en los complots urdidos en las celebraciones simposiacas. Con los dos alcanza su cenit la monodia arcaica lesbia, de estrofas cortas y metros variados y sencillos, canciones entonadas con el acompañamiento de instrumentos de cuerda, como la lira, la cítara o una especie de laúd, recurriéndose a veces también al refuerzo del sonido de la flauta. El adjetivo “lírico” es por tanto literal, ya que muchos de estos poemas son compuestos para ser recitados con ayuda de la lira, tanto en fiestas populares como en ceremonias más intimistas. La lírica lesbia arcaica es una poesía depurada, de gusto aristocrático y fuerte personalismo, dándole el uso del dialecto local un toque de naturalidad y transparencia. Conocemos el nombre de dos músicos lesbios anteriores a Safo y Alceo, elemento indicativo del refinamiento y progreso cultural alcanzado en la isla; se trata de Terpandro y Arión.

En un óleo realizado en 1881 por el pintor neoclásico neerlandés Lawrence Alma-Tadema, conocido por sus suntuosos cuadros historicistas inspirados preferentemente en la cotidianeidad del mundo grecorromano, Alceo aparece en un pequeño y marmóreo teatro, recostado sobre una silla, recitando con su lira para Safo, la cual le escucha en compañía de sus pupilas. En este cuadro, Safo, cuyo peinado reproduce el de los bustos romanos que la representaron, se apoya en un atril sobre el que hay una corona de laurel con una cinta, que será el premio que reciba Alceo por sus canciones. En los asientos del teatro están escritos los nombres de algunas de las amantes que la poetisa menciona en sus versos: Gongila de Colofón, Mnasidika, Erina de Teos, Anactoria de Mileto y la pequeña Attis. Una niña que se alza junto a Safo evoca a las “korai” arcaicas, por su posición erguida, el cabello largo y trenzado, su leve sonrisa y su túnica arrugada. En el tratamiento pictórico que reciben las mujeres en este óleo se refleja la sociedad victoriana, es decir, es como si se estuviesen representando mujeres de clase alta contemporáneas a Alma-Tadema, pero vestidas con peplo. El instrumento que sostiene Alceo en sus piernas va decorado con una escena tomada de una cerámica griega, en la que figura otro músico en similar postura. El poeta no parece del todo concentrado en la lira, como si sus preocupaciones políticas estuvieran también presentes ante su reducido auditorio femenino. La insularidad del contexto queda bien lograda, con el mar de fondo y otras costas a lo lejos. Alma-Tadema realizó el cuadro por encargo del rico coleccionista americano William Walters, que deseaba poseer un cuadro suyo de tema sáfico. Al introducir a Alceo en la composición, el pintor se decanta por las tradiciones relativas a su romance con Safo, si bien incluye además numerosas referencias al lesbianismo.

En la transición del siglo VII al VI a.C. la isla de Lesbos y su mayor polis, Mitilene, fueron escenario de violentos enfrentamientos civiles por alcanzar el poder. Finalmente, Pítaco, el líder de la facción popular, logró convertirse en tirano de Mitilene, cosechando además importantes victorias frente a los enemigos exteriores. Su ideario suponía la extensión de cierta igualdad sociopolítica a un mayor número de ciudadanos. Alceo y su hermano, simpatizantes del partido aristocrático, se vieron envueltos en los conflictos. La fraternidad a la que pertenecían intentó reiteradamente socavar o al menos limitar las atribuciones políticas que se daban a sí mismos los tiranos, si bien en otras ocasiones colaboró con ellos. La intervención de los lidios en los asuntos propios de Lesbos fue frecuente, a instancias muchas veces de solicitudes formuladas por los inquietos nobles de la isla. Los versos siguientes revelan el hecho de que los lidios prestaron apoyo económico a la facción que trabajaba por socavar el poder de los tiranos de Mitilene. Alceo indica que la ayuda fue prestada sin la confirmación de futuras contrapartidas y apenas iniciadas las gestiones diplomáticas, lo que revela el interés lidio por fomentar la guerra civil lesbia. Los lidios buscaban el debilitamiento de Mitilene para hacer indiscutible su intermediación en las operaciones mercantiles de Lesbos en Anatolia.

“Los lidios, padre Zeus, que se han conmovido
por nuestras desgracias, dos mil estateras
nos dieron por si podíamos la sagrada
ciudad asaltar,
sin recibir ninguna promesa nuestra
y sin conocernos. Pero él, como un zorro
de artera mente, entre hábiles arengas
tramaba engaños…”

En el fragmento reproducido aparece Pítaco, tirano de Mitilene, descrito como un zorro, hábil en la oratoria, capaz de arrastrar en su favor al pueblo. También cabe destacar la veneración de Alceo hacia su ciudad, a la que no duda en otorgar el calificativo de sagrada. Al menos en dos ocasiones, Alceo tuvo que exiliarse forzosamente, pero parece que al final de su vida pudo regresar a Lesbos, reconciliándose con Pítaco. En otros momentos de su intensa actividad política, Alceo tuvo que refugiarse en lugares apartados, más rurales, de la propia isla de Lesbos, lejos del bullicio de Mitilene, así como en las posesiones lesbias de Ásia Menor. No todos sus viajes serían por causa del exilio o para recabar apoyos, sino que los habría por afán de experimentar y conocer.

Los compiladores alejandrinos de época helenística lograron reunir diez libros con las poesías líricas de Alceo, pero de ellos sólo se conservan pequeños fragmentos, gracias en algunos casos a breves citas posteriores o a los papiros hallados en el enclave egipcio de Oxirrinco. Ya esos diez libros agrupaban los poemas de Alceo en cuatro tipos de composiciones: “Hymnoi”, “Stasiotika”, “Erotika” y “Skolia”. Las canciones englobadas en la denominación de “Stasiotika” son expresión directa de su compromiso con los asuntos políticos que afectaban a su ciudad-estado, y a ellas se debe gran parte del prestigio que alcanzó como poeta en la Antigüedad. El concepto de “Stasiotika”, equiparable al término alemán “Kampflieder”, es traducible como himnos de guerra o cantos de batalla. Pero más que hacer referencia a una guerra abierta entre dos enemigos seculares, nos remite a las luchas internas por el poder en Lesbos. Es decir, son cantos de revuelta, de reacción ante los gestos populistas de los tiranos. “Stasis” es la crisis interna de la polis, a menudo atenuada con las empresas coloniales. La tensión presente en dichas canciones es reflejo de la participación de Alceo en los embrollos militares por desbancar a los líderes de su patria, que en su opinión la llevaban al caos. No hay apenas en Alceo sentimiento de culpa, a pesar de haber sido él uno de los grandes agitadores del momento, uno de los artífices ideológicos de la guerra civil.

Muchas de las canciones elaboradas por Alceo serían entonadas en los rituales simposiacos, es decir, en las reuniones en que los aristócratas reforzaban su cohesión, expresándola de variadas formas, mediante por ejemplo la discusión de las metas políticas y militares comunes. En tales reuniones, cuyo carácter festivo o más comedido podía variar, estaba normalmente presente el vino mezclado, diluido, agilizador de lenguas y resorte de ideas. Como hemos comentado, Alceo escribió además otro tipo de poemas, como himnos a los dioses, canciones de amor y adaptaciones de los temas míticos. Su expresión resulta en ocasiones burlesca, hiriente, amenazante, no ocultando su júbilo por las desgracias que afectan al enemigo, del que describe prolijamente sus defectos físicos y morales. En definitiva, el lenguaje de Alceo peca de bravuconería, trasluciendo la alta estima que tenía de sí mismo su núcleo nobiliar. La traición, la intriga, la conspiración… forman parte de su mundo poético como recursos válidos para alterar el funcionamiento del sistema político impuesto por los tiranos. Algunas composiciones hacen referencia a los preparativos para la guerra, sin que sepamos en cada caso a ciencia cierta la medida en que la oposición al tirano se organizaba, pudiendo apuntar a veces a guerra civil real y otras sólo a disturbios callejeros tras las borracheras. Los altibajos de la discordia civil encontraban eco rápido en los versos de Alceo, sucediéndose los cantos optimistas, confiados en la victoria, y los que reconocen amargamente la supremacía de los tiranos. En la lírica de Alceo los sucesos políticos de Mitilene se entremezclan con su estado anímico, convirtiéndose en hechos personales por su grado de implicación real y afectiva. Se nota en el poeta una clara conmoción por lo mal que se adaptan los desfasados ideales homéricos de honor y gloria al tiempo que le toca vivir, con luchas viles entre partidos y personas, en el corazón de su orientalizada polis.

Desde el exilio, Alceo lamenta el no poder participar en la Asamblea de su polis, como hicieron sus antepasados inmediatos. Se siente excluido, le duele haber pasado a ser mero conocedor de los acontecimientos que sacuden su ciudad, sin ser ya uno más de los incendiarios. Mostrando su elitista mentalidad aristocrática, describe el verse apartado de la política como pasar a ser un campesino o un lobo en medio de la naturaleza, lejos de su amada ciudad. Ello refleja la temprana identificación que en Grecia se dio entre la polis y la política, entre la ciudad y la civilización. Desde algún paraje agreste de Lesbos o un territorio lesbio de ultramar, dotado de significado religioso, por ser centro de culto al que acuden las mujeres en sus festividades, Alceo expresa su desolación, aliviada por poder contemplar la belleza de las lesbias, ataviadas con sus largos vestidos sin mangas. Estas mujeres se convierten en compañeras a las que contar sus infortunios. Es una contrariedad para el poeta, que se jacta en repetidas ocasiones de estar listo para la guerra, el tener que probar por largo tiempo una vida relajada entre mujeres.

“…yo, desdichado,
vivo a la manera de un campesino,
anhelando escuchar, Argesilaidas,
los gritos que pregonan la asamblea
y el consejo. Eso que mi padre y el padre
de mi padre tuvieron hasta viejos
entre esos ciudadanos siempre en rencilla.
Pero estoy alejado de ellos yo,
exiliado en la lejanía, y aquí,
como Onomacles, en país de lobos
habito resignado a la guerra.
No es mejor soportar la revuelta…
Aquí el recinto de los dioses felices
frecuento cruzando esta oscura tierra,
con otras compañeras de camino…
y, con mis pies lejos de males, vivo
donde las lesbias de rozagante peplo
vienen a competir en belleza. Aquí
en torno retumba el griterío inmenso
de mujeres en sus anuales fiestas sacras.
… ¿Cuándo de mis muchos pesares
me van a liberar los Olímpicos?”

Entre los asuntos tratados por Alceo en sus rimas destaca la imagen de una nave que penosamente afronta una tempestad, metáfora de la difícil situación política por la que atravesaba su partido, así como de los inconvenientes y sacrificios que implica la lucha por el poder. Similar temática ya había sido desarrollada por el poeta Arquíloco de Paros, pero identificando en este caso la nave con el Estado, cuya integridad peligra. Este tipo de alegoría de la nave del Estado se perpetuó hasta nuestros días a través de distintos autores. La relación mental de barcos y Estados era lógica en una sociedad cuyas ciudades se comunicaban e interactuaban preferentemente por vía marítima. El poeta latino Horacio (65-8 a.C.), quien tradujo bastantes versos de Alceo, realizó con un estilo mimético al de éste una oda de parecidas características y significado, “Oh, navis”. Gracias a Horacio, que consideraba a Alceo como uno de sus maestros, nos han llegado muchos de los versos que del poeta griego quedan, pudiéndose así además analizar su métrica. El famoso fragmento náutico referido es:

“Me desconcierta la revuelta de los vientos.
De aquí llega rodando una ola y por allá
otra, y nosotros en medio arrastrados
nos vemos en nuestra nave negra,
afligidos por la muy enorme tempestad.
El agua de la sentina ya cubre el pie del mástil.
Toda la vela está ya transparente,
y cuelga en grandes jirones su tela,
no logran asidero las anclas, y el timón…
… mis dos piernas se afirman en las jarcias
y sólo esto me mantiene a salvo.
Toda la carga arrastrada fuera de borda va.”

Más emotivo es otro fragmento en el que Alceo llama a la cohesión y al valor de los ciudadanos transportados por la nave, de modo que no traicionen con un comportamiento cuestionable los ejemplos de coraje realizados por sus antepasados:

“De nuevo esta ola, como la de antes, avanza
contra nosotros, y nos dará mucho trabajo
resistirla cuando aborde nuestra nave…
… Aprestemos la defensa lo antes posible
y corramos al amparo de un puerto seguro.
Que a ninguno de nosotros la duda cobarde
le acose. Claro está que es enorme el empeño.
Recordad las fatigas que antaño soportamos.
Y que ahora todo hombre demuestre su valía.
Conque no avergoncemos por falta de coraje
a nuestros nobles padres que yacen bajo tierra.”

Las navegaciones efectuadas hacia el año 600 a.C. no se realizaban precisamente en condiciones de seguridad óptimas, a pesar de que en general se procuraba durante la travesía no apartarse demasiado de las costas. Las características geográficas del archipiélago egeo permitían a los marinos buscar refugio con prontitud en el puerto amigo más cercano en caso de tempestad o avería de la embarcación. Incluso al estar en territorio enemigo, las tropas interpretaban la visión del mar como elemento esperanzador, pues con los medios adecuados ése era el camino de regreso a su patria. Conservamos una súplica de Alceo, dirigida a los Dioscuros, para que acudan en socorro del amenazado barco en que se encuentra. Se trata de una ficción poética, pero que pudo tener como base algún susto experimentado en medio del mar embravecido.

“Dejando la isla de Pélope, acudid,
poderosos hijos de Zeus y de Leda.
Y con benévolo ánimo apareceos,
Cástor y Pólux,
que la vasta tierra y la mar entera
recorréis en vuestros veloces corceles,
y sin esfuerzo salváis a los humanos
de la cruel muerte,
cuando saltáis sobre lo alto del navío
y surgís entre las jarcias fulgurantes
trayendo una luz en la noche terrible
al negro bajel.”

Otro de los textos más conocidos de Alceo es el referido a la descripción de las bellas y brillantes armas acumuladas, susceptibles de ser empleadas en una próxima insurrección. Es controvertido el asunto de si se está refiriendo a un mero arsenal, quizás ubicado en una de las salas de su residencia, o a un templo dedicado a Ares o a otra divinidad, en el que como ofrendas temporales estuviera cuidadosamente ordenado el armamento. Cabe resaltar el valor poético otorgado a las armas, tanto por su belleza artesanal como por entenderlas como violentas impulsoras de los cambios políticos deseados. Y es que las armas muchas veces son la senda más rápida para hacerse con el poder. Tras conseguirlo, ya se vería cómo explicar su legitimidad, perniciosamente ganada por la sangre. Entre las armas descritas parece haber algunas ya pasadas de moda y otras más bárbaras que griegas.

“Destella la enorme mansión con el bronce;
y está todo el techo muy bien adornado
con refulgentes cascos, y de ellos
cuelgan los albos penachos de crines
de caballo, que engalanan el arnés
de un guerrero. De ganchos que ocultan
que están enganchadas las grebas brillantes
de bronce, defensas del más duro dardo,
los coseletes de lino reciente
y cóncavos escudos cubren el suelo.
Junto a ellos están las espadas de Cálcide,
y muchos cintos y casacas de guerra.
Ya no es posible olvidarnos de eso,
una vez que a la acción nos hemos lanzado.”

Alceo combatió contra el poder absoluto que sobre Mitilene ejercieron en distintas épocas tres tiranos: Melancro, Mírsilo y Pítaco. La muerte de Mírsilo hizo estallar de alegría al poeta, que escribió: “Ahora hay que emborracharse y beber / hasta el colmo, ¡que ha muerto Mírsilo!”. Su reacción, aunque comprensible, fue visceral y propia de una sociedad violenta, en la que la muerte del gobernante es concebida como el inicio de la regeneración nacional. A este respecto podemos citar la idealización que en época clásica, en pleno período democrático, se hizo de los tiranicidas Harmodio y Aristogitón, amantes, que por motivos más personales que políticos mataron al tirano de Atenas, Hiparco, en el 514 a.C., siendo ejecutados poco después. Se les ensalzó también visualmente mediante la colocación de sus estatuas, esculpidas por Antenor, en el ágora ateniense. Al principio la tiranía no era concebida en Grecia con tantas connotaciones negativas como actualmente, si bien tras las experiencias democráticas que tuvieron muchas “poleis”, sí que terminó adquiriendo un significado muy próximo al que nosotros conocemos, que es, en definitiva, el ejercicio indiscriminado de un poder político adquirido por la fuerza, sustentado en el populismo y la demagogia, y que crea además con frecuencia enemigos internos o extranjeros contra los que volcar las energías sociales, como vía de escape de las frustraciones reales de los ciudadanos. Como castigos humillantes para los tiranos, Alceo proponía por ejemplo arrancarles la barba, azotarlos, hacerles mover ruedas de molino y cubrirlos con ceniza caliente.

Entre los adversarios políticos de Alceo destacó sin duda Pítaco (640-568 a.C.), cuyo carisma se convirtió en la pesadilla del poeta. Su poder tiránico se extendió sobre Mitilene aproximadamente entre los años 589 y 579 a.C. El pueblo le había ofrecido la máxima autoridad recordando su brillante participación en el enfrentamiento librado contra los atenienses de Frinón por el enclave de Sigeo, situado cerca de la entrada del Helesponto. La batalla, que podemos fechar entre el 607 y el 603 a.C., fue algo más favorable a los atenienses. Pero en duelo, Pítaco venció y mató a Frinón, gracias a la estratagema de envolverle con una red que escondía tras su escudo. Pítaco es uno de los gobernantes mejor valorados de la Antigüedad a pesar de haber sido tirano, “aysimnetes”, hasta el punto de haber sido incluido en la lista de los siete sabios de Grecia. Fueron vanos los esfuerzos poéticos de Alceo por denostarle, debidos en gran medida a que desde la llegada de Pítaco al poder la aristocracia lesbia había sufrido una considerable pérdida de protagonismo político. Entre los elementos, tal vez exagerados por la tradición, asociados al mandato de Pítaco está su desapego a la autoridad suprema, que sólo decía haber aceptado por obligación moral, sabiendo que era lo mejor para su patria. Y también su benevolencia, pues al parecer perdonó al asesino de su hijo, así como a muchos nobles díscolos y contrarios a su persona, entre los que se encontraba Alceo. En una de sus composiciones, Alceo alude enfurecido a las palabras amistosas que le dirigió Pítaco, como si ningún agravio se hubiese dado entre ellos: “La ocasión me permite que te haga volver a tu patria”. También contribuyó al renombre de Pítaco la manera pacífica en que abandonó el poder, para intentar así que no se reprodujesen las luchas intestinas de los lesbios, dejando a Mitilene un ordenamiento legislativo sólido. Su aforismo más conocido es: “Debes saber escoger la oportunidad”. Y entre sus consejos para el buen gobierno estuvieron sentencias que indicaban que era mejor no hablar mal ni de los enemigos, no exponer de antemano lo que se va a hacer por si sale mal, saber perdonar a los contrarios para cohesionar al cuerpo ciudadano, y que es fácil advertir la valía de los hombres por la energía que ponen en lo que hacen.

Si la única fuente que tuviésemos para conocer la labor política de Pítaco en Mitilene fuesen los poemas de Alceo, nuestra visión de la misma sería tremendamente negativa. Repasemos algunas de las críticas que Alceo hace a Pítaco en sus composiciones.

“Suena alegre la lira que participa
del festín. Entre sus torpes compadres
él anda de juerga…
… Que él, emparentado con los Atridas,
devore la ciudad, como con Mírsilo,
hasta que quiera Ares alzarnos en armas.
¡Si pudiéramos olvidar nuestra rabia!
Dejemos la angustia que el corazón nos roe
y la guerra civil, que algún olímpico
envió, que conduce al pueblo al desastre,
y da a Pítaco su maldito renombre.”

Son versos en los que Alceo llama a sus partidarios a disfrutar de una animada celebración con cómida y música, sabiendo que lo mismo hacen los miembros del bando contrario, en un respiro del conflicto civil, que a su pesar está solventando Pítaco. El comienzo del mandato de Pítaco había sido recibido por Alceo con rabia e indignación:

“Al malnacido Pítaco de esta ciudad,
desdichada y cansina, le han hecho tirano,
después que todos lo elogiaron mucho.”

Cuantos más halagos recibe Pítaco por parte de sus conciudadanos, más se le revuelven las tripas al poeta, que arremete líricamente contra su sagrada Mitilene, dada a las rencillas, tachándola de desgraciada y baja de miras. Alceo considera que es Pítaco el que lleva la ciudad a la destrucción, no los que se alzan contra el nuevo orden impuesto por el tirano.

“Este recinto en común consagraron,
grande y bien visible, los lesbios, y dentro
elevaron altares a los dioses eternos
e invocaron a Zeus el Protector,
y a ti, ilustre diosa, la Eolia,
generadora de todo, y en tercer puesto
a éste, Piel de Corzo, a Dioniso,
devorador de carne cruda. Vamos,
con ánimo benévolo escuchad
nuestra súplica y salvadnos
de estos rigores y el amargo exilio.
Y que caiga sobre el hijo de Hirras
la Erinis vengadora de quienes antaño
juramos, con rito sagrado, no entregar
nunca a ninguno de los compañeros,
sino quedar muertos revestidos de tierra,
a manos de los hombres que entonces
mandaban, o matarlos y al pueblo
librarlo luego de sus penalidades.
Mas entre ellos el Panzudo no habló
de corazón, sino que sin reparos
los juramentos pisotea y devora
nuestra ciudad…”

El texto reproducido aporta bastante información acerca de lo que sucedía en el entorno de Alceo. Se trata de una súplica religiosa, efectuada a los dioses, para que liberen a la polis del tirano Pítaco. Parece efectuada desde el exilio, lejos de Mitilene, pero en algún lugar sometido por entonces o en el pasado a los lesbios, bien dentro o fuera de la isla. Podría tratarse del templo panlesbio de Pirra. En el texto se aprecia la búsqueda de un doble sentimiento de cohesión, por un lado de todos los ciudadanos de Mitilene, y por otro lado de todos los lesbios entre sí, independientemente de la ciudad-estado a la que perteneciesen, dados los vínculos étnicos, culturales, lingüísticos, históricos… existentes. Alceo alude a que Pítaco de joven efectuó como tantos otros ciudadanos lesbios el juramento por el cual se comprometía a luchar contra aquéllos que amenazasen el bienestar de su patria, no abandonando jamás a ninguno de sus compañeros. El poeta recrimina a Pítaco haber traicionado tal compromiso para convertirse en un tirano, cuando él mismo había luchado antes contra los que se arrogaban tal dignidad. El juramento mencionado tal vez explica el hecho de que Pítaco se mostrase tan condescendiente con sus enemigos políticos internos, conmutándoles con frecuencia las penas, mientras que con respecto a los enemigos exteriores se mostró mucho más implacable. El poema aporta el nombre del padre de Pítaco, Hirras (según otros textos Hirradio), mientras que por otras fuentes conocemos el de su hijo asesinado, Tirreo. Alceo se mofa de la panza del tirano, imaginamos que reciente, ya que, aunque no le impediría ser un buen estratega, sí que de joven le habría dificultado destacar en el ámbito militar. Por otros versos sueltos sabemos que Alceo llamó a Pítaco, entre otras muchas lindezas que servían a veces como clave satírica para no mencionar su nombre, “el de la cara de manzana” o el que tiene “mejillas de manzana”.

Algunos elementos indican que existió amistad entre Alceo y Pítaco durante su formación escolar y militar, pues ambos frecuentarían similares ambientes aristocráticos, transformándose luego su relación en rivalidad desde que el segundo aceptó el poder máximo. Alceo siempre le recriminó a Pítaco tal decisión, que consideraba una alianza interesada con las clases populares para acumular prestigio y riqueza. Al rememorar su propia juventud en el ejército y ver a otros jóvenes dispuestos a afrontar los peligros de la guerra, Alceo se siente llamado a elaborar cánticos que cumplan una función social motivadora, y que mitiguen en lo posible el temor a cosechar en la batalla una muerte temprana de dudosa necesidad:

“Ahora te cantamos a ti,
madre nutricia de estos tiernos jóvenes,
quienes sin preocuparse por su propio interés,
se unieron a las primeras filas
en el ejército de nuestro pueblo.”

¿Qué es lo que define a una polis? ¿Su estructura material o la actitud de sus habitantes? Alceo se esfuerza por remarcar que son los ciudadanos los que constituyen la esencia de la polis. Si una ciudad se despoblase y fuese ocupada por gentes distintas, ya no sería ella aunque conservase su nombre, pues habría quedado roto el vínculo histórico y genético entre el lugar y sus primitivos pobladores. De ahí la importancia de defenderla y prestigiarla, de convertir con valor, astucia y trabajo su nombre en respetable. El perímetro amurallado de las urbes antiguas, que unía a sus funciones defensivas otras de carácter simbólico y religioso, es equiparado por Alceo al conjunto de los ciudadanos, que quedan así transformados en los verdaderos muros de la polis.

“No son las casas finamente techadas,
ni las piedras de los muros bien construidos,
ni los canales ni los artilleros
los que hacen la ciudad,
sino los ciudadanos dispuestos a probar su fortuna…
… Ni las piedras ni la madera, ni el artificio del ebanista
hacen la ciudad,
sino los hombres que saben cómo mantenerse a salvo,
esos son los que constituyen los muros y la ciudad.”

El “symposion” o reunión de amigos para banquetear y beber en animada charla, queda bien reflejado en la poesía alcaica. De hecho, muchos de los versos de Alceo fueron compuestos con idea de ser recitados en tales reuniones. En ellas la variedad temática de las conversaciones era infinita, los asuntos se entremezclaban velozmente, en parte por el estado de exaltación que propiciaba el consumo de vino aguado o sazonado con miel. El agua retrasaba el aturdimiento provocado por el vino, permitiendo prolongar las reuniones. Las ideas iban así bullendo, confundiéndose verdades y bravatas. Los “symposia” en los que participó Alceo no tuvieron siempre el mismo carácter, pues mientras que en algunos primaban las celebraciones por asuntos familiares en otros se conspiraba abiertamente contra los tiranos. En ocasiones no era posible deslindar ambas facetas, de modo que a la vez que se celebraba un éxito político, se trataban cuestiones menores de índole personal. Alceo aprovechaba los convites para leer sus proclamas y versificaciones, mientras los instrumentos de cuerda o la flauta acompañaban la rítmica exposición de sus ideas. La bienvenida a la celebración podía incluir la entrega de guirnaldas de hojas y flores para la cabeza o el cuello de los invitados, cuyo pecho además podía recibir adornos y perfumes:

“Bien, venga cualquiera a ponernos al cuello
las guirnaldas trenzadas de flores de anís,
y luego derrame la mirra olorosa
en nuestro pecho.”

Hay bastantes versos de Alceo que elogian el vino y sus efectos: “El vino, caro amigo, es también la verdad”; “El vino, pues, es el espejo del hombre”; “No plantes ningún árbol antes que la vid”. El poeta considera que el vino hace que los hombres se muestren realmente como son, sin ocultar lo que teje su mente; el vino permite exponer abiertamente planteamientos arriesgados o sensaciones propias, sin temor a recibir la burla de los compañeros, aunque ésta a veces se produzca. Ante una situación adversa, ante el pesar producido por una contrariedad, Alceo recomienda no hundirse, sino recurrir al alivio del vino. Hasta ese punto estaba la ingesta del vino arraigada en las sociedades grecorromanas:

“No hay que abandonar el ánimo a los males.
Pues nada avanzaremos con apenarnos,
oh Bicquis, y no hay mejor remedio
que mandar a por vino y embriagarnos.”

Pero tras la borrachera, lo más probable es que el problema siguiera sin resolver, a pesar de la batería de soluciones enunciada con creciente frenesí en el “symposion”. También coloca Alceo el vino como ayuda frente a las terribles decisiones que sobre la vida de los hombres toman los dioses, o le sirve para evocar escenas de calidez hogareña mientras fuera ruge la tempestad:

“Zeus hace llover, baja del cielo
una enorme tormenta y están helados
los cursos de las aguas…
Desprecia la tormenta, aviva el fuego,
sazona, sin escatimarlo, el vino
dulce con miel, y luego reclina
tus sienes sobre un blando cojín.”

Esta aparente apología del alcoholismo efectuada por Alceo refleja en definitiva cómo los sectores aristocráticos de una sociedad que ha reflexionado sobre las miserias y fragilidades humanas recurren al consumo ritualizado del vino como acto integrador, buscando en él el olvido de las desgracias y una alegría pasajera:

“Bebamos. ¿A qué aguardar las candelas? Hay un dedo de día.
Descuelga y trae las grandes copas pintadas, enseguida.
Porque el vino lo dio a los humanos el hijo de Sémele y Zeus
para olvido de penas. Escancia mezclando uno y dos cazos,
y llena los vasos hasta el borde, y que una copa empuje
a la otra…”

La religiosidad está presente en los banquetes, efectuándose libaciones de gratitud a los dioses o en honor de los caídos. Los versos de Alceo revelan que aunque lo común era consumir el vino en celebraciones nocturnas, no era necesario esperar a la noche para empezar a beber. El vino transmite por tanto también en el lenguaje alcaico una idea de libertad frente a ciertas convenciones sociales, si bien era precisamente el sector nobiliar al que Alceo pertenecía el más preocupado por la conservación de las tradiciones. Se hace referencia en el texto anterior al uso de copas pintadas, las cuales por la cronología responderían seguramente al estilo de las figuras negras, con préstamos orientales y más volcado aún a los frisos de animales que a las escenas míticas que se desarrollarían posteriormente. Se alude también a la primitiva costumbre de brindar, de hacer chocar las copas para expresar la alegría o los deseos del grupo.

“Báñate las costillas en vino, que ya vuelve la estrella,
y es penosa la época, y todo está sediento y con ardor,
y suena el son de la cigarra en el follaje; con sus alas
derrama su fuerte y continua canción en el verano ardiente…
Florece el cardo. Ahora son mucho más pesadas las mujeres
y débiles los hombres, porque Sirio abrasa su cabeza y seca
sus rodillas.”

En medio del verano ardiente, la propuesta del poeta es una vez más el vino, esta vez para sobrellevar los perjuicios del calor. A pesar de indicar el debilitamiento que sufren los hombres, en verano eran comunes las iniciativas bélicas, tanto terrestres como marítimas, en contraste con otras épocas en que las tropas solían estar acantonadas. En un contexto simposiaco, en el que el vino hubiera alimentado la locuacidad de los comensales, tal vez surgió una de las frases más famosas de Alceo: “Si vas a decir lo que quieres, también vas a oír lo que no quieres”. Esta expresión nos sirve para resumir los esfuerzos dialécticos de Alceo, encaminados a retar a los partidarios de los tiranos y mostrar la debilidad de sus planteamientos, confiando en poder evitar un nuevo enfrentamiento civil.

En cuanto a las inclinaciones sexuales del poeta, pudieron ser variadas, si bien abundan más los textos que inciden en la belleza de las lesbias que los que elogian la belleza masculina, y sin que estos últimos aclaren si mantuvo relaciones homosexuales, práctica común entre los antiguos griegos. Uno de los fragmentos ambiguos referidos es: “Ruego que alguno invite al precioso Menón, / si quiere que yo tenga mi gozo en el banquete”. Cicerón criticó el hecho de que Alceo hubiese compuesto versos de amor destinados a muchachos, entre los cuales figuró su amigo Melanipo. A una mujer estaría seguramente dirigida la ferviente súplica que sigue, deseando enamorarla recitando con la lira: “¡Abre, que vengo de ronda, abre, te lo pido, te lo pido”. Si bien la frase es susceptible de otras interpretaciones, al igual que otros textos inconexos conservados del poeta. Entre ellos está la cita suelta de “Que no haya más muertes de mujeres”, la cual podría aludir a los desmanes que estaba acarreando el conflicto civil, o por el contrario podría ser una mera expresión poética ensalzadora de todo lo femenino. También se recrea Alceo con la contemplación de las mujeres en una escena poética voluptuosa, describiendo el baño de unas jóvenes en el río tracio Hebro:

“Hebro, hermosísimo río, que ante Eno
vas a desembocar en el mar purpúreo
tras cruzar, rugiendo, la tierra de Tracia
rica en caballos.
Y a ti acuden numerosas muchachas,
y con manos suaves a sus muslos llevan
como si fuera ungüento, hechizándose,
tu agua divina…”

En un poema oscuro de asunto prosaico Alceo exhorta a alguien a no tratar con prostitutas, pues ello arruina la hacienda y trae deshonor: “Lo que uno da a una prostituta equivale a arrojar semillas a la ola del mar canoso”. En otro fragmento confuso Alceo rechaza a una mujer vieja por la que él se interesó cuando ambos eran más jóvenes: “Tu tiempo ya ha pasado y el fruto que había ha sido todo recogido. Había esperanza de que tus sarmientos, en verdad bellos, dieran racimos nada escasos, pero es tarde”. Un tema popular recogido por la lírica alcaica es el de los cantos de despedida a alguien que va a embarcarse. Su emotividad radicaba en parte en que los peligros de la travesía o del destino alcanzado podían suponer el no ver más a quien partía. Entre los procedimientos líricos novedosos empleados por Alceo está la llamada “narración a saltos”, luego muy utilizada por Píndaro. El influjo hesiódico de su poesía lo podemos rastrear en el tratamiento de aspectos característicos de la vida cotididana, expresados de forma pasional y directa. No nos han llegado de Alceo muchas evocaciones femeninas, como este lamento desgarrado que pone en boca de una muchacha: “¡Ay de mí!, mujer desgraciada, sufridora de toda clase de infortunios… me alcanza mal insaciable y me nace en el pecho aterrado bramido de ciervo”. En unos versos, Alceo se lamenta de la acusación que le lanza un tal Amardis, probablemente medo, atribuyéndole el asesinato de un personaje de cierta relevancia. El poeta asegura no ser el asesino, pero a la vez afirma con su característica fanfarronería que dicha muerte no le desagrada.

La reflexión sobre el discurrir incansable de los días le lleva a decir: “En cuanto a mí, cuando la gravosa edad agote mis fuerzas / tendré todavía vigor para recordar a mis viejos amigos”. No faltan en las composiciones alcaicas las invitaciones a disfrutar de la efímera juventud, tema obsesivo, recurrente y hasta angustiado de la lírica griega. Alceo parece reprimir la ilusión trascendente de un joven demasiado impetuoso, dispuesto a desafiar a la muerte. En esta reflexión sobre la necesidad de aprovechar cada instante de la vida se entremezcla el mito de Sísifo, personaje con una genealogía ficticia vinculada a los lesbios a través de los eolios, el cual, queriendo regresar de la muerte, fue castigado a empujar eternamente un peñasco ladera arriba:

“Bebe y emborráchate, Melanipo, conmigo. ¿Qué piensas?
¿Que vas a vadear de nuevo el vorticoso Aqueronte,
una vez ya cruzado, y de nuevo del sol la luz clara
vas a ver? Vamos, no te empeñes en tamañas porfías.
En efecto, también Sísifo, rey de los eolios, que a todos
superaba en ingenio, se jactó de escapar a la muerte.
Y, desde luego, el muy artero, burlando su sino mortal,
dos veces cruzó el vorticoso Aqueronte. Terrible
y abrumador castigo le impuso el Crónida más tarde
bajo la negra tierra. Conque, vamos, no te ilusiones.
Mientras jóvenes seamos, más que nunca, ahora importa
gozar de todo aquello que un dios pueda ofrecernos.”

También a su joven amigo Melanipo va dirigido el poema en que Alceo se lamenta de haber perdido sus armas. La afrenta se produjo en la batalla de Sigeo, enclave del Helesponto disputado entre lesbios y atenienses. El resultado de la igualada batalla tuvo que ser sometido al arbitraje de Periandro, tirano de Corinto. Su decisión supuso que la ciudad colonial pasase a estar controlada por Atenas, conservando los lesbios como compensación moral el estratégico promontorio en que se situaba el túmulo erigido en honor de Aquiles. Este lugar sagrado fue asilo tradicional para los perseguidos, pues se consideraba una terrible impiedad matar a alguien allí. Al referirse al abandono de su pesado escudo, Alceo nos remite al tipo de combate fraternal hoplítico, en formación cerrada, con lanza larga y escudo redondo de gran diámetro. Fue necesario que Alceo dejase su escudo en el campo de batalla para poder salvar la vida, pues con él era imposible huir rápido. Se trataba de una deshonra que el poeta no quiso ocultar, y que le siguió atormentando cada vez que escribía versos para estimular el valor de la milicia ciudadana.

“Corre hacia la amada Mitilene, ¡Oh, heraldo!,
y dile a mi adorado Melanipo
que Alceo se encuentra a salvo,
aunque no sus armas.
Los atenienses colgaron su poderoso escudo como trofeo
en el templo de la diosa de glaucos ojos.”

Conservamos dos fragmentos en los que Alceo alude al escarnio que puede suponer el ser pobre. Él había crecido en un ambiente privilegiado, aristocrático, accediendo a una buena educación y a toda clase de ventajas sociales. Al mirar a su alrededor se da cuenta de las situaciones lamentables por las que atraviesan los económicamente desfavorecidos: “Cruel, insufrible daño es la Pobreza, que a un pueblo / grande somete a la par de su hermana, la Impotencia”. Personifica la pobreza y la impotencia, indicando que ambas están estrechamente ligadas, pues la falta de recursos impide acometer grandes empresas. Emite esta sentencia con cierto sentido nacional, en cuanto a que se lamenta de que un pueblo dotado de grandes condiciones y potencialidades, se ve condenado a ocuparse de asuntos mucho más prosaicos por su pobreza. Contrasta esta supuesta preocupación de Alceo por sus conciudadanos más pobres con el hecho de querer impedir la extensión de ciertos derechos al pueblo, principio en que se basó la gestión interesada de muchos tiranos. El sentido de clase es expresado por Alceo de forma aún más clara en esta estrofa:

“Pues cuentan que una vez Aristodamo
dijo en Esparta una frase indiscutible:
El dinero es el hombre; ningún pobre
resulta hombre valioso ni apreciado.”

La elección de Esparta para enmarcar el sentido del poema no es casual, pues esa polis griega encarnaba más que cualquier otra los valores relacionados con la austeridad, con el desprecio del dinero, exaltando en cambio las virtudes militares, inculcadas o retroalimentadas por poetas como Tirteo. Querer definir en Esparta a un hombre más por su dinero que por su arrojo era casi una blasfemia, a pesar de lo cual la sociedad espartana se cuidó mucho de segregar a la población en función de su origen aristocrático o humilde. Al hablar de dinero para referirnos a la época de Alceo no debemos pensar en términos de monedas de metales preciosos, pues la moneda apenas empezaba a difundirse por entonces por el ámbito griego, sino que debemos apuntar a otras fuentes de recursos y de creación de patrimonio, destacando entre todas, las posesiones agropecuarias o las derivadas de las actividades políticas y comerciales. Alceo recibió bastantes críticas por parte de escritores posteriores que consideraban que había puesto demasiado énfasis en la descripción de toda clase de lujos, desmarcando de manera clasista su existencia de la que llevaba la mayoría de la sacrificada población. Entre estos autores estuvo Quintiliano, escritor hispanorromano del siglo I.

La temática mitológica está presente en la poesía de Alceo, el cual emite juicios de valor moralizantes acerca del comportamiento de los personajes que pueblan los ciclos narrativos míticos. Adentrándose en la cosmovisión homérica de las tradiciones épicas griegas, Alceo contrapone la volubilidad de Helena, acusándola de causar la devastación de Troya, con la virtud de Tetis, de cuya unión con Peleo fue fruto el héroe Aquiles:

“Es fama, Helena, que la amarga ruina
a Príamo y a sus hijos les sobrevino
por tu culpa y Zeus arrasó con fuego
la santa Troya.
Cuán distinta era aquella doncella gentil
que el Eácida tomó del hogar de Nereo,
invitando a su boda a todos los dioses
al conducirla
a casa de Quirón. La joven esposa
soltó su cinto virginal. Y unió el amor
a Peleo y la mejor de las Nereidas.
Y ella, al año
le dio a luz un hijo, héroe supremo,
feliz conductor de sus bayos corceles;
mientras que por culpa de Helena murieron
Troya y los frigios.”

En otro fragmento Alceo insiste en los errores fatales cometidos por Helena, cuyo arrebato por amor supuso según el relato tradicional el abandono de su hija y su esposo, trayendo además consigo la muerte de muchos jóvenes guerreros, tanto compatriotas suyos como del bando de su raptor y nuevo valedor, Paris. Ni siquiera puede considerarse en favor de Helena el hecho de que renunciase por amor a una vida cómoda en palacio, pues en su destino pensó que tendría otra vida similar. En medio de la carnicería, descrita por Alceo como la que apaga los ojos de los soldados, aparece Aquiles, en cuya figura ve el poeta la encarnación del valor en el combate:

“Y perturbó en su pecho el ánimo
de la argiva Helena, y, enloquecida,
por el troyano traidor a su huésped,
marchó en su nave,
abandonando a su hija en palacio
y el suntuoso lecho de su esposo,
pues persuadió su corazón al amor
la hija de Zeus
y de Diona…
… a muchos de sus hermanos la negra tierra
los cubre, muertos en el llano de Troya
por culpa de ella.
Y muchos carros entre nubes de polvo
cayeron, y muchos mozos de ojos vivos
pisoteados quedaban, y a la matanza
venía Aquiles…”

Acerca de uno de los hermanos de Alceo, Antiménidas, versa el siguiente fragmento, en el que encontramos elementos comunes a los “nostoi”, relatos legendarios referidos a las peripecias que en el regreso a su hogar afrontaron los guerreros que habían participado en la guerra de Troya. La más conocida de este tipo de narraciones épicas es la Odisea, obra atribuida a Homero, en la que el protagonista alcanza con su nave los sitios más diversos, retrasándose mucho más de lo deseado el avistamiento de su hermosa isla de Ítaca. Las numerosas dificultades y los desvíos imprevistos que asaltan a los soldados en el regreso marítimo a su tierra tienen como explicación religiosa la cólera de algunas divinidades, disgustadas con el comportamiento impío de muchos griegos en el saqueo de Troya. Estos “nostoi” son también relacionables con los movimientos y alteraciones provocados por los llamados “pueblos del mar” en el convulso período en que se produjo la caída del poderío palacial micénico, hacia fines del siglo XIII a.C. y durante la siguiente centuria. Además son muestra de las exploraciones precoloniales realizadas por los griegos a lo largo del Mediterráneo, y de otros viajes de raíz diplomática o comercial. En el caso de estos breves versos de Alceo, estaríamos ante la vuelta triunfal de un valeroso guerrero griego, mercenario de los babilonios, curtido en gestas, y cuyo mayor tesoro es la suntuosidad de sus herramientas, las armas. Otra interpretación no nos remitiría a los “nostoi”, sino a los ecos de otro tipo de tradición heroica oriental, relacionada con Gilgamesh y las aventuras que vivió en su búsqueda de la inmortalidad, representadas en un buen número de manufacturas fenicias, las cuales muestran por ejemplo la lucha del hombre contra el león.

“… Has venido del confín de la tierra,
trayendo recubierta de oro
la empuñadura de marfil de tu espada,
y cumpliste una gran hazaña peleando
con los babilonios, y los libraste de agobios,
al matar a un guerrero tremendo
a quien sólo un palmo faltaba
para medir cinco codos reales.”

La riqueza de la mitología griega hace casi innecesario buscar claves interpretativas fuera de ella para la poesía alcaica, si bien recibió influencias culturales de los distintos pueblos vecinos minorasiáticos, más acusadas en el caso de Lesbos, cuyos asuntos fueron seguidos con interés por los lidios. Al igual que su hermano Antiménidas, es posible que Alceo combatiese ocasionalmente como mercenario durante su forzado exilio, tal vez al servicio de Egipto, lo cual explicaría estos versos: “Porque cuando yo estaba luchando contra los eritreos / Apolo se me apareció en sueños / con un ramo de tamarindo en la mano”. Entre los partidarios de que Alceo conoció Egipto durante su destierro se encontraba el geógrafo griego Estrabón. Es posible también que hubiese permanecido algún tiempo en territorio lidio recabando apoyos para su causa, lo que le habría llevado junto con otros nobles mitilenios hasta la corte capitalina de Sardes. Tanto Antiménidas como su otro hermano Ciquis eran de mayor edad que Alceo. Entre las familias lesbias rivales de la suya estaban la de los Arqueanáctidas y la de los Cleonáctidas. La religiosidad de Alceo se tradujo en sinceros elogios a los dioses, como si buscase en ellos inspiración y fuerza para sus versos, contribuyendo así mismo a fijar la cosmogonía imperante. A Ártemis la describe en estos términos, poniendo incluso palabras en sus labios:

“… A Febo de rubios cabellos al que la hija de Coos dio a luz
tras de unirse al Crónida ilustre que mora en las nubes.
Y Ártemis hizo el gran juramento que hacen los dioses:
“Juro por tu cabeza que seré siempre virgen indómita,
y viviré cazando sobre las cumbres de los montes agrestes.
Así que, vamos, consiente en esto y dame esta gracia”.
Así dijo. Y al punto asintió el Padre de los dioses felices.
A la doncella “Montaraz cazadora de ciervos” la llaman
los dioses y los hombres con digno sobrenombre.
Y Eros que el desmayo produce, a ella no se acerca.”

A Eros precisamente lo califica Alceo de “el más terrible de los dioses, / al que dio a luz Iris de bellas sandalias, tras de unirse a Céfiro de áurea cabellera”. Se inclina por esta genealogía de Eros, de entre las varias que se barajaban. Y al definirle como tan temible no hace sino sublimar el sentimiento del amor, frente a otro tipo de pesares o dolores físicos. Sobre el astuto Hermes tenemos unas líneas de una oración: “Salve, oh tú que reinas en Cilene, / pues mi ánimo quiere en himno celebrarte, a ti a quien en santas cimas parió Maya, / tras unirse al Crónida en todo soberano”. Con requiebros poéticos Alceo busca el favor de los dioses, dando además a los fieles fórmulas religiosas rítmicas con las que poder orar. Algunos de los himnos de Alceo son posiblemente encargos de santuarios en los que él mismo los habría cantado.

Si Safo aludió en sus versos a los gorriones, signo de que encontraba poesía y belleza en lo pequeño y cotidiano, Alceo dejó constancia de su curiosidad por el vuelo de las aves migratorias, a las que miraba admirado, preguntándose por su origen y destino: “¿Qué pájaros son estos de un país del confín del Océano, / que vienen como gansos de largo cuello y amplias alas?”. También recurrió a las aves para ilustrar ejemplos de temor o valentía: “Se acobardan como pájaros / a la vista repentina de una veloz águila”. Son pocos los poemas conservados en que Alceo dé muestras de una detenida observación de la naturaleza con sentido lírico, pues, como hemos analizado, su pensamiento andaba más en cuestiones políticas, como si se sintiese llamado a reorientar las voluntades de sus conciudadanos. Entre los versos naturalistas de Alceo se encuentran los siguientes, en los que se aprecia el interés musical por los sonidos que en su entorno emiten aves e insectos.

“Por los senderos coronados de flores,
entre las altas encinas,
con las variadas voces de los pájaros,
que llegaban desde el lago o desde las colinas,
por donde corría el agua fría,
que nutría los verdes viñedos.
Mientras sobre los barrancos
crecen los cañaverales largos y verdes,
el grillo, tartamudeando sus confusos gritos,
se deja oír a lo largo de las colinas primaverales
y en los caminos.
La golondrina alimenta a sus polluelos bajo las alas,
que bate mientras escucha sus gorjeos.”

Las innovaciones métricas introducidas tanto por Alceo como por Safo en la lírica griega fueron hábilmente recogidas y cultivadas por autores posteriores, dando renombre a la monodia arcaica lesbia. Las escasas noticias biográficas que conocemos de Alceo, alteradas por conjeturas nacidas en época romana, insisten en presentarle obcecado en su lucha contra los tiranos, a pesar de los perjuicios inmediatos que sus versos, alentadores del conflicto civil, pudieran ocasionar en la población. No había para él mejor sistema político que el tradicional, aquél que preservaba los derechos de los “aristoi”. Tuvo que dolerle el ver muertos por guerras intestinas a tantos mitilenios, pero aun así no vaciló en extender con sus canciones la agitación social. Lo que de positivo tuviera su lucha contra los tiranos quedaba ensombrecido por negarle a gran parte del pueblo la posibilidad de tener una mayor participación política. Era absurdo que Alceo buscase el apoyo del pueblo para impedir que el pueblo tuviera mayor capacidad decisoria. A pesar de ello, resulta llamativa la influencia que la poesía de Alceo tuvo en la política lesbia. No se trataba de libelos anónimos, sino de canciones cuyo autor se enorgullecía de vilipendiar públicamente la tiranía. Tal vez la fama de Alceo derive principalmente de sus versos políticos, a veces de liberación y a veces reaccionarios, más que de otro tipo de composiciones, de temática más amable y despreocupada. Ello se debe a su ingenua pero resuelta voluntad de luchar con poemas por el giro de los acontecimientos políticos. A la vez que escribía, Alceo se implicaba con escaso éxito en las operaciones militares de la guerra civil, caóticamente planteada por su bando. El poeta formaba parte de algo así como “la resistencia” al régimen instaurado en su polis, pero sin que podamos describir su movimiento como vía sincera para liberar al pueblo de la opresión. Aunque muchas de las ideas de Alceo nos parezcan insostenibles por su elitismo, hay que reconocerle el mérito de haber interrelacionado lírica y realidad, dejando su vida al descubierto, para salvación de los historiadores. Sus “Stasiotika”, sus cantos de batalla, quedarán siempre como modelo de llamada a la rebelión, a una febril y desorganizada reacción patriótica.

BIBLIOGRAFÍA:

-“Antología de la poesía lírica griega (Siglos VII-IV a.C.)”; Selección, prólogo y traducción de Carlos García Gual; Alianza Editorial; Madrid; 1980.
-Barrow, Rosemary J.; “Lawrence Alma-Tadema”; Phaidon Press; Hong Kong; 2007.
-Ferrate Soler, Juan; “Líricos griegos arcaicos”; El Acantilado; 2000.
-Varios Autores; “Antología de la lírica griega arcaica”; Ediciones Cátedra; 2002.

LA COPA DE KRUM: BULGARIA CONTRA BIZANCIO

2007-01-01T00:00:00.025+01:00

"De mil derrotas brota la victoria"

En el año 811, el enfrentamiento entre los búlgaros y el Imperio Bizantino alcanzó uno de sus momentos álgidos. El episodio anecdótico más recordado por las crónicas fue el hecho de que el jan búlgaro Krum celebrase su victoria bebiendo en el cráneo revestido de plata de su oponente caído: El emperador Nicéforo I. Al contrario de lo que pudiera parecer, dicha acción bárbara de marcado simbolismo no tiene precedentes claros en la historia del pueblo búlgaro, sino que fue en definitiva una ocurrencia de Krum. No se trata de una práctica recurrente, como por ejemplo sí lo fue entre los bizantinos el cegar a los adversarios políticos o a los enemigos capturados. Impresiona el analizar las decisiones circunstanciales que Nicéforo I fue tomando durante su reinado, sabiendo desde nuestra perspectiva privilegiada cómo iba a terminar el caparazón físico de sus ideas: Sirviendo de copa a otro soberano. Aunque lo lógico sea pensar que Krum bebió sustancias alcohólicas y enajenantes en el delirio de su triunfo, lo cierto es que hay dudas en ese punto, pues el jan había dictado severas normas contra el consumo de vino e incluso contra el cultivo de vides. Esta obsesión persecutoria pudo deberse a haber comprobado sobradamente los estragos que las borracheras causaban en las valiosas fuerzas de su incipiente nación. Krum conservó la macabra copa hasta su muerte, acontecida menos de tres años después que la de Nicéforo I. En los años finales de su reinado venció repetidamente a los bizantinos, gracias al excelente adiestramiento de los jinetes y arqueros de su ejército, avanzando territorialmente y plantándose ante las murallas de Constantinopla. Contribuiría a su desmesurado ardor el fetiche de su copa, en la que consideraría plasmada la debilidad bizantina y la opción de liquidar su Imperio. Era una especie de reliquia, pero no de un santo que pudiera conducir a acciones santas, sino de un rey que quizás llevaría a conquistar un reino.

Desde época prehistórica, los hombres han considerado la cabeza como la parte más significativa y simbólica del difunto, como la parte de su cuerpo que lógicamente revela quién fue, y que por así decirlo más conserva su esencia tras la muerte. En el monasterio de Santa Catalina, ubicado en la península egipcia del Sinaí, una sala alberga las calaveras de los monjes que allí vivieron y murieron, pudiendo verlas cuidadosamente amontonadas el visitante. Este hecho refleja la creencia de que es el cráneo la parte del esqueleto del difunto que más dice sobre él tras la muerte, y que más conserva la impronta de su personalidad. Las cabezas cortadas de los enemigos eran en ocasiones expuestas por los vencedores para regodearse malévolamente en la inmovilidad de los rasgos faciales, antes tan amenazantes. O eran enviadas a sus familiares para provocar su llanto y exigir su rendición. Al mismo Aníbal le presentaron la cabeza cortada de su hermano Asdrúbal tras la derrota de éste frente a los romanos en la batalla del río Metauro. La superstición llevó a algunos líderes de pueblos en estado de formación (etnogénesis) a pensar que teniendo la calavera de rivales importantes podrían ver incrementado su poder. Algo así debió imaginar el jan Krum, aunque existe también la posibilidad de que se tratara de un mero golpe de efecto para provocar pavor, sin ninguna creencia de fondo. El especial significado y fuerza emotiva de los cráneos de los difuntos se aprecia también en el ideario de algunos movimientos satánicos, masónicos o esnobistas de los últimos siglos, como la sociedad secreta “Skull and Bones” de la Universidad de Yale. El tratamiento impío de los cráneos todavía estremece, como si la burla o la humillación que se quisiera realizar al difunto fuera a atraer consecuencias negativas. Si bien, escépticamente, nada habría que temer.

El envase humano de la política imperial bizantina no le sirvió al jan Krum para tomar Constantinopla. La copa era sólo un símbolo, no un objeto mágico, y como tal no evitó la muerte temprana de Krum y el repliegue búlgaro. El engranaje del Imperio Bizantino era todavía demasiado elaborado como para resistir la amenaza de una superstición, a pesar de que ésta ponía a sus enemigos en un peligroso estado de trance guerrero. Imaginemos ahora, cambiando hacia un enfoque arqueológico, lo que supondría el improbabilísimo hallazgo de esa copa argéntea. Sería un gran descubrimiento que representaría por sí mismo el orgullo búlgaro de haber podido constituirse como pueblo en uno de los territorios del finiquitado Imperio Bizantino. A la larga, el caprichoso y difícil camino de las civilizaciones, condujo a Bulgaria a la supervivencia y resurgir, y a Bizancio a la desaparición ante el común enemigo turco.

El atrevidamente llamado “Santo Grial búlgaro” colea con su simbolismo hasta épocas muy recientes. Así, el rey búlgaro Boris III (1918-1943) puso en circulación monedas en cuyo anverso figura el jan Krum a caballo, representado como el jinete en relieve de Madara, sosteniendo con la mano derecha las riendas y con la izquierda su copa, dando caza en compañía de su perro a un león. De entre todos los janes que se podían haber escogido para la iconografía monetal, muchos de ellos con reinados más largos y estables, se optó por Krum (803-814), lo que da idea de la repercusión historicista de su gesto. Es preciso tener en cuenta que la figura de Krum fue icónicamente reivindicada en un momento en que Bulgaria andaba territorialmente inquieta, pues había perdido importantes posesiones con motivo de la Segunda Guerra Balcánica (1913) y la Primera Guerra Mundial, y tenía claras ansias revanchistas que afloraron luego en la segunda gran conflagración internacional. En la Bulgaria poscomunista se ha recuperado la imagen nacionalista del jinete de Madara en las monedas, aunque ya sin asociarla explícitamente al jan Krum y sin reivindicaciones territoriales de fondo. Dicho de paso, la pasión numismática de los búlgaros les ha llevado a ser actualmente muy buenos reproductores o falsificadores de las antiguas dracmas griegas de plata. La entrada de Bulgaria en la Unión Europea es una excelente ocasión para rememorar algunos aspectos históricos de su proceso formativo a través del emocionante y terrible duelo entre el jan Krum y Nicéforo I. La primacía de las fuentes bizantinas hace que sea mucho más comprensible su punto de vista que el de los búlgaros, lo que no nos debe llevar a malinterpretar los hechos.

El reinado del emperador bizantino Nicéforo I se extendió entre los años 802 y 811. Se hizo con el poder tras caer en desgracia la emperatriz Irene, tristemente célebre por haber apartado a su hijo del trono mediante el rito del cegamiento. Con su coronación, llegada cuando pasaba ya de los cincuenta años, vio premiada Nicéforo su larga carrera como funcionario, la cual le había llevado a la dirección de las finanzas del Estado. El motín inicial del estratega Bardanes pudo ser solventado sin apenas operaciones militares. Las ligeras tendencias iconófilas del nuevo emperador no evitaron una drástica reducción del gasto relacionado con la monumentalización y embellecimiento del culto y la corte. Nicéforo no quiso que las disputas religiosas entre facciones lastrasen su acción de gobierno, por lo que en la medida de lo posible intentó permanecer al margen de ellas, centrándose en la reforma del ejército, el saneamiento de la economía, los avances centralizadores y el intento de prestigiar su omnímodo poder de “basileus”.

En el año 806, a la muerte del patriarca Tarasio, Nicéforo respondió con el nombramiento como nuevo patriarca de un devoto personaje también llamado Nicéforo, el cual anteriormente había cambiado la administración imperial por la vida contemplativa. A pesar de que el recién proclamado patriarca estaba más cerca del bando iconódulo (defensor de que las imágenes religiosas no eran idólatras, sino que podían mover a una sincera piedad), muchos cronistas iconófilos del momento y posteriores criticaron duramente las decisiones políticas del emperador por el marcado deseo de éste de mantener sometida y dócil a la jerarquía eclesiástica. Incluso abusaron de su función de historiadores al presentar el desgraciado fin de Nicéforo como consecuencia de su desacertada acción religiosa. Desoyendo las llamadas a la reconciliación, los iconódulos más radicales, dirigidos por Teodoro de Estudio, se negaron a comulgar con el nuevo patriarca. El emperador optó por cerrar el principal monasterio estudita y desterró a sus monjes, los cuales desde el exilio siguieron trabajando contra él, indignados por ejemplo de la readmisión en el seno de la Iglesia bizantina de los sacerdotes que habían oficiado el matrimonio malabaresco de Teodata con Constantino VI (780-797), emperador que se había desecho de su primera esposa de forma poco ortodoxa por conveniencia política, siendo luego cegado por su madre Irene.

El examen detenido de los períodos iconófilos del Imperio Bizantino arroja un panorama bastante lamentable en comparación con las etapas políticas iconoclastas, pero ello no nos debe hacer considerar a las imágenes religiosas como culpables del declive imperial, a pesar de haber generado tanta conflictividad social; seguro que también en ellas muchos ciudadanos encontraron valor para defender su Estado, que logró resistir el avance turco hasta 1453. La presión de la pujante cultura islámica, eminentemente anicónica, en las fronteras orientales del Imperio Bizantino influyó en el deseo de parte de la población de prescindir de las representaciones religiosas para poder invertir los recursos en tareas más productivas.

El pasado militar del emperador Nicéforo había sido al parecer bastante brillante. Es probable que fuera él quien como estratega de Armenia tomase la fortaleza de Adata en el año 786. Era seguramente de origen armenio, y pretendía hacer descender su linaje de la dinastía árabe de los Gassánidas. Desde el comienzo de su mandato se mostró dispuesto a terminar con el soborno que el Califato y los eslavos ejercían sobre Bizancio para no atacar sus fronteras. Pero la situación política real y el miedo a un masivo ataque en Anatolia del califa Harun al-Rasid le obligó a pagar un fuerte tributo por la paz en el frente oriental. Nicéforo quiso que la estabilidad interna del Imperio se sostuviese en un ejército intensamente transformado. Para ello añadió a los tres “tagmata” (cuerpos profesionales encargados de guarnecer Constantinopla) uno más, el de los “hikanati”. Los “tagmata”, junto con las tropas especiales de la guardia imperial, se constituyeron en el núcleo del ejército bizantino. Las unidades provinciales, encargadas de la defensa de los “themas”, solían ser enormemente fieles a sus generales y gobernadores, los estrategas, y eran pagadas con concesiones de tierra, lo que hacía que se implicasen más en sus funciones, arraigando a sus familias en zonas de gran peligro de agresión. Cierto descontento popular cuajó cuando Nicéforo amplió los supuestos de la leva, extendiéndola a los ciudadanos pobres, teniendo que hacerse cargo sus vecinos del pago de los impuestos y del mantenimiento de estos nuevos soldados.

El emperador acometió una redefinición provincial, dividiendo el “thema” de la Hélade en dos: Uno para la Grecia Central y otro para el Peloponeso, de donde fueron expulsados los colonos eslavos. Los arcontados de Cefalonia y Tesalónica crecieron, adquiriendo el rango de provincias y reforzándose sus regimientos. La ciudad de Patras fue premiada por resistir un ataque combinado de árabes y eslavos, siendo elevada a la condición de metropolitana y reconstruyéndose sus iglesias. Mediante traslados y recolonizaciones Nicéforo buscó el equilibrio poblacional dentro del Imperio. Muchas familias tuvieron que marchar de Anatolia a Grecia para disminuir la presión interna de los eslavos. Otros colectivos menos afortunados se vieron obligados a instalarse en las mismísimas fronteras continentales, por lo que pocas noches dormirían tranquilos, tan expuestos a las expediciones externas de hostigamiento. El excelente blindaje diseñado por Nicéforo pronto se vendría abajo al sufrir frente a los búlgaros una derrota numéricamente escalofriante.

El título imperial de Nicéforo se avenía mal con el nombramiento que el pontífice romano había otorgado a Carlomagno, rey de los francos, coronándole como emperador y por tanto heredero de la misión de unificar Europa bajo una sólida soberanía de corte cristiano. Los imperios franco y bizantino entraron en una dinámica de choque propagandístico y religioso, lo que provocó incluso que Dalmacia y el Véneto se pasasen temporalmente al bando carolingio. Fue necesario que una flota bizantina alcanzase las provincias rebeldes para imponer allí nuevamente la autoridad de Nicéforo, si bien la fidelidad de estos territorios pronto se tambalearía otra vez.

El tesoro imperial se recuperó de su anterior carestía gracias a las rígidas medidas fiscales de Nicéforo, el cual puso fin a las exenciones impositivas de las que disfrutaban los comerciantes urbanos y las instituciones eclesiásticas, restableciendo además los gravámenes capitalinos y sobre la importación de esclavos. Se fijó con gran escrupulosidad la capacidad impositiva de los hombres libres, se corrigieron irregularidades y trampas fiscales, se confiscaron las tierras de los deudores y se forzó a los ricos armadores a invertir en las tierras abandonadas, sobre todo de Asia Menor. Las subidas de impuestos se combinaron con decretos retroactivos, de modo que los antes exentos tuvieron que pagar todo lo que les habría correspondido desde el primer año de reinado de Nicéforo. Se gravaron especialmente las donaciones y las fortunas de reciente adquisición. Esta orgía recaudatoria soliviantó a distintos sectores, como el monástico, donde se urdieron conspiraciones. El Estado era el único que por ley podía prestar dinero a interés, obligando además a los grandes comerciantes a adquirir préstamos innecesarios que revertían en la ampliación de sus negocios. De forma curiosa, las medidas fiscales de Nicéforo extendían prácticas cristianas entre la gente, tendiendo de manera rigorista a la igualación de la riqueza. La intromisión en las iniciativas económicas privadas supuso cierta nacionalización de los recursos con fines esencialmente militares. Aldeas y soldados quedaban detalladamente inscritos en los catastros, que sirvieron para vigilar el sistema de equiparación comunitaria de su nivel de vida.

Desde mediados del siglo VII, contingentes de ascendencia turcomana penetraron por las fronteras nororientales del Imperio, estableciéndose al Sur del Danubio tras rechazar las acometidas bizantinas. Se trataba de los búlgaros, tribus progresivamente eslavizadas que se convirtieron en la pesadilla balcánica del poder grecorromano. Su eslavización y mezcla con otros pueblos fue paralela a la pérdida o atenuación de algunos de sus rasgos físicos característicos, como los ojos rasgados. Los búlgaros se fueron haciendo con el control de extensas áreas rurales, llegando a configurarse bajo el jan Tervel (701-718) como un Estado bien cohesionado, rival o aliado esporádico de los bizantinos. Tervel ayudó al emperador bizantino Justiniano II a recuperar su trono en el año 705, haciéndose así acreedor de grandes honores, como el título de César. El tratado suscrito en el año 716 entre bizantinos y búlgaros permitió a estos últimos recibir un tributo anual y ocupar fértiles tierras cerealísticas en el Este de Tracia. El respeto mutuo duró hasta el año 756, momento en que el emperador bizantino Constantino V (741-775) reforzó las fronteras con prisioneros armenios y sirios para evitar el lento pero constante avance colonizador búlgaro. Constantino V emprendió frecuentes campañas militares para frenar la expansión eslava. Consiguió buenos resultados, pero murió finalmente en una incursión de los búlgaros, a quienes fue preciso comprar la paz. Los caóticos reinados iconódulos posteriores dieron aire a los enemigos del Imperio, árabes y búlgaros, los cuales fueron minando la resistencia bizantina en distintos puntos fronterizos.

Llegado el año 809, el Imperio Bizantino comenzó a preparar una colosal campaña para intentar quebrar la tranquilidad búlgara y recuperar el control sobre la línea danubiana. A las primeras expediciones punitivas respondió enérgicamente el jan Krum, el cual consiguió derrotar a algunas tropas imperiales cerca del río Strimon. Avanzó después hasta Sérdica (la actual capital búlgara de Sofía), ciudad que saqueó y a la que dejó sin fortificaciones útiles. Las fuerzas de Nicéforo devolvieron el golpe al atacar con éxito Pliska, que por entonces era el principal centro político y administrativo búlgaro. Los soldados bizantinos se mostraron indisciplinados al negarse a reconstruir las murallas de Sérdica. No quisieron hacer de operarios, dando ya un aviso de su escasa implicación en los altisonantes proyectos de restauración física y anímica del Imperio.

A mediados del año 811, un numeroso ejército bizantino se concentró en las proximidades de la ciudad fronteriza de Markellai, exhibiendo su poderío. Los espías búlgaros llevaron la noticia al jan Krum, que solicitó inmediatamente la paz, dispuesto a realizar multitud de concesiones. Pero Nicéforo, en posición favorable, se negó a negociar. Lanzó varias acometidas de distracción con pequeños contingentes. Más tarde el total del ejército se dividió en dos cuerpos, que avanzaron separadamente, uno cerca de la costa y otro por el interior, para encontrarse en Pliska. Allí barrieron a la guarnición búlgara, cometiendo toda clase de desmanes sobre la ciudad. Otro destacamento búlgaro enviado por Krum para auxiliar a su capital fue igualmente vencido. Durante una semana Pliska ardió, incluyendo el palacio real y las casas de los boyardos. Los soldados acumularon un buen botín personal. Las numerosas personalidades ilustres que acompañaban a Nicéforo le felicitaron repetidamente por su victoria, sin presagiar que pronto morirían con su emperador. Krum envió una nueva misiva solicitando la paz, pero no obtuvo respuesta.

Saciada de sangre, la comitiva militar bizantina, en la que se integraban tanto fuerzas profesionales como voluntarios de baja extracción social, inició una lenta marcha hacia Sérdica. Alcanzó la cordillera balcánica, introduciéndose en un valle cuyos angostos accesos fueron cerrados con grandes empalizadas por los búlgaros. Al descubrir el engaño, Estauracio, el hijo del emperador Nicéforo, así como otros generales, propusieron asaltar cuanto antes las defensas que taponaban el valle. Pero el “basileus” se mantuvo frío, sin valorar la gravedad de la situación, y decidió acampar. Los soldados bizantinos apenas fueron informados de la trampa en que estaban inmersos, para intentar así mantener su calma. Minusvaloraron el griterío que al caer la noche escucharon proceder de las laderas que los rodeaban. Antes de amanecer, el 26 de julio, la caballería búlgara atacó directamente al grupo de tiendas en que dormían el emperador y sus cortesanos. Nicéforo y su guardia personal debieron de perecer en los primeros instantes de la batalla, dejando a su ejército sin timón. Es seguramente falso que el “basileus” yaciese aquella noche con sus supuestos amantes masculinos como si nada ocurriese. Es más bien un bulo historiográfico difundido por sus detractores para intentar hacer más humillante su derrota. El cuerpo de Nicéforo fue guardado cuidadosamente para ofrecérselo a Krum tras la batalla.

Las tropas bizantinas, desperdigadas en varios campamentos, no tuvieron capacidad para organizarse. Tanto las fuerzas de la capital como las provinciales se dispersaron desordenadamente, intentando eludir el choque con los enemigos. Las zonas pantanosas ralentizaron la huída, lo que permitió a los perseguidores búlgaros dar muerte a muchos rezagados. Una de las empalizadas que cerraba la salida del valle pudo ser incendiada por los soldados bizantinos, pero en el proceso las bajas fueron numerosas, tanto por el acoso de los arqueros búlgaros como por la dificultad de salvar el foso que había sido excavado tras los maderos. Entre los que consiguieron escapar, dirigiéndose con desesperada premura a Adrianópolis, estaba el hijo de Nicéforo, Estauracio, si bien con una severa herida medular que le paralizó las extremidades inferiores y provocó meses después su muerte.

Dos tercios del ejército bizantino, cuyos efectivos desplazados totales ascendían a unos 80.000 hombres, resultaron neutralizados en aquella batalla entre muertos, heridos y prisioneros, incluyendo altos dignatarios, ministros, generales y funcionarios. Los soldados búlgaros presentaron el cadáver de Nicéforo al jan Krum, el cual ordenó su empalamiento. Tras permanecer así varios días expuesto para su oprobio, al cuerpo se le segó la cabeza, elaborándose con su cráneo una copa bañada en plata. Ésta fue la llamada copa de Krum, con la que el jan bebió en momentos alegres o solemnes hasta el final de sus días, no muy lejano. Los pocos patricios bizantinos huidos nombraron emperador a Estauracio. Pero al estar lisiado encontró muchos problemas para hacer efectivo su poder. Tuvo que retirarse a un monasterio, donde murió al poco tiempo. Como nuevo “basileus” fue elegido el yerno de Nicéforo, que estaba casado con su única hija, Procopia. Se trataba de un funcionario palatino llamado Miguel Rangabé, que pasó a reinar como Miguel I (811-813).

La batalla contada anteriormente pasó a la historia como la batalla de Pliska, englobando por tanto sus distintas fases, desde que los bizantinos tomaron la capital búlgara hasta su estrepitosa derrota final. Sería más correcto denominar a su última fase con el topónimo del lugar en que acaeció, pero es que el enclave exacto no se ha podido determinar. Hay quien ha propuesto el nombre de “Paso de Varbitsa”, al tratarse de un valle de angostos accesos. El lugar estaría próximo a las montañas de Stara Planina. Francisco Aguado, que estudió y narró el combate de forma excelente, piensa que pudo tratarse del valle del río Tica, o de otro de los ríos próximos, en las estribaciones de los Balcanes. La victoria de Krum fue uno de los momentos claves de la historia búlgara, pues la entidad de su incipiente Estado quedaba apuntalada, tanto territorialmente como a nivel de prestigio. Frente al exterminio o absorción propuestos por el Imperio, Bulgaria replicaba militarmente con su presencia real como territorio danubiano autónomo.

El jan búlgaro manejó para la paz unas condiciones inaceptables por los bizantinos, lo que hizo que la guerra prosiguiese. Los monjes estuditas presionaron para que no se firmase una paz deshonrosa. En la siguiente primavera, en el año 812, Krum conquistó la ciudad pontoeuxina de Develtos, ordenando la deportación de todos sus habitantes. En noviembre tomó tras su asedio la ciudad de Mesembria (Nessebar), donde se hizo con metales preciosos y con arsenales de fuego griego. Ya a mediados del año 813, consiguió vencer nuevamente a las tropas bizantinas en Versinicia, lugar en que se produjo la deserción del contingente anatolio mandado por el ya pronto emperador León V (813-820). El supersticioso pueblo bizantino, soliviantado además por el alto precio del trigo, interpretó la derrota como un castigo a las directrices políticas empleadas, por lo que reclamó la vuelta a la iconoclastia. Un motín militar otorgó el poder al traidor de Versinicia, León V, que vio así colmadas sus ansias. El depuesto emperador Miguel I y su esposa Procopia fueron enviados a un monasterio, mientras que sus hijos pagaron su estirpe real con la castración, cortándose así su dinastía.

Pocos días después, el ejército búlgaro llegó ante el triple recinto amurallado de Constantinopla. Viendo la imposibilidad de conquistar la urbe, Krum pidió sin éxito un acuerdo. Logró escapar con vida de una treta consistente en un falso combate singular entre él y el nuevo “basileus”. Con ello evitó quizás verse también él convertido en copa, o ser objeto de uno de los refinados castigos griegos. Enfurecido por la asechanza, destruyó todos los barrios extramuros de Constantinopla, tomó las ciudades de Hebdomon y Selymbria, y mandó a los habitantes de Adrianópolis más allá del Danubio. Los bizantinos lograron una victoria de alivio cerca de Mesembria, pero ambos bandos preparaban aún la batalla decisiva. Krum en el año 814 se lanzó otra vez sobre la ciudad del “Cuerno de Oro”, encontrándose con una muerte repentina. El tratado posterior firmado entre León V y el nuevo jan búlgaro Omurtag (814-831), hijo de Krum, preveía una paz de treinta años. La paz fue necesaria para que Omurtag consolidase su poder frente a otros pretendientes al trono.

La amenaza búlgara encarnada por Krum no había hecho peligrar la pervivencia del Imperio Bizantino, pero supuso un serio revés en su política de integración étnica tras previo semiexterminio, teniendo que reconocer la existencia de un sólido pueblo autónomo y culturalmente extraño dentro de lo que habían sido sus fronteras. El título de jan, término de origen turco-mongol alusivo al máximo gobernante búlgaro, y en ocasiones pospuesto al nombre del soberano, tendría todavía muchos detentadores, pero quedaría también vacante en largos períodos de ocupación exterior. En las alternativas por el poder en la región las armas favorecieron en diversas ocasiones a los bizantinos, como en el año 1014, cuando a consecuencia de la batalla de Kleidion, unos 14.000 prisioneros búlgaros y macedonios fueron cegados, dejándose sólo tuertos a unos 140 para que sirviesen de guías a tan terrible procesión en el regreso a su hogar. Pero los hijos de los ciegos ven, y escuchan las historias de sus padres, y no olvidan.

Con la muerte de Krum, el cual había reinado once años, se pierde el rastro historiográfico del fetiche de su siniestra copa, símbolo bárbaro y primigenio del deseo búlgaro de Independencia. Además de conseguir importantes victorias sobre los bizantinos, el jan logró derrotar a los ávaros, pueblo nómada que en gran parte se mezcló con los búlgaros. Krum no es sólo recordado por su actividad militar, sino también por leyes beneficiosas relacionadas con la protección social de los sectores poblacionales más débiles. Dictó además normas estrictas contra la mentira, el robo, la embriaguez y las violaciones. Los castigos podían consistir en la pérdida de propiedades, la amputación de extremidades o incluso la muerte. Su intrincada personalidad, salvaje y noble a la vez, inspiró a diversos escritores europeos posteriores, principalmente de los siglos XVI y XVII, que le hicieron intervenir con su propio nombre u otros inventados en sus novelas. Encontramos a Krum como personaje de ficción en obras de Montaigne, Rabelais, Corneille, Shakespeare y Gryphius. En la saga narrativa actual de Harry Potter, salida de la imaginación de la escitora J. K. Rowling, aparece también un joven búlgaro de impetuoso carácter llamado Viktor Krum, lo que revela fácilmente la procedencia de la inspiración.

Quizás no es la mejor de las formas de dar la bienvenida a Bulgaria a la Unión Europea el rememorar uno de sus primeros episodios de lucha por la supervivencia, pero está en todo caso claro el atractivo histórico de aquellos sucesos que marcaron sus inicios como pueblo libremente constituido, salpicado de largas intermitencias de opresión. Así como en ocasiones puntuales la barbarie rompe la convivencia en las naciones modernas, paralelamente la violencia organizada de las antiguas civilizaciones o de los pueblos emergentes es fácilmente idealizada. Sobre todo si aquellos pueblos lograron pervivir como Estados, convirtiéndose su antigua lucha en catecismo escolar. Igual de roja ha sido siempre la sangre. Tanto vale nuestra vida como valió la de cualquier ser humano de cualquier época. Lo mismo valían la vida de Nicéforo I, cuyo nombre paradójicamente significa “el que lleva la victoria”, y la del jan Krum. El primero luchó por un Estado que ya no existe, como lo hizo hasta el último de sus ciudadanos y emperadores. El segundo tiene aún una nación que le considera héroe, y cuyos niños aprenden sus hazañas: Bulgaria.

BIBLIOGRAFÍA:

-Aguado; “La batalla de Pliska” (En Internet).
-Cabrera; “Historia de Bizancio”; 1998.
-Maier, Beckedorf, Hartel, Hecht, Herrin, Nicol; “Bizancio”; 1974.
-Norwich; “Breve Historia de Bizancio”; 2000.
-Ostrogorsky; “Historia del Estado Bizantino”; 1984.
-Patlagean, Ducellier, Asdracha, Mantran; “Historia de Bizancio”; 2001.
-Treadgold; “Breve Historia de Bizancio”; 2001.

“¿DÓNDE VAS, LEBREL?”

2006-09-01T00:00:00.005+02:00

CONSIDERACIONES SOBRE EL GALGO ESPAÑOL

La Federación Canina Internacional asignó el número 285 a la raza del galgo español, definida en gran medida gracias a los esfuerzos realizados desde la década de 1970 por David Salamanca, que estudió numerosos ejemplares. La palabra “galgo” es de raíz celta y deriva del primitivo nombre romano de “canis gallicus”. El galgo español presenta numerosas coincidencias en su aspecto externo con el greyhound inglés. Ambas razas tienen un origen común y son las más empleadas en las carreras de lebreles. El greyhound es más rápido, lo que hizo que los criadores españoles recurriesen a cruces desde la década de 1920, buscando así una mayor velocidad. Con respecto al greyhound, de complexión más fuerte, el galgo español tiene a su favor una mayor resistencia y una mayor elasticidad que le permite reaccionar ágilmente a los quiebros y cambios de ritmo de las liebres. En los últimos años las carreras de galgos, estrechamente ligadas con las apuestas, han ido perdiendo aficionados en España, a la vez que se intensificaba el interés por recuperar el estándar de la raza autóctona.

En una primera impresión, el galgo español parece menos atlético y de rasgos menos aerodinámicos que el greyhound. Es ligeramente más pequeño, con una altura en la cruz que suele ir de los 60 a los 65 centímetros. Los machos adultos pesan normalmente entre 25 y 30 kilos, y las hembras entre 20 y 25. Su cabeza es más larga y estrecha que la del greyhound, con la depresión frontonasal suave y las orejas semierectas. Los ojos son oblicuos, almendrados y oscuros, de mirada atenta, tranquila y dulce. Los dientes son fuertes, blancos y sanos, con mordida en tijera. El cuello es esbelto y de sección ovalada. Su lomo es menos curvado que el del greyhound, las ancas están más elevadas, su tórax es profundo y alargado. Su pecho, menos ancho, nunca llega al codo. La grupa no es redondeada, sino en pupitre. Las patas son menos arqueadas, y la musculatura general no es tan prominente. Los pies (parte extrema de las patas) son largos y robustos, de liebre. Las almohadillas plantares son amplias y fuertes, disminuyendo así el riesgo de lesiones en terrenos difíciles. La cola, que puede llegar a ser muy larga, es flexible y en gancho. La escala cromática es amplia, variando del leonado al negro, del atigrado al blanco con manchas. Los ejemplares de tonos claros y uniformes suelen llevar una máscara negra poco extendida. El galgo español es el único lebrel que puede tener tanto un pelaje liso (más habitual) como duro, normalmente corto y lustroso. El costillar, los músculos y los tendones se perfilan claramente bajo su piel.

Hubo diversas épocas en que los lebreles estuvieron especialmente relacionados con las clases sociales altas, acompañando por ejemplo a los señores en sus actividades cinegéticas. Conformaban junto con el caballo la estampa característica de los nobles practicando la caza como divertimento en ausencia de guerras o como entrenamiento para las mismas. En la primera frase de “El Quijote” nos encontramos a un galgo entre los elementos utilizados para describir la idiosincrasia y las pertenencias del viejo hidalgo. En la cultura islámica los lebreles son aún los perros que gozan de un mayor prestigio, asociado al de sus propietarios, frente a otras razas que son casi despreciadas o consideradas impuras. En los países de cultura islámica son frecuentes varias razas de lebreles, como el afgano, caracterizado por su largo pelaje, el saluki persa, que es una de las razas caninas más antiguas, el llamado perro de los faraones, estandarizado por iniciativa maltesa y británica, el elegante azawahk de Mali, y el sloughi norteafricano, presente sobre todo en Marruecos. Durante los siglos de dominio árabe en la península ibérica llegaron a la misma acompañando a sus señores numerosos sloughi, los cuales fueron cruzados con los galgos autóctonos. Se trataba además de una selección dirigida, al estilo de la practicada con las palomas y los corceles, para conseguir canes más rápidos y ágiles. Pero en el territorio ibérico siempre hubo además lebreles con propietarios de peor condición socioeconómica, adscritos a los espacios rurales, donde la mezcla de ejemplares fue mucho más casual y no sólo orientada hacia la caza.

La existencia de lebreles en la península ibérica está atestiguada ya para el Neolítico, como indican las pinturas rupestres de Alpera (Albacete). Desde su adopción como animales domésticos, los hombres se valieron de los galgos en la caza menor, para atrapar presas tales como liebres y zorros, así como en las tareas de localización y asedio de presas mayores, como ciervos, osos y jabalíes. En una época tan antigua, en la que el aprovisionamiento de comida no siempre sería una tarea fácil, la incansable compañía de los galgos en las salidas para cazar crearía importantes vínculos afectivos con sus propietarios. La generalización de las prácticas agrícolas y ganaderas durante el Neolítico favoreció la aceptación en las comunidades aldeanas de otros tipos de perros no tan especializados en la caza. El hecho de que gran parte de las representaciones primitivas de lebreles provenga del ámbito del Próximo y Medio Oriente y de Egipto no prueba el que los lebreles sean originarios de dicho espacio, aunque quizás fue allí donde antes se produjo su domesticación. Sería más lógico hablar de una dilatada existencia de los lebreles en Eurasia y en el Norte del continente africano, atribuyendo a la vez a las pujantes culturas civilizadoras de Mesopotamia, Próximo Oriente y Egipto la principal responsabilidad en los inicios de su domesticación y en la extensión por el Mediterráneo de dichas prácticas de acompañamiento.

Entre las representaciones más antiguas de lebreles se pueden citar las pinturas rupestres con cacerías de Çatal Hüyük (Turquía) y los montes Tassili (Argelia). También los lebreles comenzaron a ser representados en los objetos de uso cotidiano, como cerámicas, cilindros-sellos y tablas de maquillaje. En el arte egipcio destacan los relieves y pinturas murales que muestran a lebreles de orejas tiesas y cola enroscada participando en la caza de especies autóctonas. Su nombre egipcio era “tesem”, y su aspecto pervive en distintos tipos de lebreles y podencos extendidos especialmente por el Mediterráneo y también de forma curiosa en las Canarias, cuyo poblamiento originario se realizó a partir de tribus provenientes del continente africano. En Egipto momias de estos perros acompañaban a las de sus amos, y estaba prohibido matarlos, lo que supone una avanzada legislación proteccionista. En la extensión por el Mediterráneo de las variantes de lebrel próximo-orientales desempeñarían una función destacada los comerciantes fenicios, aunque no conviene exagerar las aportaciones difusionistas a ellos asignadas.

Los movimientos migratorios realizados por los pueblos indoeuropeos y célticos se tradujeron en la mezcla de los lebreles ya existentes en Europa Occidental con otras variantes, exigentemente probadas en las largas y constantes cabalgadas de sus amos. Dentro de los actuales lebreles de la Europa Oriental se pueden citar el borzoi o galgo ruso, de pelaje rizado similar a una capa real, y el robusto magyar agar húngaro. Las razas más pequeñas de lebrel son el whippet británico y el piccolo levriero italiano. También en el ámbito británico, además del prototípico y velocísimo greyhound, nos encontramos con el deerhound escocés, de imponente envergadura y pelaje duro. Similar y aún más grande es el Irish wolfhound, presente en la lírica irlandesa como fiel defensor de sus aguerridos señores. Al estudiar las razas de lebreles y su dispersión podemos reparar en cierto determinismo climático, como la presencia de mayor cantidad de pelo en las variantes sometidas a largas épocas estacionales de frío intenso, circunstancia que no siempre se cumple. El terreno y los tipos de caza practicados en los diferentes ámbitos también fueron condicionando otros aspectos de los lebreles, matizando distintos tamaños, colores, detalles anatómicos y temperamentos. No hay que olvidar que los lebreles por lo general resisten bien la sed y son capaces de importantes esfuerzos en situaciones difíciles, haciendo gala de una gran adaptabilidad. La existencia de los lebreles en las islas de Britania e Irlanda, segura ya al menos para el siglo IV a.C., está relacionada con gentes de estirpe céltica aficionadas a la caza. Allí algunos lebreles fueron cruzados con otras razas de perros, como pastores y molosos.

En el ámbito griego prosperó durante el I milenio a.C. el lebrel de tipo laconio, que recibe su nombre de su abundante presencia en la región espartana. No es casual la asociación entre los lebreles y los “aristoi” espartanos, término clasista alusivo a “los mejores”. El lebrel es el tipo de perro más representado en las monedas de las antiguas ciudades griegas y cartaginesas. En cambio la presencia de los molosos casi se reduce a las monedas acuñadas por la tribu del mismo nombre, que habitaba en el Épiro (Albania). En las monedas los lebreles eran representados en distintas actitudes, como por ejemplo erguidos, sentados, saltando, con la cabeza vuelta hacia atrás, olisqueando, rastreando, devorando la cabeza de un ciervo, amamantando a un niño, acompañando a la diosa de la caza Ártemis o acompañando a algún otro cazador. Casi siempre los ejemplares representados tienen las orejas tiesas, lo que los relaciona con el tipo de can propio de la iconografía egipcia. Entre las ciudades que se valieron de los lebreles como elementos simbólicos en sus monedas, sobre todo en las argénteas, destacan varias urbes cartaginesas del Oeste de la isla de Sicilia: Eryx, Motya, Panormo y Segesta. Para los cartagineses, cuya sociedad era fuertemente clasista, tanto el lebrel como el caballo, ambos muy empleados en sus monedas, eran sinónimos de nobleza. Segesta, ya antes de caer en poder cartaginés en el año 409 a.C., acuñó como colonia griega monedas de gran belleza con el motivo del lebrel. Las ciudades étnicamente griegas que más utilizaron el lebrel como motivo iconográfico en sus monedas fueron, además de Segesta, Siracusa (en la isla de Sicilia), Nuceria Alfaterna (en el Sur de Italia, cerca de Nápoles), Madytos (en Tracia, en el estrecho de los Dardanelos), Kidonia y Phaistos (en la isla de Creta), y Same (en la isla de Cefalonia). Resulta curioso el carácter insular o al menos costero de las urbes mencionadas, lo que podría señalar que la expansión colonial griega y cartaginesa por el Mediterráneo fue beneficiosa para la difusión de los lebreles metropolitanos y para la domesticación de los lebreles de los territorios indígenas explorados. Mercenarios del ámbito ibérico y balear actuaron desde el siglo V a.C. al servicio de los poderes imperialistas enfrentados en la isla de Sicilia, pudiendo traerse consigo a su regreso algunos ejemplares de lebreles.

Escritores griegos, como Platón y Jenofonte, no dejaron de citar a los lebreles en algunas de sus referencias cinegéticas. También está presente el lebrel en las variadas manifestaciones del arte grecorromano, apreciándose en ellas un claro regodeo en su marcada esbeltez. Dicha estilización se plasmó por ejemplo en los mosaicos romanos que adornaban los suelos de las estancias de las villas, como el tunecino de El Djem, que muestra a los lebreles participando junto con otros tipos de perros en una cacería de liebres. Es la persecución de las liebres el hecho preciso y repetido que hizo surgir la palabra lebrel. El historiador grecolatino Flavio Arriano escribió en el siglo II una obra sobre la caza en la que puede leerse la recomendación de soltar tras la liebre sólo dos galgos, con lo cual se disfrutaría más de la belleza de la carrera y el acorralamiento de la pieza. Él diferenció por vez primera el lebrel de pelo corto (“Vertragus”) del lebrel de pelo duro (“Segusin”). Los lebreles aparecen representados en denarios romanos de la gens Postumia (74-73 a.C.) y de la gens Hosidia (69-64 a.C.). En el primer caso el lebrel es representado corriendo, con collar y junto a una lanza, mientras que en el segundo aparece enganchando con sus mandíbulas a un jabalí, lo que quizás sea una exageración mítica de la valentía del animal.

Desde el período bajomedieval podemos considerar ya configurado en sus rasgos morfológicos básicos el tipo del galgo español, producto de la mezcla de los lebreles existentes en época romana con otros traídos desde la Galia por los bárbaros, y sobre todo con los traídos de África por la invasión islámica. Pareja al gusto andalusí por el galgo cruzado selectivamente fue la admiración que en los reinos cristianos despertaban en las monterías los ejemplares más hábiles. El galgo se adaptó brillantemente a la aridez del campo hispano y a su clima extremo, esquivando con agilidad los peligros naturales. La posesión y el mantenimiento de los galgos quedaban asociados casi siempre a la hidalguía, tanto a la real como a la teatralizada. Es decir, aunque alguien no fuese noble, el tener galgos ayudaba a parecerlo. En el caso de la incipiente Castilla del siglo IX, cualquiera que pudiera costearse un caballo y el armamento ya era considerado caballero, lo que escandalizaba a la nobleza tradicional, más parapetada en los argumentos de la sangre que en el ejercicio de la “virtus”. Los nuevos caballeros castellanos se hicieron con la compañía de galgos, queriendo reforzar así su porte noble. El paradigma idealizado de caballero de Castilla, el Cid, es presentado en algunos relatos y romances cuidando de sus galgos.

En las representaciones medievales de los galgos se aprecia el hecho de que llevan collares, lo que revela su sujeción a los intereses del propietario, preferentemente relacionados con la caza y la autodefensa. Destaca el fresco soriano de la ermita mozárabe de San Baudilio, fechado hacia 1130, que muestra tres galgos cazando liebres. El sitio de los galgos estaba tanto en el hogar como en las cuadras, tanto acompañando al señor como entre sus caballos. Si un señor mataba a otro señor y pretendía quedarse con sus galgos, éstos solían mostrarse fieros y rencorosos, no aceptando el cambio de dueño. Los pintores renacentistas italianos y flamencos se valieron de los lebreles, especialmente de los greyhound, para añadir belleza a los retratos de los nobles, bien en posados o bien en situaciones de movimiento.

Hasta la década de 1920 el galgo español conservó sin problemas su estándar, dentro de una cierta variedad reflejada por ejemplo en la admisión de dos tipos de pelaje. Desde entonces y debido a la popularización de las carreras de campo y pista, su cruce con los greyhound fue intenso. Ello no nos debe hacer pensar en un empobrecimiento natural, pues tan bella y digna es esa mezcla como el mantenimiento del estándar. Pero sí que sería una pena que no quedara ni un galgo español prototípico. De ahí que sea necesaria la revitalización del patrón tradicional, tarea que se lleva acometiendo con éxito en los últimos años. Dentro de una sencilla clasificación de los lebreles, realizada por los tipos de orejas, el galgo español estaría entre los de orejas semierectas o semicaídas en rosa, grupo mayoritario en Europa. Los de orejas caídas son más característicos de Asia y el Norte de África. El último grupo, que es el más exiguo, es el de orejas tiesas, propio de las antiguas representaciones egipcias, al que pertenecen algunos lebreles y podencos del ámbito mediterráneo y canario.

En general, y teniendo en cuenta las diferencias entre los distintos ejemplares, los galgos españoles tienen un carácter serio y retraído. Son perros altivos que muestran gran confianza en sí mismos. Profesan hacia su propietario una fidelidad completa, mientras que tratan a los demás de manera algo desdeñosa. Establecen con su amo un casi ciego vínculo vasallático, identificando el comportamiento del dueño con lo correcto. Tienen un importante componente agresivo, que es encauzado por los criadores hacia la caza o la competición. En el caso de las carreras, se selecciona desde cachorros a los ejemplares de carácter más equilibrado y a la vez más persistentes en la persecución de las piezas. Los criadores intentan controlar el temperamento del galgo, excitándolo antes de las carreras para que los músculos rindan al máximo. La felicidad del galgo, dadas sus innatas características atléticas, implica casi siempre la posibilidad de pasear y correr a diario en espacios abiertos. Su secular educación para la caza provoca también en el galgo una mala convivencia con otros animales, como aves de corral, ratas y gatos, con los que puede mostrarse fiero. Incluso no siempre tolera bien la compañía de otros perros, como si se tuviese a sí mismo en demasiada alta estima. En cierto modo, recordando el dicho popular de que el carácter del perro es a menudo como el carácter de su amo, los galgos españoles parecen réplicas caninas de los orgullosos y levantiscos nobles del Medievo. Las madres son tremendamente protectoras con sus cachorros, no permitiendo a casi nadie que se acerque.

El pecho profundo y amplio del galgo permite una excelente oxigenación de la sangre en los esfuerzos máximos. Las costillas quedan enmarcadas por unas imponentes masas musculares, como si se tratase de un estudio anatómico en movimiento. El cuello largo y elegante le sirve a la vez cuando corre como contrapeso e impulsor. La velocidad no está relacionada con el color, pero éste es tenido muy en cuenta por los que van a elegir un cachorro y por los apostantes en las carreras, tanto por el efecto visual del color al galope como por supersticiones personales. En los cruces selectivos que buscan grandes velocistas no se valoran las tonalidades de la piel, sino el historial o las aptitudes deportivas de sus progenitores. Como se suele decir, “de casta le viene al galgo”. El galgo español es el segundo lebrel más rápido, llegando a alcanzar los 60 kilómetros por hora, sólo superado por el greyhound inglés. En los canódromos, tras la liebre mecánica, este último no tiene rival, pero en las carreras de campo el galgo español desarrolla una mayor destreza en el seguimiento de las liebres vivas, pudiendo resistir varias horas hasta atraparlas. En ocasiones se realizan carreras con otros tipos de lebreles a pesar de su menor velocidad. Es sobre todo un incentivo estético utilizado por los canódromos estadounidenses. Otra variedad de competición es el seguimiento a caballo de la collera tras la liebre, ejercicio con claras reminiscencias cinegéticas historicistas, rastreable incluso en época grecorromana.

La alimentación del galgo ha de ser ajustada a su condición atlética, más por motivos de salud que en aras de su posible trayectoria en competición. Los huevos constituyen el eje de su alimentación, hasta el punto de ser recomendable la ingesta de un huevo diario. Además de los copos o trozos de la comida prefabricada, conviene incluir en la dieta alimentos naturales en adecuada proporción, como leche, requesón, fruta, aceite vegetal, miel, carne cruda, pan integral, mantequilla, arroz y verdura al vapor, así como sustancias dulces en muy pequeña medida. Las proteínas ayudarán al galgo en la formación y conservación de los tejidos, como músculos, huesos y órganos internos. Las grasas aumentarán sus reservas energéticas, favorecerán la asimilación de ciertas vitaminas, le protegerán contra el frío, preservarán sus órganos más sensibles, le proporcionarán un pelaje sano e incrementarán la intensidad de los sabores. Los hidratos de carbono le aportarán fibras y energías para esfuerzos inmediatos. Los minerales regularán sus fluidos corporales y favorecerán el desarrollo de huesos, dientes y pelaje. Y las vitaminas equilibrarán su metabolismo y le harán más resistente. Siendo cachorro, el galgo debe ser alimentado unas cuatro veces al día, mientras que más adelante se puede suprimir alguno de estos turnos. A los galgos les gusta participar del ambiente familiar y permanecer junto al amo el mayor tiempo posible. Su inquietud casi permanente y sus ansias de campo y cielo les llevan a sentirse más integrados en espacios naturales o en grandes parques. Prefieren hacer sus necesidades al aire libre. Como lecho les vale casi cualquier superficie mullida, pero siempre dentro de un espacio habitacional que no les agobie.

Poco después de haber cumplido su primer año, el galgo está preparado para recibir intensos entrenamientos, si es que su futuro está en las carreras. En esta clase de vida aprenderá a convivir con otros lebreles, entrando por así decirlo en sociedad. Los lugares de entrenamiento han de tener grandes extensiones llanas, pero también ligeras pendientes. En ellos se ha de evitar que el galgo se meta en huecos, toperas y galerías subterráneas, donde podría lesionarse fácilmente. Lo normal es que correr sea la principal pasión de los galgos, pero si algún ejemplar no quiere hacerlo, entonces no se le debe obligar. En muchas fases del galope se puede ver al galgo totalmente suspendido en el aire, o apoyando tan sólo una de sus patas de manera alternativa e increíblemente bien coordinada. Un estudio detenido de sus movimientos en carrera permite entender la velocidad alcanzada. La carrera se convierte en una especie de sucesión de saltos dada la amplitud de cada zancada. Si el galgo nos sale marrullero y poco deportivo será seguramente descalificado en carreras de grupo, pero podrá ser inscrito en pruebas individuales por tiempos.

Las carreras de lebreles tuvieron gran acogida desde el período bajomedieval en Gran Bretaña. Se sabe que en el siglo XIV el Duque de Harfolk hacía cumplir las normas de Arriano en las cacerías de liebres con galgos. En el siglo XVI el Duque de Norfolk contribuyó al perfeccionamiento de la normativa. Desde fines del siglo XVIII se cercaron para las carreras extensiones despejadas de terreno con gateras que pudieran servir de refugio a las liebres. En el año 1836 se corrió en Gran Bretaña por vez primera la Copa Watterloo, competición que dura hasta la actualidad. También allí a finales del siglo XIX proliferaron los clubes de propietarios de lebreles y los reglamentos de carreras. En la década de 1920 comenzó la implantación de las pistas ovaladas con liebre mecánica, idea estadounidense que pronto triunfó en Europa, y que implicaba la sucesión racional de varias carreras con lebreles distintos. En España la popularización de los canódromos fue algo más tardía, pues en 1930 lo que surge es el campeonato nacional en campo abierto. Dicho campeonato sigue celebrándose hoy en día, superándose últimamente el número de 5.000 galgos españoles inscritos. Buena parte de estos galgos presenta un componente de greyhound, pero aminorado año tras año por los nuevos cruces y por la selección natural impuesta por el tipo de terreno, ya que en él se lesionan menos los ejemplares de estirpe autóctona.

Los canódromos suelen presentar una pista ovalada, de forma similar a los antiguos circos romanos, que estaban destinados principalmente a las carreras de bigas y cuádrigas. Hay también circuitos redondos o en forma de W. La pista puede ser de césped o de arena. En el caso de las pistas de césped, se echa arena en la salida, en la meta y en las curvas para que sufran menos las patas de los lebreles. Las pistas normales tienen una longitud comprendida entre los 400 y los 480 metros. En el primer caso la pista es métricamente casi una reproducción de una pista de atletismo. Las carreras se hacen por lo regular sobre distancias establecidas entre los 300 y los 960 metros. Es decir, o bien se suprime una curva o se dan una o dos vueltas al circuito. En cada prueba no suelen competir más de seis perros, los cuales afrontan la salida desde unos cajones individuales. Una vez sueltos persiguen una liebre mecánica recubierta de piel o fibra, y que va a unos 20 metros del perro más adelantado. En la meta se paran los cronómetros y se define el orden de llegada, recurriendo a fotos, vídeos o microchips en caso de dudas. Los vencedores de cada carrera en ocasiones disputan semifinales y finales, hasta obtenerse al gran campeón. Éste, si es a la vez sereno, es con frecuencia también galardonado en las exposiciones caninas, pues el deporte le ayuda a cumplir con los cánones estéticos prefijados.

Las apuestas en las carreras de galgos son un fenómeno que se da sobre todo en los países anglosajones, como Estados Unidos, Gran Bretaña y Australia. En otros países las apuestas son minoritarias o incluso están prohibidas. Además de las carreras profesionales, se dan otras de aficionados o de iniciados en el asunto. La popularización de las carreras de galgos tiene efectos beneficiosos y perjudiciales para los perros, pues por un lado se incentiva su cría, pero por otro lado se la supedita a la competición, pudiéndose incurrir en excesos tan dañinos como el dopaje. El rostro desencajado de los atletas en las pruebas de velocidad, con los músculos faciales temblando y los ojos desorbitados guarda similitudes con la expresión de los galgos en carrera. En las carreras más comerciales prácticamente sólo participan greyhounds, pero en otras de índole más tradicional y desenfadada pueden participar otras razas. Si queremos ver a un galgo español ganando a un greyhound inglés en un canódromo, cosa difícil, la carrera ha de ser en pista de hierba y a dos vueltas. Y aun así es más probable que venza el greyhound. Normalmente en el canódromo los perros corren con bozal. A cada galgo se le asigna un número mediante un dorsal, ligero o reforzado según haga calor o frío. Pueden correr juntos machos y hembras, así como ejemplares de distinta edad, recomendándose la comprendida entre los 2 y 8 años. Las primeras veces conviene que el futuro atleta corra solo y sin bozal tras la liebre mecánica, habituándole más tarde a las reglas precisas de la competición. Tras la carrera el galgo debe seguir moviéndose hasta que su respiración se normalice, recibiendo agua con miel o algún otro pequeño premio reconstituyente.

Los grupos ecologistas y defensores de los derechos de los animales han denunciado repetidamente los abusos que se cometen en el entorno de las carreras de galgos, sobre todo en los canódromos relacionados con las apuestas. Entre ellos está el tráfico internacional de greyhounds en malas condiciones de transporte; el hacinamiento de los perros en pequeñas jaulas; el abandono o asesinato tras lesiones o al término de la vida deportiva; y el contagio de filaria u otras enfermedades por las malas atenciones higiénicas. Todas estas situaciones deben ser eliminadas mediante la aplicación rigurosa de las leyes, incluso llegando cuando sea preciso al cierre de los canódromos. Pero a la vez ha de preservarse la existencia de las carreras de galgos, realizadas en condiciones vitales dignas para estos animales, pues suponen un enriquecimiento cultural. En España aún subsiste la bárbara costumbre, enraizada en el período medieval, de ahorcar en los árboles a los galgos ya mayores o inservibles tras la temporada de caza. Pero afortunadamente dicha práctica está en franco retroceso, existiendo ya albergues para los galgos veteranos abandonados. Y por supuesto lo mejor sería que el amo cuidase de su galgo hasta el fin no violento de sus días. En nuestro país los galgos españoles gozan de una especial protección por parte de las instituciones, pero los greyhounds importados para las carreras y luego desechados son víctimas de terribles situaciones, lo que se hace necesario resolver.

El único canódromo fijo que existía en España era el “Canódromo Meridiana” de Barcelona. Ocasionalmente se montan canódromos en otras ciudades o en áreas rurales, destacando en este sentido el ámbito extremeño. Ha sido una lástima la desaparición del canódromo barcelonés, ligado a las apuestas, y cuyo ambiente recordaba el furor que causó en pasadas décadas la competición galguera en diversas ciudades españolas. En el momento de la publicación de este artículo se nos comunicó el cese de sus actividades. Fue inaugurado en 1964 y organizaba carreras diarias de lebreles. Las apuestas consistían en una especie de quiniela en la que había que acertar los dos o tres primeros perros clasificados.

En Madrid, sobre el viejo canódromo de Carabanchel, pesaba algo así como una maldición. A su largo abandono y deterioro hay que sumar el recuerdo de que fue el lugar en que la organización terrorista GRAPO (Grupos de Resistencia Antifascista Primero de Octubre), cometió su primer atentado en 1975, matando a un guardia civil. Desde entonces los GRAPO han matado a 87 personas, la última de ellas también en Carabanchel en el año 2000. Muchos de los dueños de los galgos de aquella época que competían en el canódromo madrileño eran de etnia gitana, socialmente favorecidos por su éxito en las apuestas, ya que conocían los diversos factores que podían decantar las carreras a favor de uno u otro lebrel. Años después de su uso como canódromo, se aprovecharon las instalaciones para hacer un velódromo que apenas fue utilizado. La pista de madera del velódromo ha sido trasladada en el año 2005 al nuevo velódromo de la villa olímpica. El viejo recinto de Carabanchel, dotado de un excelente graderío, sirvió temporalmente como albergue para vagabundos, y en la actualidad ha sido reconvertido en una moderna instalación deportiva que podría contribuir a reactivar el barrio. El prolongado aire caduco y marginal del canódromo de Madrid, en cuyos muros se celebró hace no mucho un certamen de grafiteros, no impide recordar e imaginar el estruendo de las gradas con la vista fija en los lebreles. De aquéllos, ninguno queda. La progresiva desaparición de los canódromos en España tuvo como efecto positivo el interés por la recuperación del estándar del galgo español y su reconocimiento oficial como raza. Se disipó así el miedo de que nuestro último galgo fuese el de la silueta de la famosa marca de folios.

Para titular y finalizar la presente exposición de ideas escogimos la expresión popular “¿Dónde vas, lebrel?”, alusiva al buen mozo que escapa de la actitud cariñosa y receptiva de la muchacha. La aplicamos en este caso al futuro de los lebreles y de sus carreras en España. El galgo español presenta unas excelentes perspectivas de futuro, situándose en posición ventajosa con respecto a otros tipos de lebreles importados, que hasta ahora gozaban de las preferencias de los criadores. Mientras que en cambio las carreras afrontan un incierto porvenir, tendiéndose a la supresión de los canódromos en favor de la competición en campo abierto. La figura alargada del galgo, enraizada en nuestro territorio, incorpora algo nostálgico, convirtiéndose, dada la abundante documentación a él referida, en un trozo de historia en movimiento, en fanfarronería hidalga galopando.

Bibliografía:

- Gallarza, José; “El galgo y su vida”; Prensa Española; 1966.

- Jara, José; Mingo, Manuel; “El galgo en el deporte”.

- Przezdziecki, Xavier; “Les lévriers”; París; 1975.

- Salamanca, Francisco; “Galgos españoles. Corredores de sueños. Orígenes e historia y momento actual de la raza”. En Internet.

- Sear, David R.; “Greek coins and their values”; Bath; 1978.

- Schritt, Ingeborg y Eckhard; “Los lebreles. Manual de consulta para los propietarios de estas razas”; Barcelona; 1993.

HUESOS DE COLIBRÍ

2005-02-01T00:00:00.004+01:00

Si es verdad la teoría de que las aves descienden de los antiguos saurios que poblaron el planeta, entonces el colibrí estaría entre sus más pequeños sucesores. Y es que los colibríes son las aves más pequeñas. Todas las especies de colibríes habitan en América, distribuyéndose por el conjunto del continente, si bien su mayor densidad se da en las zonas tropicales. El colibrí es también conocido con otros nombres, muchos de ellos alusivos a su estrecha relación con las flores, como picaflor o chupaflor. En portugués nos encontramos con el término “beijaflor”, es decir, “besaflor”. La palabra “Colibrí” parece proceder de la lengua arauca que hablaron los taínos caribeños, pudiéndose traducir como “Pájaro-Dios” o “Pájaro-Dios-Sol”.

Los colibríes pertenecen al Orden de los Apodiformes, caracterizados por tener patas débiles y alimentarse en pleno vuelo. Se conocen 319 especies agrupadas en la familia de los Troquílidos. Se alimentan del néctar de las flores y en menor medida de los pequeños insectos que encuentran en ellas o a su alrededor. Al visitar tantas flores se convierten en ayudantes de la polinización y por tanto de la exhuberancia vegetal de la selva. Cada especie suele tener una flor favorita, lo que a través de un determinismo secular se ha reflejado en variaciones en el tamaño y la curvatura del pico. En todos los casos se trata de un pico largo y afilado, que cobija una lengua con forma de trompa. Curiosamente los pichones nacen con un pico ancho y romo que luego va creciendo y afilándose.

Los colibríes exhiben su virtuosismo en el vuelo. Son las únicas aves que pueden volar hacia atrás. Realizan con destreza movimientos verticales y horizontales sin variar apenas la compostura del cuerpo, salvo en lo referente a las alas. Son capaces de quedarse largamente suspendidos en el aire en un punto fijo, para lo cual mueven tan rápido las alas que no se les ven. El aleteo normal es de unas 70 veces por segundo, pero en los arrebatados vuelos nupciales pueden alcanzar los 200 golpes de alas por segundo. Algunas especies son migratorias, de modo que a pesar de su fragilidad son resistentes, recorriendo distancias de más de setecientos kilómetros en una sola etapa, atreviéndose incluso a volar sobre el mar abierto del Golfo de México y de noche. Su velocidad máxima con ayuda del viento es de unos 100 kilómetros por hora. El sonido de un colibrí volando es como el de un insecto o el de un diminuto motor. Aunque en general son bastante inquietos, los colibríes tienen también momentos de estatismo.

Son bastante buscapleitos y combativos. Las rapaces no intentan por lo general capturarlos por ser demasiado escurridizos y por temor a ser picadas en los ojos. A los humanos pueden atacarlos si se aproximan a sus nidos, pero también en ocasiones liban de las flores cortadas que les ofrecen. Los machos son generalmente un poco más pequeños que las hembras, salvo por el desarrollo de las plumas timoneras de algunas especies. Los colores del macho son más vivos e iridiscentes, sobre todo en la garganta, que puede albergar intensos tonos rojos, azules y verdes. Los machos son fieramente territoriales. A veces delimitan su territorio chillando durante varios días en lo más alto de un árbol, cortejando a las hembras que pasan por allí. Estos galancitos tras fertilizar a la hembra tardan muy pocos días en abandonar el nido, donde quedan dos huevos de color blanco. El cortejo y la reproducción suelen acontecer en primavera, pero el buen tiempo tropical puede hacer que este ciclo oscile.

El campeón de los pequeños es el zunzuncito cubano, de nombre onomatopéyico y 6’3 cm. de tamaño. Y el más grande es el colibrí gigante andino, de unos 22 cm. Las peculiares características del colibrí han favorecido la inspiración poética y legendaria de los pueblos americanos. Antes de la llegada de los españoles, algunas etnias indígenas creían que las almas de los guerreros muertos en batalla se transformaban en colibríes. También se usaron hasta épocas recientes colibríes disecados con sal como adornos o amuletos. Hay documentadas prácticas supuestamente mágicas relacionadas con el poder amatorio de los huesos del colibrí, que una vez molidos se echaban en la comida ofrecida a la persona deseada. Los huesos del colibrí pueden servirnos como metáfora del vacío que deja la desaparición de la potencia y de la belleza de lo pequeño.

LAS MOTIVACIONES RELIGIOSAS DE FERNANDO III “EL SANTO”

2004-11-01T00:00:00.011+01:00

Una aproximación a la figura histórica de Fernando III “el Santo” en la que se mezclan los aspectos biográficos más descriptivos de su personalidad con las principales decisiones políticas de su reinado, incidiendo especialmente en el pensamiento religioso del monarca. Es una forma de rememorar sus conquistas desde la perspectiva de su propia fe, incluyendo por tanto las manifestaciones externas de ésta, como su devoción mariana, el respeto por las imágenes, su afán de cruzada y la forma de afrontar su muerte. Referimos además algunas anécdotas piadosas que se le atribuyen y cuál ha sido su repercusión posterior en la historiografía española y en el culto popular.

La figura histórica de Fernando III, conocido popularmente como “el Santo” tras su muerte, se acerca al ideal caballeresco bajomedieval de lo que debía ser un buen rey cristiano, implicado abiertamente como “crucesignatus” en el proceso reconquistador peninsular. Una tradición afirma que se armó a sí mismo caballero en 1219, tres días antes de su primera boda, tras velar una noche las armas en el monasterio burgalés de Las Huelgas. Otros relatos indican que fueron su madre o el obispo Mauricio los que le armaron caballero, ciñéndole simbólicamente la espada de Fernán González. Se negó siempre a combatir contra otros reyes cristianos, agotando en estos casos las vías negociadoras. Sí que tuvo que hacer frente a varias revueltas nobiliarias para consolidar su autoridad, tanto al recibir la corona castellana en 1217 como al unificar los reinos de Castilla y León en 1230. Cuando dirigió la guerra contra las posesiones islámicas apenas tuvo que recurrir a levas obligatorias, pues la esperanza de participar en los posteriores repartimientos de tierras y de bienes animaba a sus soldados. El rey fue extremadamente afortunado en sus campañas militares, hasta el punto de no conocer la derrota, a menos que consideremos como tal el levantamiento temporal de varios cercos, como por dos veces el de Jaén, ciudad que finalmente conquistó en 1246. Esta suerte en las armas se contrapone a las desdichadas cruzadas de su primo, el rey Luis IX de Francia, que enfermó de peste y murió por causa de la desastrosa expedición tunecina de 1270. Al igual que Fernando III, este rey francés fue posteriormente canonizado, concretamente en 1297 por el Papa Bonifacio VIII.

No existe ningún relato contemporáneo al reinado de Fernando III que abarque éste en toda su extensión. Las crónicas latinas contemporáneas se centran principalmente en los acontecimientos acaecidos hasta la conquista de Córdoba en 1236. Es el caso de la “Crónica Latina de los Reyes de Castilla”, atribuida al canciller real Juan, obispo de Osma, y el “Chronicon Mundi” del obispo Lucas de Tuy. El Libro IX de “De Rebus Hispaniae” del arzobispo de Toledo Rodrigo Jiménez de Rada hace además mención del período comprendido entre 1236 y 1243, pero de forma muy concisa. Acontecimientos posteriores, como la conquista de las ciudades de Jaén y Sevilla, son narrados por crónicas más tardías, escritas a partir de la segunda mitad del siglo XIII, y que son en su mayoría continuaciones de la crónica de Jiménez de Rada, con un posible origen común en la llamada “Traducción Ampliada del Toledano”. Una crónica que manifiesta su abierta hostilidad hacia la dinastía castellana es la “Crónica de 1344”, refundida hacia 1400, y atribuida al conde de Barcelos, hijo bastardo del rey Dinis de Portugal. El resto de las crónicas exaltan a Fernando III, subrayando su legitimidad mientras tratan, de forma diversa, los conflictos nobiliarios de inicios de su reinado. La homogeneidad narrativa es mayor a partir de la referencia a la conquista de Córdoba, prueba de la existencia de una fuente común. La “Primera Crónica General de España” nos aporta la versión oficial del conjunto del reinado de Fernando III, así como el de sus antecesores. En los siglos XIV y XV los relatos, ya muy distanciados de los hechos, incorporan hazañas nobiliarias y milagros realizados por Fernando III, lo que hace sospechar seriamente de su veracidad. La “Crónica del Santo Rey Don Fernando”, impresa en Sevilla en 1526, supone el enlace entre fuentes medievales adornadas con dudosos aditamentos y las obras de exaltación previas al proceso de canonización del monarca.

Fernando III nació en el monasterio cisterciense de Valparaíso, cerca de la localidad zamorana de Peleas de Arriba, en un descanso realizado por la corte itinerante. El monasterio, del que ya no queda prácticamente nada, tuvo su origen en un albergue fundado para atender a los transeúntes y peregrinos de la Vía de la Plata. Actualmente hay en el lugar un pequeño monumento cuyos azulejos aluden a que allí nació el rey. La fecha de su nacimiento es incierta, oscilando según las fuentes entre 1198 y 1201. Sus padres fueron el rey Alfonso IX de León y doña Berenguela, sobrina de éste e hija del rey Alfonso VIII de Castilla. Este matrimonio fue declarado nulo por no contar con la dispensa papal, pero sí que se consideró legítimos a sus hijos. Cuando se produjo en 1212 la victoria de la coalición cristiana en Las Navas de Tolosa, Fernando era todavía un adolescente. Dicha batalla contribuyó al resquebrajamiento de las estructuras de poder andalusíes, favoreciendo las futuras conquistas de Fernando III. En 1214 ocupó el trono castellano el joven Enrique I, hermano de doña Berenguela, el cual se vio afectado por los manejos de la nobleza. Este rey murió en 1217 a consecuencia de las heridas causadas por una teja que le cayó en la cabeza mientras jugaba en el patio del castillo episcopal de Palencia. Doña Berenguela llamó entonces a su lado a su hijo Fernando, que se había educado principalmente en el reino leonés, y una vez proclamada en Valladolid reina de Castilla abdicó en él. El rey de León, Alfonso IX, montó en cólera al saber el modo en que se había resuelto la sucesión castellana, e inició una expedición militar de castigo que dañó especialmente a la Tierra de Campos palentina. Acaeció entonces uno de los primeros episodios que fraguaron entre el pueblo la aureola de bondad de Fernando. El recién proclamado rey castellano se negó a combatir abiertamente contra su padre, enviando a éste una carta conciliadora. Alfonso IX aceptó las explicaciones de su hijo y se retiró de Castilla a cambio del pago de una indemnización de once mil maravedíes, extremo acordado en la llamada Paz de Toro. Fue precisamente en esta localidad donde murió por entonces uno de los nobles castellanos más levantiscos, el conde Álvaro Núñez de Lara. Revueltas nobiliarias menores estallaron en 1220 y 1221, encabezadas respectivamente por el señor de Cameros y el señor de Molina. Progresivamente se consolidó el poder real de Fernando, gracias en gran medida al apoyo de las ciudades y los obispados. Estos últimos, que litigaban con la corona castellana por el señorío de villas o la propiedad de bienes, aceptaron de buen grado los usos piadosos del monarca con la esperanza de verse favorecidos.

El reinado de Fernando III supuso la reunificación definitiva de los reinos de Castilla y León. Este acontecimiento se produjo en 1230, año de la muerte de Alfonso IX, ocurrida cuando se dirigía a Compostela tras la conquista de Mérida. Alfonso IX, despechando a su hijo Fernando, dejó como herederas del reino de León a las infantas Sancha y Dulce, hijas de su primer matrimonio con Teresa de Portugal, matrimonio que al igual que el contraído luego con doña Berenguela había sido anulado por las autoridades eclesiásticas. Esta decisión sucesoria parecía una locura destinada a sembrar la inestabilidad en el reino leonés, tanto por el hecho de no haber un único heredero como por no respetar el juramento que las Cortes de León habían expresado hacia Fernando cuando éste era adolescente, reconociéndole como futuro rey. Al conocer la muerte de Alfonso IX, doña Berenguela instó a su hijo Fernando a que marchase a León para reclamar este reino. Fernando III, acompañado por su madre, entró en el reino de León, donde algunas poblaciones le aclamaron como soberano. Doña Berenguela se entrevistó con Teresa de Portugal, la cual fue posteriormente canonizada por la Iglesia, tanto por su vida conventual como por su decisiva actuación en estos momentos. Teresa, viendo los conflictos que podrían derivarse del mantenimiento de la separación de los reinos de Castilla y León, aceptó la renuncia del derecho al trono de sus hijas, las cuales recibieron como compensación grandes rentas. Dicha renuncia se hizo efectiva en el Tratado de Benavente. Cuando Fernando III entró como nuevo rey en la ciudad de León no estaban allí para recibirle algunos de los principales dignatarios del reino, como el arzobispo de Santiago y otros obispos, seguramente contrarios a dicha elección. También se le oponía el merino mayor, que aun así fue ratificado en su puesto. Es decir, Fernando III no quiso alterar el funcionamiento normal de las instituciones leonesas para encontrar así mayores apoyos. Fue en Galicia donde la clase señorial se mostró más reacia a la unión política con Castilla, lo que se tradujo en algunas revueltas.

El rey Fernando III se casó en dos ocasiones. En la concertación de ambos matrimonios fue determinante el consejo de su madre doña Berenguela. En 1219 se casó con la alemana Beatriz de Suabia, nieta del emperador cruzado Federico I “Barbarroja”. Los cronistas la describen como “optima, pulchra, sapiens et pudica”. Con ella el monarca castellano-leonés tuvo siete hijos varones y una hija. La reina Beatriz murió en 1234, año en que el rey no encabezó expediciones contra los territorios musulmanes, centrándose en la represión de algunas revueltas nobiliarias en el Norte de Castilla. Algunas de las grandes conquistas meridionales del monarca se produjeron tras guardar durante un tiempo luto por su esposa Beatriz. En 1237 Fernando III se casó con la francesa Juana de Ponthieu, en cuya elección intervino la madre del rey francés Luis IX, doña Blanca de Castilla. Con la reina Juana tuvo Fernando III otros cinco hijos.

Las frases o circunstancias milagrosas atribuidas a Fernando III aparecen principalmente en crónicas tardías alejadas de los hechos y que recogen diversas tradiciones legendarias, por lo que hemos de citarlas con cierto escepticismo. El poner frases casi literales en boca de personajes históricos fue algo muy del gusto de la historiografía decimonónica y anterior, lo que daba un cierto toque novelado a dichas obras. Lo más probable es que la mayoría de esas frases no se dijeran, o que la idea expresada se dijera con otras palabras, pero en todo caso son frases ya casi petrificadas que reflejan la personalidad y el carácter de las figuras históricas a las que se les atribuyen. Una de las tradiciones milagrosas relacionadas con Fernando III indica que cuando tenía diez años se puso muy enfermo, sin poder comer ni dormir. Su madre llevó entonces al niño al monasterio burgalés de Oña. Rezó y lloró durante una noche entera ante una imagen de la Virgen, hasta que el niño se durmió. Despertó sano y pidiendo algo de comer. Todavía esta historia (importante para entender la devoción mariana que luego tuvo el rey) era contada en la década de 1950 por algunos jóvenes frailes del monasterio de Oña en el catecismo impartido a los niños de los pueblos cercanos.

De la educación religiosa de Fernando III se ocupó su madre doña Berenguela. A ella unió la formación en otros saberes y en prácticas caballerescas, como el manejo de las armas, la equitación, la caza, la música y los juegos de salón. Alternaba la plácida vida cortesana con algunas penitencias. Las prácticas piadosas no centraban su vida, sino que se integraban como un elemento más de la misma. Las fuentes describen en general a Fernando como caballero apuesto, pero hay también alguna referencia malintencionada a que pudo ser un poco bizco. Cuentan que, yendo a caballo acompañado de más caballeros, al encontrarse con los caminantes, torcía por el campo para que la polvareda no les molestase. Un Jueves Santo pidió un barreño y una toalla, y se puso a lavar los pies de doce personas pobres. Este gesto fue repetido por algunos de sus sucesores en el trono castellano. La guerra quiso sólo reservarla para la conquista de las posesiones islámicas, con afán casi de misión, pues no se conformaba con ningún territorio, ni se detenía mucho en la reorganización de las nuevas tierras, sino que proyectaba sin cesar más campañas. Esta actitud contrasta con la de otros reyes castellanos posteriores, que se acostumbraron acomodaticiamente al cobro de parias al reino de Granada, ralentizando la reconquista, si bien es verdad que tuvieron que hacer frente a problemas políticos internos y a la articulación administrativa eficaz de los nuevos dominios.

Los relatos hagiográficos que se ocupan de Fernando III indican que no sólo no se consideraba superior a nadie, sino que además pensaba que de todos podía recibir sugerencias acertadas. Se rodeaba de doce varones sabios, origen del Consejo de Castilla. Dicen que temía más la maldición de una viejecita pobre de su reino que a los ejércitos de los mahometanos, y que confiaba más en las oraciones de los religiosos que en el valor de sus soldados. Consideraba que en las batallas era la Virgen María la que peleaba y la que vencía, por lo que a ella le reservaba los honores del triunfo. Compartía con sus soldados las incomodidades de las campañas, velaba en ocasiones junto a los guardias y centinelas, y visitaba a los heridos tras cada batalla. Fue clemente con los adversarios que se le rendían, pero castigó con el destierro a los que le presentaron resistencia. En la administración de justicia no se dejó arrastrar por las reclamaciones de los más ricos frente a los más pobres, sino que procuraba defender los derechos de estos últimos. No buscó con sus conquistas la gloria personal, de modo que simplemente se declaraba “Caballero de Cristo, siervo de Santa María y alférez de Santiago”. Un relato legendario indica que, cuando unos nobles le comentaron que no convenía que un príncipe se sujetase y obedeciese tanto a su madre, él respondió que dejaría de obedecer cuando dejase de ser hijo.

Con respecto a los herejes, Fernando III suavizó la legislación, cambiando la pena de muerte por el destierro. Promovió la traducción del “Liber Iudiciorum” o Fuero Juzgo al castellano, dando así rango legislativo a dicha lengua, que se empezó a usar además en los documentos oficiales. El Fuero Juzgo fue entregado como fuero municipal a muchas de las ciudades reconquistadas, mientras que a otras se les aplicó el Fuero de Cuenca. Fernando III proyectó unificar y refundir la legislación existente, tarea que llevó finalmente a cabo su hijo y sucesor Alfonso X. Apoyó también el desarrollo de las escuelas episcopales y del Estudio General de Salamanca, fundado hacia 1218 por su padre Alfonso IX, y que fue la segunda universidad instaurada en España. La primera había sido la de Palencia, abierta hacia 1210. En el reinado de Fernando III se organizó un poco mejor la actividad cultural desplegada por los llamados “traductores”, algunos de los cuales se establecieron en Toledo. Continuó en auge la lírica popular galaico-portuguesa, muchas de cuyas cantigas fueron luego recopiladas en el reinado de Alfonso X bajo el patrocinio de éste. Fernando III favoreció la incipiente arquitectura gótica, iniciándose en su reinado la construcción de las catedrales de Burgos, Toledo, León y Palencia. Permitió la actuación de las recién creadas órdenes mendicantes, cuya espiritualidad se contraponía a las ambiciones patrimoniales del clero oficial. Fue él quien reunió en 1250 por vez primera las Cortes unificadas de Castilla y de León, signo de la preocupación por encontrar formas consensuadas de gobierno en sus heterogéneos dominios.

La victoria de Alfonso VIII de Castilla frente al califa almohade al-Nasir en la batalla de Las Navas de Tolosa en 1212 supuso la apertura y el control de los pasos que comunican la Meseta y Andalucía, invitando así a los ejércitos cristianos a emprender nuevas campañas reconquistadoras. Éstas experimentaron un gran impulso en el reinado de Fernando III, si bien el tipo de colonización realizado supuso la expansión del feudalismo castellano y favoreció el desarrollo del sistema latifundista. La conquista de grandes ciudades y las cesiones realizadas en favor de las instituciones eclesiásticas contribuyeron al renombre y fama de santo que el rey tuvo tras su muerte, pero no bastan para explicar el arraigo popular de la veneración expresada hacia Fernando III. La distorsión historiográfica bajomedieval de su figura, aderezada con leyendas, milagros y acciones admirables tuvo que tener como base la sincera religiosidad del monarca.

Una vez pacificado el reino catellano, Fernando III reemprendió las acciones militares meridionales, recibiendo para ello por escrito el apoyo espiritual del Papado. La muerte del califa almohade al-Mustansir en 1224 abrió una crisis sucesoria que supuso la fragmentación del territorio andalusí en varios reinos. El rey de Baeza al-Bayasí, vasallo del monarca castellano, es responsabilizado por las crónicas islámicas de haber incitado a Fernando III a luchar contra los otros reinos andalusíes. Cuando al-Bayasí fue asesinado por sus súbditos en 1226, Fernando III se apoderó de Baeza. Fue ocupando en años sucesivos fortalezas menores y suscribió algunas treguas, como la que obligaba al gobernador de Sevilla Abu l-Ula a entregar ingentes cantidades de dinero. Los otros reinos cristianos peninsulares también aprovecharon por entonces la inestabilidad andalusí para llevar más al Sur sus fronteras. Fernando III fracasó por dos veces en el asedio de Jaén, y tuvo que retirarse en 1230 para hacer valer sus derechos al trono leonés. Durante los años que el rey dedicó a la consolidación de su gobierno en el ámbito leonés, emprendieron la reconquista de pequeñas ciudades las órdenes militares, el arzobispo de Toledo Rodrigo Jiménez de Rada y algunos miembros de la nobleza. En 1233 Fernando III se desplazó nuevamente al espacio andalusí, obteniendo la capitulación de Úbeda. El año siguiente el rey no hizo incursiones en las tierras musulmanas, tanto por la muerte de su esposa Beatriz como por el estallido de algunas revueltas nobiliarias.

Con la toma de Córdoba en 1236 se inició la llamada época de las grandes conquistas, en las que el rey participó de forma directa. El gobierno de los reinos tradicionales fue encargado a miembros de la familia regia, especialmente a la madre del monarca, doña Berenguela, y a su hermano Alfonso, señor de Molina, que debían además enviar recursos para financiar las campañas andaluzas. Fernando III acudió con sus huestes a Córdoba al saber que unos caballeros cristianos habían ocupado las torres de la Ajarquía. Tras cinco meses de cerco, la antigua capital califal capituló, lo que supuso un gran golpe propagandístico. La mezquita fue transformada en iglesia y se restauró la vieja diócesis, aunque subordinada a la de Toledo. Hubo también alborozo en la Curia romana, que concedió a Fernando III más fondos, prebendas y derechos de presentación de los rectores de las nuevas iglesias. Córdoba experimentó tras su conquista penurias y escaseces, lo que obligó al envío de fondos desde los territorios del Norte. El rey permaneció algún tiempo en Burgos tras su matrimonio en 1237 con Juana de Ponthieu. Villas y castillos de la campiña cordobesa se fueron entregando mediante pactos. En 1243 el rey de Murcia entregó su territorio al infante Alfonso que, un año después, firmó con Jaime I de Aragón el tratado fronterizo de Almizra. En virtud de dicho acuerdo, Alicante quedó reservado para la Corona de Castilla, si bien en 1304 se cederá al reino de Valencia por el tratado de Campillo. Todavía uno de los castillos de la ciudad de Alicante recibe el nombre de San Fernando. En 1246 capituló Jaén ante los ejércitos castellanos encabezados por el rey tras seis meses de asedio. Se trataba de una cesión del nuevo rey de Granada, al-Ahmar, que además tuvo que hacerse vasallo y comprometerse al pago anual de grandes subsidios. Dos años después se trasladó la sede episcopal de Baeza a Jaén.

En la conquista de Sevilla, acaecida en 1248 tras quince meses de cerco, fue decisivo el control de los accesos fluviales a la ciudad por medio de una flota mandada por Ramón Bonifaz, y en gran parte construida para tal efecto en los astilleros del Norte. Las circunstancias del asedio son conocidas con gran detalle, signo de que las crónicas valoraron la toma de Sevilla como un hecho culminante en el proceso reconquistador. Primeramente fueron capitulando las fortalezas cercanas a la ciudad, y cuando ya la situación era insostenible para los sitiados se iniciaron las negociaciones de paz. Fernando III rechazó varias de las propuestas recibidas, exigiendo la entrega total de la ciudad y el éxodo de su población islámica en el plazo de un mes. Así se acordó, de modo que los musulmanes se fueron marchando escalonadamente con sus pertenencias o con el dinero recibido por la venta de sus bienes muebles. Sevilla, a pesar de verse demográficamente diezmada, se convirtió en sede de la corte y en cabecera del reino castellano-leonés hasta la muerte del monarca en 1252. Allí se desarrolló en los últimos años de su reinado una intensa actividad judicial, resolviéndose en presencia del rey muchos litigios institucionales y entre particulares. Desde Sevilla se organizaron nuevas campañas que se saldaron con la conquista de algunas ciudades más, como Jerez.

Para repoblar las ricas tierras andaluzas se siguió el sistema de los repartimientos, en el que pueden rastrearse algunos de los elementos que desembocarán en el latifundismo andaluz. Los donadíos supusieron la entrega de bienes inmuebles a las aristocracias civiles, militares y eclesiásticas, mientras que los heredamientos implicaron el reparto de tierras entre los verdaderos pobladores, procedentes de los territorios cristianos septentrionales, y entre los que había tanto caballeros como campesinos. Los bienes que estos dejaron en el Norte peninsular fueron rápidamente fagocitados por los concejos o por las instituciones nobiliarias y eclesiásticas. Los repartimientos consolidaron en definitiva las diferencias sociales existentes entre los que participaron en ellos. Fueron a la larga un desacierto de Fernando III en cuanto a la búsqueda de una mayor justicia social, pero satisficieron de forma urgente las ansias de recompensa de los promotores de la reconquista.

La intensidad actual del culto mariano en Andalucía tiene a Fernando III como uno de sus primeros adalides históricos. El rey hacía llevar siempre consigo en las campañas en que participaba imágenes marianas. Así, la toma de Córdoba en 1236 la efectuó en compañía de una imagen llamada la Virgen de Linares, conservada ahora en el santuario del mismo nombre, situado a 12 kilómetros de la ciudad. En el caso del asedio de Sevilla el rey se hizo acompañar de tres imágenes de la Virgen María. Una de ellas es la llamada Virgen de los Reyes, que presenta en el pie derecho una flor de lis, y que fue la que entró triunfalmente en Sevilla en lugar del rey cuando se consumó la conquista de la ciudad. Por deseo del rey dicha imagen se encuentra cerca de su sepulcro, en la catedral de Sevilla. Otra de las tres imágenes mencionadas es una Virgen de plata, la cual está en medio del retablo de la iglesia Mayor de Sevilla. La tercera imagen es la llamada Virgen de las Batallas, una pequeña talla de marfil que el rey llevaba en su caballo sobre el arzón de la silla, y que también se conserva en la catedral sevillana. La devoción mariana de Fernando III pudo suponer un elemento más de contraposición a los valores e ideales defendidos por la cultura islámica, por lo que su introducción en Andalucía estaría al servicio de la renovación religiosa deseada. Dicha devoción se atisba además por una cantiga que se atribuye al rey y por los nombres dados a algunos de los templos que se habilitaron o construyeron durante su reinado en el ámbito andaluz. Entre ellos está la capilla mudéjar de Nuestra Señora de Valme en el municipio de Dos Hermanas, cuya advocación alude a una supuesta rogativa del rey en el asedio de Sevilla: “Valedme, Señora”. En campaña rezaba el oficio parvo mariano, una especie de antecedente del rosario. Con el asunto de las imágenes fue el rey escrupuloso, pues no quiso que se le erigiese en vida ninguna estatua ni que se cincelase estatua yacente para su sepulcro, y en cambio movilizó a muchas personas para cubrir los oficios que se le debían dispensar a la imagen de la Virgen de los Reyes. Veía por tanto en las imágenes un signo casi vivo de exaltación y glorificación que reservaba para lo sagrado.

Existe una leyenda relativa a la decisión tomada por Fernando III de mantener la corte en Sevilla tras la conquista de la ciudad y hasta su muerte. Según esta leyenda, un truhán o juglar que mezclaba los donaires con las advertencias, viendo que los cortesanos tenían casi convencido al rey para que abandonase con su séquito Sevilla, rogó a éste que subiese con él a una torre alta para ver la hermosura de la ciudad. Una vez allí le pidió que no la desamparase, por si su mediana población no fuese suficiente para conservarla. El relato indica que el rey prometió no abandonar ya nunca Sevilla. El caso es que Sevilla se convirtió en algo así como la capital castellano-leonesa hasta la muerte del rey, que quiso ser allí sepultado. Sevilla es la ciudad en que la devoción hacia San Fernando es más fuerte, hasta el punto de tenerlo como patrono. Son diversos los ritos que sirven para recordar y honrar al monarca, como la procesión de su espada por las naves de la catedral sevillana cada 23 de Noviembre, aniversario de la toma de la ciudad. La espada es paseada por el alcalde, que ha de cogerla por la punta. El día del Corpus uno de los pasos sacados en procesión por Sevilla es el de San Fernando. Se trata de una escultura hecha por Pedro Roldán en 1671, año de la canonización del rey, y que lleva al cuello una medalla de la Virgen de los Reyes. Existe también en Sevilla una estatua ecuestre de San Fernando, en la llamada Plaza Nueva, mirando hacia el Ayuntamiento. Es obra de Joaquín Bilbao y se integra como remate en un monumento finalizado en 1924. El nombre de San Fernando está además presente en numerosas instituciones sevillanas, así como en menor medida en otras instituciones y lugares de España e Hispanoamérica.

En cuanto a la iconografía, se aprecia cierta diferenciación entre las imágenes religiosas de San Fernando y las imágenes historicistas del monarca. Estas últimas, características de las obras historiográficas antiguas, suelen ser retratos ecuestres o entronizados del rey, en ocasiones recibiendo el vasallaje de reyes islámicos o sosteniendo símbolos de poder, como la espada, el cetro y la bola coronada por una cruz, alusión a la lucha por la extensión universal de la fe cristiana. Las imágenes piadosas presentan en algunos casos a San Fernando mirando al cielo en actitud de súplica o mezclándose entre los pobres con limosnas. La primera imagen religiosa de San Fernando, obra de Claude Audane “el Viejo”, data de 1630. Posteriormente, en 1633, Francisco Pacheco representó en un cuadro la entrada de Fernando III en Sevilla.

No son muchos los tipos monetarios que se adjudican con seguridad al reinado de Fernando III, pues existen todavía importantes lagunas en el estudio numismático de este período, en el cual se extenderían los llamados dineros burgaleses, así como las piezas conocidas como doblas o castellanos, si bien estas últimas son mucho más frecuentes en el reinado de su sucesor, Alfonso X. Las monedas mejor conocidas del reinado de Fernando III son las piezas de vellón acuñadas en territorio leonés. En La Coruña se emitieron dineros cuyo anverso lo formaba una cruz florenzada que partía la gráfila interior y que presentaba veneras en los cuadrantes. Y es que la venera era el símbolo característico de la ceca coruñesa. En el reverso iba un león mirando a la izquierda. En León se acuñaron óbolos y dineros que presentaban en el anverso una cruz patada con veros heráldicos sobre vástagos en los cuadrantes, mientras que en el reverso iba una pequeña cruz sobre un árbol flanqueado por leones. La leyenda más propia de todas estas acuñaciones era la de “Moneta legionis”, es decir, “Moneda de León”, omitiéndose el nombre del rey, a diferencia de lo que solía ser normal en reinados anteriores y posteriores. Esta omisión del nombre del soberano dificulta la identificación de los tipos monetarios propios del reinado de Fernando III, y en ella podría verse tal vez un signo más de la humildad que las crónicas le atribuyen. Fernando III estuvo entre los monarcas que decidieron que su imagen no fuera representada en las monedas, pues tales imágenes eran de ínfima calidad y aclaraban poco acerca del verdadero aspecto de los reyes. Y además Fernando III mostró siempre aversión hacia toda representación suya hecha para glorificarle, prefiriendo exhibir en las victorias o en la iconografía oficial los antiguos símbolos territoriales.

En el modo de morir se refleja también la extrema religiosidad manifestada por Fernando III, que quiso humillarse conscientemente a pesar de su condición de rey. Su teatralidad la entendemos como nacida de la fe y no de la falsedad. Entre las últimas enfermedades que le acometieron se encontraba la hidropesía, dolencia consistente en el derrame o acumulación de líquidos en tejidos u órganos internos. Viendo que se acercaba su muerte en la Sevilla reconquistada, Fernando III se despreocupó de los asuntos de gobierno y se centró en los cuidados espirituales de su tránsito. Tomó los últimos sacramentos con gran devoción. Antes de comulgar se postró en tierra con un crucifijo entre la manos sobre un montón de cenizas (como haría años después para morir su primo San Luis), y se colocó una soga al cuello, dando muestras de gran arrepentimiento por sus pecados. Pidió además perdón a los circunstantes por los agravios que hubiera podido causarles, a lo que estos respondieron que sólo mercedes habían recibido. Hizo retirar de la sala todos los adornos y las insignias que pudieran recordar su calidad de rey o sus victorias, queriéndose así desprender simbólicamente de todo ante el poder igualador de la muerte. Se despidió de su segunda esposa y de sus hijos dándoles algunos consejos, especialmente al infante don Alfonso, que pronto reinaría con el título de Alfonso X y el sobrenombre popular de “el Sabio”. El rey tuvo después la sensación de que su alma se iba a salvar y pidió por ello con alegría que le encendiesen una vela en representación del Espíritu Santo. Sus últimas palabras aludieron a que desnudo había nacido y desnudo se ofrecía a la tierra. Murió entre los rezos y cantos religiosos de quienes le acompañaban, seguramente al amanecer del jueves 30 de mayo de 1252, si bien en su epitafio sepulcral se alude al “postrimero día de mayo”. El día 30 de mayo fue posteriormente instaurado como el de San Fernando, coincidiendo ahora su festividad con la de la santa francesa Juana de Arco, quemada en la hoguera en Ruán en 1431 bajo la acusación de brujería, y luego canonizada en 1920 por el Papa Benedicto XV.

El cuerpo de Fernando III fue según la tradición envuelto en ricas telas arabigoandaluzas y colocado en un sepulcro de la capilla real de la catedral de Sevilla, santuario en el que todavía permanece. Allí mandó poner el nuevo rey Alfonso el siguiente epitafio, cuya redacción (que aquí transcribimos en castellano moderno) se le atribuye: “Aquí yace el muy honrado Fernando, señor de Castilla y de Toledo y de León y de Galicia, de Sevilla, de Córdoba, de Murcia, de Jaén, el que conquistó toda España, el más leal, el más verdadero, el más franco, el más esforzado, el más apuesto, el más granado, el más sufrido, el más humilde, el que más teme a Dios, el que más le hace servicio, el que quebrantó y destruyó a todos sus enemigos, el que alzó y honró a todos sus amigos y conquistó la ciudad de Sevilla, que es cabeza de toda España”.

Nada más morir empezó a crecer su fama de santo, de modo que en los aniversarios de su muerte se paralizaba la actividad normal en Sevilla, concentrándose la gente con insignias, cirios y ofrendas en torno al sepulcro del rey. El soberano islámico de Granada envió cien representantes nobles para que participasen en las exequias de Fernando III portando antorchas encendidas. Las hagiografías fernandinas han querido ver en este gesto que incluso los reyes islámicos sentían pesar por su muerte, pero es más lógico pensar que experimentaron alivio, ya que Fernando III había dado un impulso mayor del esperado a la reconquista cristiana de la península. Incluso llegó a enviar un ejército al Norte de África, y las crónicas aluden a su deseo de trasladar la guerra a África para debilitar más aún a los enfrentados reinos islámicos. En el proceso abierto en el siglo XVII para su beatificación y canonización se estudiaron los supuestos milagros atribuidos por los fieles al rey, “muchos más realizados en muerte que en vida”, destacando entre ellos los relacionados con la defensa y amparo de los presos por razones de guerra o de causas injustas, en lo que se quiere ver un reflejo de la piedad mostrada en vida por el rey hacia sus enemigos capturados. Pero todo esto se escapa de la certeza histórica, entrando en el ámbito de las conjeturas o de la fe.

Entre los elementos tenidos en cuenta en los procesos de beatificación y canonización de Fernando III estuvo el estado de conservación de su cadáver. Su sepulcro fue por primera vez abierto para examinar el cuerpo en 1631, y más tarde se volvió a abrir en 1668. Los médicos y cirujanos, delante de las autoridades eclesiásticas, comprobaron que el cuerpo había experimentado un proceso de momificación natural, conservándose su piel, tejidos y articulaciones, salvo en una pierna que dejaba los huesos al descubierto desde la rodilla hasta el pie. Sorprendió el hecho de que no desprendiese mal olor. Su estado contrastaba con el de otros cuerpos de la familia real también depositados en la catedral de Sevilla, los cuales se encontraban mucho más corrompidos y desbaratados. En la actualidad el cuerpo del rey se encuentra dentro de una urna de plata, dentro de la cual ha continuado su proceso de lenta destrucción, provocada por microlepidópteros y coleópteros que atacan los tejidos momificados.

Uno de los hijos de Fernando III, el infante Felipe, tal vez influido por la piedad manifestada por su padre, inició la carrera eclesiástica y cursó estudios en la universidad de París. Una vez conquistada Sevilla, se restauró su sede arzobispal, y al frente de la misma fue colocado el infante Felipe. Pero algunos años después de la muerte de su padre, Felipe renunció a la dignidad pastoral, casándose con la princesa Cristina de Noruega. Esto podría interpretarse como que la profunda educación religiosa recibida en la corte de Fernando III por deseo de éste, hizo a uno de sus hijos confundir su verdadera vocación. Otros dos hijos varones del rey abrazaron el estado eclesiástico, y una de sus hijas, llamada Berenguela, permaneció como monja en el monasterio burgalés de Las Huelgas.

Con respecto a los reyes islámicos de los territorios andalusíes, la actitud de Fernando III consistió en el cumplimiento leal de los acuerdos suscritos, si bien es cierto que las condiciones de dichos acuerdos solía fijarlas siempre el soberano castellano-leonés de forma muy favorable a sus intereses gracias a la fortuna en las armas, incluyendo la prestación de vasallaje por parte de los derrotados o intimidados reyes meridionales. Guardando las treguas y los pactos reintrodujo un componente caballeresco casi ya olvidado en las luchas intestinas que agitaban al espacio andalusí. El rey islámico de Baeza, al-Bayasí, entregó antes de morir a Fernando III como rehén a uno de sus hijos, el cual, no sabemos si por conveniencia o de forma sincera, se convirtió al cristianismo y fue bautizado como Fernando Abdelmón, pasando a integrarse luego en la nueva nobleza sevillana. La adopción del nombre de Fernando y la concesión del título castellano de infante parecen indicar que el rey Fernando III fue su padrino de bautismo. Incluso es posible que el propio al-Bayasí se hiciera cristiano siendo ya un jeque anciano, lo que refieren con vergüenza los cronistas musulmanes. No hubo por tanto en Fernando III ningún atisbo de racismo, aunque estaba clara su actitud integrista en materia religiosa, propia de un rey cruzado. Ejemplo de la diplomacia fernandina es la intercesión para que el Papa pudiera enviar un legado al sultán de los benimerines de Marruecos. El cronista musulmán al-Himyari, a pesar de lamentar los avances reconquistadores del monarca castellano-leonés, alude a él como “un hombre dulce, con sentido político”.

Una de las actuaciones historiográficamente más criticadas de Fernando III es el hecho de que prácticamente vaciase de población musulmana las ciudades de Córdoba, Jaén y Sevilla tras su conquista. Era tanto un castigo por la resistencia ofrecida como un aviso a las ciudades que todavía estaban por someter. Además esta expulsión dejaba al rey una mayor libertad para reorganizar el funcionamiento de los territorios conquistados, evitando posibles revueltas religiosas. Posteriormente el rey permitía el regreso de parte de la población musulmana, la cual debía integrarse en la nueva estructuración de las grandes ciudades. Fernando III acompañaba por tanto sus acciones militares con otras encaminadas a debilitar la fe islámica en territorio peninsular, lo que indica su concepción de la reconquista como cruzada. Parte de la población musulmana expulsada pasaba a otros territorios peninsulares todavía controlados por los poderes islámicos, y una parte menor cruzaba a África, aminorando así la tensión religiosa en las regiones reconquistadas. El historiador tunecino Ibn Jaldún, descendiente de emigrados, hace referencia con dolor a este éxodo sufrido por la población hispanomusulmana. La nostalgia por la progresiva pérdida de al-Ándalus estuvo presente en la poesía y en la historiografía árabe, y constituye aún hoy en día un tema recurrente.

Desde poco después de su muerte e incluso antes de la misma, Fernando III fue ensalzado por diversas personalidades, empezando por su hijo y sucesor Alfonso X, que le describió como lleno de virtudes, gracias y bondades. El monje benedictino y ensayista español Benito Jerónimo Feijoo (1676-1764) quedó cautivado por la biografía del monarca, hasta el punto de decir que en ninguna parte se ha encontrado alguien semejante a él. El Papa Gregorio IX (“1227-1241”), cuando aún vivía el rey, le proclamó “Atleta de Cristo”, y el Papa Inocencio IV (“1243-1254”), deslumbrado por sus victorias y por la humildad con la que las recibía, le llamó “Campeón invicto de Jesucristo”. Fernando III fue canonizado el 4 de febrero de 1671 por el Papa Clemente X. La documentación de los procesos de beatificación y canonización se conserva en los fondos de la catedral de Sevilla, junto a otros elementos relacionados con el monarca, como su espada, las llaves de la ciudad de Sevilla, sellos medievales, el epistolario…Muchos de estos objetos fueron expuestos en el trascoro de la catedral en el año 2002 con motivo del 750 aniversario de su muerte. También ese año se celebró en Sevilla un congreso internacional sobre su figura, y en cuya inauguración participaron los reyes de España.

Fernando III, al igual que otros personajes relevantes de la historia española, tuvo su sitio, bajo el signo de la manipulación interesada, en la didáctica franquista, caracterizada en gran medida por la recopilación resumida de biografías ejemplarizantes. Una colección de tebeos mexicana publicada por la editorial Novaro y titulada “Vidas Ejemplares” dedicó en 1965 uno de sus números a San Fernando. En él el rey es descrito como un perfecto caballero cristiano centrado en la empresa reconquistadora. Para fascinar al público infantil el tebeo incide especialmente en los episodios militares, y recoge además la leyenda de que el rey entró en secreto en Sevilla durante su asedio para rezar a la escondida imagen de la Virgen de la Antigua, imagen que en cambio otros consideran que fue la que el rey hizo entrar triunfalmente en Jaén. Actualmente la figura de Fernando III sigue despertando sentimientos encontrados, debido principalmente a la interrelación que hizo de política y religión. En todo caso el devoto rey, hijo de su tiempo, cambió la faz del territorio ibérico, unificando dos reinos cristianos y haciendo retroceder con ardor inesperado los dominios del Islam.

Bibliografia:

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IMÁGENES Y EXPRESIONES UTILIZADAS EN LAS MONEDAS IBEROAMERICANAS

2003-11-01T00:00:00.009+01:00

Una práctica a la que ya se recurre muy poco es colocar en las monedas expresiones sencillas cuyo fuerte valor emotivo suscite sentimientos comunitarios. Esta práctica fue común en los países latinoamericanos durante el siglo XIX como un elemento favorecedor de la redefinición de las respectivas identidades nacionales. Este tipo de consignas ha caído en desuso en la mayor parte de los países porque cada vez es más difícil definir con pocas palabras las peculiaridades que todo un pueblo desea ostentar ante sí mismo y ante las demás naciones. Es el caso de las expresiones confesionales, pues las creencias religiosas se conciben ya como algo más relacionado con cada individuo, y no de manera monolítica con todo un pueblo. En los procesos de constitución de sus comunidades políticas, las naciones iberoamericanas se valieron de las posibilidades iconográficas y expresivas de las monedas para lanzar bellos mensajes cohesionadores amparados en un sentido de orgullo y trascendencia. En cada país se fueron incorporando al repertorio iconográfico monetal las imágenes de los héroes y de los personajes idealizados que habían ayudado a edificar la conciencia singular de cada pueblo. Estas figuras históricas pasaron así a ser modelos de conducta para cada ciudadano, el cual no podía traicionar con un comportamiento ruin el camino abierto por los fundadores de la patria, entendiendo ésta como una inmensa familia de alcance plurigeneracional. El destino trágico de muchos de estos héroes era una llamada al sacrificio para contribuir a la prosperidad general de la comunidad en que cada uno estaba por herencia histórica inmerso.

Los escudos, sometidos en bastantes casos a ciertas modificaciones, estuvieron y están entre los símbolos comunitarios más característicos de los soportes monetales. En los escudos suelen ir unos pocos elementos, animados o inanimados, que evocan la tierra de origen. Los escudos, junto con los himnos y las banderas, pretenden supuestamente despertar los sentidos y aglutinar de forma poética a los integrantes de una misma comunidad política. Pero en cuanto se vierte sangre, bajo el sustento simbólico crecen las disensiones, en ocasiones debidas a proyectos clasistas o monoétnicos de construcción nacional, alejados de los ideales comunitarios y de los valores universales que han de imperar en cada estado, lo que puede incluso convertir en odiosos o en partidistas los símbolos nacionales, teóricamente diseñados con fines integradores. El variado trasfondo étnico de cada país iberoamericano ha sido en general bastante descuidado en la iconografía numismática, más todavía en el siglo XIX que en fechas más recientes, pues se temía que la pluralidad cultural de cada región atentase contra la unidad sociopolítica incipientemente establecida. Muchos países resolvieron con elegancia el problema de reflejar al mismo tiempo la herencia española, el sustrato indígena y los aportes de población de color en sus acuñaciones nacionales, empleando por ejemplo los bustos de conquistadores españoles, caudillos indígenas y libertadores criollos, o dedicando piezas a la manumisión.

¿Cómo debe ser una leyenda monetal para suscitar fidelidades entre todos los miembros del cuerpo ciudadano? Para responder deberíamos detenernos en los ejemplos que nos ofrecen las monedas latinoamericanas. En cada país se enfatizaron a través de las leyendas monetales distintos valores, destacando entre todos ellos el de la Libertad. Si la expresión utilizada en las monedas fue dicha en vida por uno de los héroes constructores de la patria adquiere entonces unas connotaciones emotivas complementarias. Ello se debe a que en este caso no son meras palabras, sino eco de unas obras y actitudes ejemplares. Otros recursos emotivos de las frases monetales son el empleo implícito de plurales, su colocación junto a los bustos de figuras históricas, su poso igualitario y su posible traslación universalista. Han de ser necesariamente expresiones breves, pero no forzosamente claras, pues pueden incorporar varios o ambiguos significados. Esto ocurre con el empleo de palabras como Fuerza y Orden en distintos tipos de frases, en ocasiones algo intimidatorias, pero a la vez alusivas a las ventajas de la unión armónica de los conciudadanos. Cuando la consigna va “semiescondida” en el canto de las monedas, su descubrimiento por parte del ciudadano puede conllevar un efecto inesperado de pequeña conmoción.

En muchas monedas iberoamericanas, más cuanto más nos acercamos al presente, el efecto de cohesión no viene dado por las fórmulas altisonantes, sino por imágenes que suscitan procesos de identificación personal o que recogen metafóricamente una porción de las raíces nacionales. A pesar de la belleza de tantas alegorías y de tantas imágenes que remiten a la diacronía del suelo que uno pisa, se echa un poco en falta en las monedas actuales el recurso a las palabras, no empleadas por temor a disgustar a un sector de la población autóctona, o por suponer que defienden valores obvios lo suficientemente implantados en las sociedades modernas. En definitiva, podemos decir que las monedas, con o sin inscripciones, han hablado con frecuencia de aquello que está presente en la mente idealista y en la imaginación utópica y desaforada de los hombres, algo que corroboran muchas piezas latinoamericanas. Otras piezas en cambio se limitaron a acrecentar la vanidad de algunos gobernantes a través de la representación contemporánea de sus bustos. Las monedas, aunque a veces se valgan de métodos propagandísticos inadecuados o partidistas, tienen entre sus cometidos no estrictamente económicos el intentar cohesionar en torno a unos valores y personalidades ilustres a los integrantes del cuerpo ciudadano, tanto si la nación está bien y en justicia definida como si lo está sectariamente. Son un recurso estatalista contra la desunión, el desafecto interregional y la escasez de fraternidad suprapolítica, ya que, parafraseando un pasaje evangélico, toda nación teme que, dividida contra sí misma, acabe devastada y cayendo casa sobre casa.

CHILE

Las primeras monedas nacionales chilenas fueron acuñadas en 1817, es decir, en el año anterior a la proclamación de la Independencia del país. El tipo surgido por entonces estableció para los anversos de las piezas de plata la leyenda “Chile Independiente”, y para los reversos la consigna “Unión y Fuerza”, con la palabra “Libertad” en una banderola alargada. En piezas de valores pequeños, emitidas en cobre desde 1835, y años más tarde en cuproníquel, se recurrió a la laxa leyenda de “Economía es Riqueza”, tal vez para invitar al ahorro. Estas piezas utilizaron como símbolo principal en los anversos una estrella, presente también en el escudo y en la bandera de Chile, y más tarde un rostro femenino con gorro frigio y corona de espigas como alusión al régimen republicano. En las monedas de plata apareció hacia 1837 la leyenda “Por la Razón y la Fuerza” cobijando a un cóndor que desbarata unas cadenas. Desde 1851 esta frase convierte la conjunción copulativa en disyuntiva, pasando a ser “Por la Razón o la Fuerza”, apareciendo ahora el cóndor con las alas extendidas. La leyenda mencionada, que figura también en el escudo chileno, dejó de ser acuñada como epígrafe de las monedas de plata hacia 1894. Había sido usada antes en los escudos de oro, los cuales desde 1835 emplearon en su lugar la proclama “Igualdad ante la Lei”, escribiendo curiosamente Ley con i latina. Esta frase se acompañaba del sustento iconográfico de una mano jurando la Constitución bajo el sol, mientras que en piezas posteriores se recurrió respectivamente a Atenea y a una alegoría republicana. En la numismática chilena más reciente cabe destacar el continuismo simbólico del cóndor junto a la frecuente aparición del busto del libertador O’Higgins. El régimen dictatorial de Pinochet puso en circulación cínicamente en 1976 piezas con una Victoria alada rompiendo sus cadenas, con la consignación de la fecha del golpe de estado, 11 de Septiembre de 1973, y la leyenda “Libertad”.

ARGENTINA

Desde 1813, tres años antes de la proclamación de la Independencia de Argentina, emitieron monedas de oro y plata las llamadas provincias del Río de la Plata. Estas piezas portaban la consigna “En Unión y Libertad”, la cual rodeaba el primigenio escudo nacional de los reversos. En el anverso iba el sol con cara, que es desde entonces el símbolo más característico de la Argentina independiente. Diferentes provincias tuvieron al principio, y debido en parte a los conflictos civiles, derecho de acuñación, empleando en cada caso leyendas y elementos iconológicos propios, como sus escudos regionales. La provincia de Buenos Aires emitió piezas de cobre con la leyenda “¡Viva la Federación!”, así como otras que tenían un águila como motivo principal. Las piezas de plata acuñadas por la provincia de Córdoba suelen llevar en los reversos la leyenda “Confederada” rodeando al sol con rostro, mientras que en los anversos más comunes figura una torre con pendones. Las alusiones a la Confederación están también presentes en las monedas emitidas por la provincia de La Rioja, en las que es normal la glorificación del político argentino Juan Manuel de Rosas mediante expresiones como “Restaurador de las Leyes” y “Eterno Loor al Restaurador Rosas”. La provincia de Salta reselló en 1817 antiguas monedas de plata mediante un monograma laureado de la palabra “Patria”. La provincia de Santiago del Estero acuñó monedas de plata en 1823 y 1836 con dos flechas cruzadas en el anverso y una cruz o un sol laureado en el reverso. En 1854 los partidarios de la “Confederación Argentina”, con capital en Paraná, pusieron en circulación piezas de cobre en las que el nombre que daban al país aparecía rodeando al sol. En 1867 los colonos italianos y suizos establecidos en la Colonia San José, en Entre Ríos, obtuvieron permiso para acuñar pequeñas monedas de plata de medio real. En 1889 el aventurero Julius Popper, dedicado a la búsqueda de oro en la Tierra del Fuego, acuñó monedas de oro de 1 y 5 gramos en las que figuraban tanto su propio apellido como herramientas mineras cruzadas. Desde 1881 el conjunto de Argentina adquirió una moneda nacional común, la cual difundió en sus distintos valores una cabeza republicana femenina caracterizada por su larga y poblada cabellera suelta, en asociación frecuente con la palabra “Libertad”. A la alegoría republicana hay que sumar en las monedas argentinas recientes la representación del escudo, del sol y del busto del general José de San Martín, además de algunas referencias futbolísticas, animalísticas, arquitectónicas y marítimas, junto con la imagen idealizada del gaucho a caballo. Aunque la plata ya no se usa más que en piezas conmemorativas, dicho metal es sinónimo coloquial de dinero en el vocabulario argentino.

URUGUAY

El nombre oficial de Uruguay, el cual aparece entero en muchas de sus monedas, es el de República Oriental del Uruguay. El nombre se debe a que el país ocupa la orilla oriental del río Uruguay. Al igual que Argentina, país con el que mantiene estrechos vínculos históricos, Uruguay utiliza como motivo destacado en su iconografía nacional y monetaria el sol, que no siempre es representado con rostro, y el cual hace referencia al alumbramiento de un nuevo estado, a la consecución de la Independencia. Las primeras monedas uruguayas son de 1840. Se trata de piezas de cobre de fuerte valor propagandístico, encargadas de ir fomentando una conciencia autónoma y comunitaria. Desde 1877 se acuñaron monedas de plata, en las que además del escudo iba la leyenda “Libre y Constituida”. En 1916 se introdujo el busto del libertador Artigas, el cual ha sido desde entonces común en las monedas uruguayas. Por encima del busto podía leerse en algunas piezas de plata la frase “Con Libertad ni ofendo ni temo”. En 1930, coincidiendo con el centenario de la Constitución, empezaron a emitirse monedas de plata con un perfil alegórico republicano en los anversos y un felino caminando con el sol naciente tras él en los reversos. Un motivo empleado con frecuencia desde 1968 es la flor roja del Ceibo, considerada como la flor nacional. Entre los elementos iconográficos a los que recurrió la reforma monetaria de 1976 se encontraban los símbolos que ocupan los cuarteles del escudo uruguayo: el buey, el caballo, el castillo en monte y la balanza, metáfora de la justicia. En monedas de 1961 y 1989-1990 se homenajeó a los gauchos por medio de un busto prototípico. En piezas de 5 pesos de 1975, para recordar el 150 aniversario del movimiento revolucionario de Artigas, se recurrió en los reversos a una espada clavada junto con la leyenda “Libertad o Muerte”. Como motivo agrario destaca en la numismática uruguaya el empleo de las espigas de trigo, en ocasiones dispuestas imitando los rayos de un sol en alborada.

PARAGUAY

La República del Paraguay, atravesada por el río del mismo nombre, conoció sus primeras monedas nacionales en 1845. Se trata de piezas de cobre, acuñadas en su mayor parte en la ceca británica de Birmingham. Se sirvieron ya de una imagen bastante repetida en emisiones posteriores, consistente en un león tras el cual un palo sostiene un gorro frigio. A esta representación, en la que inicialmente del gorro emanaba luz, se añadió en las monedas posteriores la fórmula “Paz y Justicia”. Precisamente en las primeras monedas paraguayas de oro, acuñadas en 1867, se colocó en los reversos una alegoría de la Justicia. En muchas piezas posteriores la estrella de cinco puntas del escudo paraguayo se convirtió en el principal elemento iconográfico. Las pequeñas monedas de 1944, hechas con una aleación de aluminio y bronce, utilizaron motivos florales, dando así nacimiento a la nueva moneda paraguaya: el guaraní, nombre tomado de una importante etnia indígena y de su lengua. Las piezas de 1953, hechas con la misma aleación, optaron por un novedoso reborde ondulado, manteniendo el motivo clásico del león y el gorro frigio. Monedas más recientes se valieron de la imagen popular del soldado paraguayo y de la mujer paraguaya, así como de los bustos ensalzadores de varios generales. Entre 1972 y 1975 se acuñaron en oro y plata piezas conmemorativas de numerosos tipos, dedicadas principalmente a personajes nacionales y extranjeros, a la cultura material de los indígenas de Iberoamérica, a los juegos olímpicos de Munich y al dictador Alfredo Stroessner, que gobernó el país desde 1954 hasta 1989.

BRASIL

Algunos territorios brasileños aplicaron resellos propios sobre el circulante anterior, tanto autóctono como extranjero, incluso ya proclamada la Independencia, la cual llegó en 1822 con el autodenominado emperador Pedro I. Éste se hizo representar en las monedas con indumentaria militar de gala, salvo en 64 piezas de oro del año de su coronación, en las cuales aparece como un emperador romano, con cinta y corona de laurel. En el reverso de sus monedas, todas de metal precioso, iba la frase latina, también presente en monedas portuguesas: “In hoc signo vinces”, es decir, “Con este símbolo vencerás”, rodeando un primigenio escudo brasileño del que formaba parte una cruz. Con dicha frase, que según la tradición es la que escuchó Constantino a la vez que se le aparecía una cruz antes de la batalla del puente Milvio en el año 312, Pedro I quiso revestir de espiritualidad y épica su elección como gobernante del Brasil. Con su joven sucesor, Pedro II, se inició la acuñación de monedas de bronce y cuproníquel. Los elementos representados fueron sencillos y constantes: el escudo brasileño y el busto del emperador, primero de niño y “rapaz”, y luego con una poblada barba, siempre rodeado por sus sonoros títulos imperiales. En 1889, con el advenimiento de la República, cambió por completo la iconografía monetal, así como el escudo representado, en el que el elemento principal pasó a ser una estrella de cinco puntas. El país adquirió el nombre de “República dos Estados Unidos do Brazil”, queriendo imitar así el federalismo norteamericano. Luego la z de Brazil pasó a ser oficialmente una s. Los bustos alegóricos de la República, muy variados y de gran belleza, eran con frecuencia rodeados por 21 estrellas, alusivas a los estados que integraban la nación. En las monedas se colocaron mensajes favorecedores del ahorro y de la paz social, como “A economia faz a prosperidade” y “Ordem e Progresso”, expresión esta última que aparece en la bandera de Brasil. El ritmo de acuñación en Brasil es alto por la gran cantidad de población del país, y los tipos son numerosos, debido en parte a la inestabilidad inflacionaria de su moneda. Las piezas de 1901 dispusieron la fecha en números romanos, algo poco común en la numismática reciente. En 1922 se conmemoró en las piezas de uso corriente y en otras de metal precioso el centenario de la Independencia. En 1932, con motivo del cuarto centenario de la colonización, muchas monedas recordaron el hermanamiento histórico con Portugal. Getulio Vargas, que gobernó autoritariamente el país entre 1930 y 1945, fue representado en piezas de distintos valores contemporáneas a su mandato. Otros personajes ilustres de la nación engrosaron el repertorio iconográfico monetal, destacando la incorporación del antiguo líder indígena Tibiriçá. El nacimiento del “cruzeiro” en 1942 basó su iconografía en la representación de un mapa físico de Brasil, mientras que el “cruzeiro novo” de 1967 optó por una alegoría republicana de corte moderno. Los “cruzados”, nacidos en 1986 y que tuvieron una corta vida, recordaron en 1988 el centenario de la abolición de la esclavitud. Otras reformas monetarias posteriores se valieron de la representación de trabajadores en sus tareas y de la rica fauna amazónica.

BOLIVIA

En 1827, dos años después de conseguida su Independencia, Bolivia emitió sus primeras monedas nacionales, realizadas en plata. En ellas aparecía el busto cesarizado del libertador Bolívar, del que el país tomó su nombre. Alrededor del busto iba el mensaje: “Libre por la Constitución”. En la otra superficie de las piezas fueron representadas dos llamas andinas bajo un árbol iluminado por seis estrellas, las cuales hacían referencia a las distintas regiones del país. Ya en la década de 1850, el árbol pasó a ser una palmera, y el número de estrellas aumentó hasta nueve debido a una reorganización administrativa de la división territorial. El país tuvo diferentes cecas, algunas de ellas extranjeras, pero sin duda la más prestigiosa por su riqueza en metales preciosos fue Potosí, nombre que aparece entero o en monograma en muchas de las monedas allí acuñadas. Progresivamente se fue extendiendo en las monedas nacionales la representación del escudo boliviano, en el que el árbol y una llama siguieron estando presentes, con el paisaje andino al fondo. El militar Melgarejo, que ostentó el poder entre 1865 y 1871, dio nombre a una moneda de plata en la que se hizo representar. Alrededor de su busto barbado iba la dedicatoria: “Al Pacificador de Bolivia”, completada en el reverso con las expresiones: “Gratitud del pueblo potosino” y “Al valor del jeneral Melgarejo”, con j errónea en general. Estas piezas ilustran el recurso a la Paz como valor universal para generar fidelidades intracomunitarias en estados pluriculturales en formación, como ocurrió con la “Pax romana” de época de Augusto. Desde 1864, momento en que empieza a acuñarse en Bolivia moneda divisionaria de cobre, se generaliza en las piezas de los distintos valores la consigna de “La Unión es la Fuerza”, parecida a la que utilizaban las monedas belgas: “L’Union fait la Force”. En 1878 adquirió mayor importancia iconográfica el cóndor, remate del escudo boliviano, en las piezas de menor valor. A las piezas de cuproníquel de 10 centavos acuñadas en 1883 se les practicó posteriormente una perforación central para que no se confundiesen con las piezas de plata de 20 centavos. En 1893 se empezó a representar en las monedas bolivianas el caduceo, atributo de Mercurio y emblema del comercio. Piezas de bajo valor de 1937 recurrieron al motivo del brazo sosteniendo una antorcha para alumbrar el metafórico camino del destino de la nación. Tras la representación de Bolívar en monedas de bronce de 1951, se optó en las emisiones posteriores por la casi exclusividad iconográfica del escudo.

PERÚ

El general San Martín proclamó en 1821 la Independencia del Perú con estas palabras: “El Perú es, desde este momento, libre e independiente, por la voluntad general de los pueblos y por la justicia de su causa, que Dios defiende. ¡Viva el Perú! ¡Viva la Libertad! ¡Viva la Independencia!”. Un año después se iniciaron las primeras acuñaciones nacionales. En las piezas de cobre más pequeñas se empleó como motivo el sol, y en otras de cobre de valor superior se recurrió a un paisaje montañoso, con vicuña, gorro republicano en palo y sol. Las primeras monedas de plata llevaban el escudo inicial con la leyenda a su alrededor de “Perú Libre”. En su reverso dos alegorías flanqueaban una columna, signo de que el nuevo país debía edificarse sobre los principios de la Virtud y la Justicia, a las que se aludía en una inscripción. Un tipo iconográfico de gran estabilidad surgió en piezas de 1826. El anverso fue reservado para el nuevo escudo, del que forma parte una cornucopia llena de monedas, mientras que en el reverso Atenea sostenía en un palo el gorro frigio. En el escudo de Atenea iba la palabra “Libertad”, y alrededor de la figura había una inscripción que decía: “Firme y Feliz por la Unión”. En las más pequeñas monedas de plata se utilizó el motivo de la vicuña, animal autóctono que llegó a estar en peligro de extinción. Podemos indicar que el simbolismo numismático e ideológico de un animal es normalmente mayor para un país cuanto más circunscrita está la especie a dicho país. Hacia 1837 la ciudad de Cuzco acuñó monedas con el motivo del sol y mensajes filofederalistas. El sol se convirtió en uno de los elementos iconográficos principales de la moneda fraccionaria peruana desde 1863 hasta 1958, pues el sol es además el nombre de la moneda nacional. En las fugaces pesetas peruanas de plata de 1880 una cabeza alegórica republicana iba rodeada de la frase: “Prosperidad y Poder por la Justicia”. Las libras peruanas de oro desde 1898 emplearon la fórmula “Verdad y Justicia” acompañando el busto alegórico de una mujer indígena. Otro busto alegórico republicano de corte indigenista se introdujo en 1918 en piezas de valor pequeño acuñadas en la ceca estadounidense de Filadelfia. En 1954 se utilizó en los anversos de distintas monedas el busto del presidente decimonónico Castilla, asociado a una idealizada época de cierto esplendor económico. En los reversos de estas piezas iba el sencillo motivo de la antorcha. En 1966 se reintrodujo la imagen de la vicuña en monedas de latón. En 1971 empezó a utilizarse el busto de Tupac Amaru, líder indígena del siglo XVIII, representado con sombrero de ala ancha. Otras piezas emplearon como decoración motivos incas. Entre las monedas conmemorativas de oro y plata destacan las de 1965, dedicadas al cuarto centenario de la fundación de la ceca de Lima, las de 1966, que recuerdan el centenario de una victoria naval sobre España, y las de 1976, que con dos años de tardanza celebran el 150 aniversario de la batalla de Ayacucho. En piezas recientes ha adquirido gran importancia iconográfica la imagen del almirante Miguel Grau, muerto en 1879 en la guerra contra Chile. El escudo es el elemento principal en muchos de los últimos tipos monetales peruanos. El color dorado brillante del latón de muchas monedas peruanas era un bello recurso propagandístico indicativo de una aparente fuerza económica, ya que imitaba al mismo sol, nombre de la pieza básica del sistema monetario.

ECUADOR

Tras la proclama independentista realizada en Guayaquil en 1820, circularon por Ecuador monedas de la Gran Colombia, confederación de la que formaba parte el territorio ecuatoriano. A estas piezas se las resellaba en Ecuador con el monograma MDQ, es decir, “Moneda de Quito”. Desde 1833 hasta 1836 las monedas ecuatorianas siguieron aludiendo a la malograda confederación con el mensaje de “El Ecuador en Colombia”. Ya estas piezas llevaban en su reverso la famosa inscripción ecuatoriana de “El Poder en la Constitución”. Entre los símbolos empleados por entonces estaba la fasces consular flanqueada por dos repletas cornucopias, esperanza de prosperidad. El primigenio escudo fue reemplazado por otro más elaborado, con remate en cóndor y la fasces en la base, en monedas de 1846, en las cuales se introdujo un busto alegórico republicano y femenino que, al igual que otro anterior, llevaba en una especie de cinta para el pelo la palabra “Libertad”. Las alegorías republicanas alternaron en las emisiones con el perfil de Bolívar. Hacia 1884 se inicia otra etapa numismática en Ecuador con la adopción del sucre como nueva moneda nacional. El nombre de la moneda rinde honor al general Antonio José de Sucre, lugarteniente de Bolívar que venció al ejército español en la batalla de Pichincha de 1822. El perfil de Sucre empezó a ser representado en las piezas de mayor valor, si bien posteriormente alcanzó a casi todos los valores. Muchas de las piezas ecuatorianas de la época fueron acuñadas en cecas extranjeras, como Birmingham, Filadelfia, Lima y Santiago de Chile. Como curiosidad, hay que reseñar que en 1928 se acuñaron 20.000 piezas de oro llamadas cóndores, equivalentes cada una a 25 sucres de plata de la época. En las emisiones recientes cabe mencionar la continuidad de la preferencia por la representación del escudo y del retrato de Sucre. Algunos motivos tomados del arte indígena se usaron en piezas de 1988, mientras que otras monedas de la misma fecha recurrieron a un monumento autóctono y a un enorme racimo de plátanos. Las piezas conmemorativas de plata, escasas, se reservaron para el mundial de fútbol de 1986 y para el quinto centenario del descubrimiento de América.

COLOMBIA

El estado colombiano, federado inicialmente con Venezuela y Ecuador, ha experimentado a lo largo de su desarrollo histórico diversos cambios en su denominación, como República de Colombia, República de la Nueva Granada, Confederación Granadina, Estados Unidos de Nueva Granada o Estados Unidos de Colombia. El nombre que se ha impuesto finalmente es el de República de Colombia, que ya fue utilizado en las monedas acuñadas por la provincia de Cundinamarca durante la época confederada (1819-1830). Fue la Cámara de Cundinamarca, provincia que alberga a la capital colombiana de Bogotá, la que proclamó la Independencia del país con respecto a España en 1813. Ya desde un poco antes algunas provincias colombianas habían empezado a emitir su propia moneda, como Cartagena y Santa Marta. En 1813 empezaron a acuñar las provincias de Popayán y Cundinamarca. Esta última recurrió en las monedas de plata a un busto indígena en el anverso y a una granada abierta en el reverso, motivo “parlante” alusivo al nombre hispánico del territorio. Algunas piezas tenían alrededor del busto indígena la consigna de “Libertad Americana”, ilustrativa del panamericanismo antiespañol del momento. Desde 1822 se homogeneizaron los tipos acuñados en las distintas cecas del país. Se utilizó otra cabeza alegórica diferente, en concreto una mujer con la palabra “Libertad” en una cinta para el pelo. Se empleó también el motivo heráldico de la fasces entre cornucopias, que fue el escudo de la Gran Colombia federal. Las monedas de 1837 llevan ya el nombre de República de la Nueva Granada. Introducen el nuevo escudo nacional y la frase en banderola de “Libertad y Orden”. Las alegorías republicanas femeninas fueron ganando en belleza de labrado. En piezas pequeñas se utilizó el motivo de la granada exenta o entre cornucopias. Rara vez aparece exento el cóndor, remate del escudo colombiano. En piezas de 1874 se segregan las dos afrontadas cornucopias con respecto a la granada. Por entonces se comienza a representar en monedas de bajo valor el gorro frigio en solitario. Monedas de plata de 1887 llevaban en el canto la leyenda “Dios - Patria - Libertad”. Piezas del mismo metal de 1892 representaron a Colón, que es de quien está tomado el nombre de la República. Desde 1901 se realizaron algunas emisiones especiales de monedas destinadas a usarse en leproserías aisladas, con la leyenda “Lazareto” en el interior de una cruz de tipo hospitalario. En 1902, durante la guerra civil, el general Ramón González Valencia mandó acuñar finas piezas de latón en la provincia de Santander. Ya más entrado el siglo XX, destaca la representación frecuente de Bolívar y en menor medida del libertador Santander, ambos con el peinado heroizante de corte napoleónico, es decir, con el pelo ondulado y hacia delante, como si el viento y la providencia los impulsasen. El gorro frigio de las cabezas republicanas de 1952 fue representado con alas. Por entonces se introdujo también la imagen del jefe indígena Calarca. En piezas recientes cabe reseñar el empleo del escudo y de motivos indígenas, especialmente de la cultura quimbaya, así como la alusión a los territorios insulares del país. Entre 1980 y 1989 se representó en las monedas de bronce de cinco pesos a la heroína independentista Policarpa, sentada y con las manos atadas a la espalda. Monedas de metales preciosos se acuñaron con motivo del Congreso Eucarístico de 1968 y de los Juegos Panamericanos de 1971. Otras piezas recientes se hicieron en metales nobles para honrar a los libertadores y para expresar una concienciación ecologista.

VENEZUELA

Proclamada la Independencia de Venezuela en 1811, empezaron a funcionar en su territorio varias cecas provinciales, algunas de ellas del bando realista, contrario a la Independencia, como la de Maracaibo y la de Guayana. Estos dos talleres utilizaron motivos heráldicos ibéricos, como el castillo y el león. La ceca de Barinas reacuñó, bajo el mando del general independentista Páez, monedas ya consideradas como republicanas, aunque con motivos clásicos, como la cruz y las columnas de Hércules. En Caracas operaron los dos bandos. Mientras que el realista recurrió a motivos hispánicos tradicionales, el bando republicano creó una iconografía nueva, utilizando en algunos casos la representación de siete estrellas y en otros una abstracción del sol o de una estrella con siete puntas. Durante el período federal de pertenencia a la Gran Colombia (1819-1830), Venezuela acuñó piezas pequeñas de plata en las que los elementos iconográficos principales eran el sol o la estrella, la cornucopia y el escudo de la federación. Las monedas nacionales de 1843 se caracterizan en sus distintos valores por presentar un bello busto alegórico republicano, consistente en una mujer cuyo gorro frigio lleva inscrita la palabra “Libertad”. Otra alegoría diferente, con el pelo recogido y bajo siete estrellas federales, se estrenó en piezas de 1858, en las que por la otra superficie iba el escudo. En 1863 el general Páez, reconvertido en gobernante, se hizo representar en piezas de plata de gran peso, con la inmodesta leyenda de “Ciudadano Esclarecido”. En 1873 se crearon unos tipos monetales destinados a tener una gran estabilidad iconográfica. Se trata de la representación del escudo y del busto de Bolívar, realizado por el prestigioso grabador Barre. Alrededor de su cabeza, algo idealizada y con peinado heroizante, va la leyenda “Bolívar Libertador”. Es Bolívar el que da nombre a la moneda nacional de Venezuela. Las piezas de plata más pequeñas es normal verlas ahora formando parte de pulseritas y otras joyas, a veces con el busto de Bolívar bastante desgastado. Hubo monedas especiales de latón para las leproserías de Maracaibo, Isla de Providencia y Cabo Blanco, acuñadas entre 1913 y 1939. El escudo representado en las monedas venezolanas fue variando sus inscripciones, pasando de “Libertad” a “Dios y Federación” y luego “Independencia y Federación”. Entre las monedas conmemorativas recientes destacan las dedicadas a los libertadores y las de referencias ecologistas, como las que por ejemplo tomaron de icono al jaguar.

PANAMÁ

La República de Panamá, independizada de forma definitiva en 1903, sólo de forma esporádica ha producido billetes nacionales, muy cotizados entre los coleccionistas, pues lo normal es la circulación de los dólares estadounidenses, en parte debido a las inversiones norteamericanas en el canal. Estas emisiones de billetes nacionales se realizaron en 1933 y 1941. En cuanto a la moneda, Panamá ha acuñado siempre piezas propias para los pequeños cambios y otras conmemorativas de metal precioso. Este hecho es importante además para dar una imagen de soberanía e independencia política, frente al caso de Puerto Rico, que no cuenta ni con monedas ni con billetes nacionales debido a su condición de estado libre asociado a los Estados Unidos. La moneda panameña recibe el nombre de balboa en honor al explorador español Vasco Núñez de Balboa, que recorrió el Darién y atravesó el istmo hasta alcanzar el Pacífico en 1513. El busto idealizado de Balboa figura en muchas de las emisiones monetales realizadas por Panamá desde 1907. Lo normal es representarlo con armadura y con el casco típico de los conquistadores españoles de la época, si bien en algunas piezas presenta otro tipo de tocado, en el que pueden leerse las palabras: “Dios – Ley – Libertad”. Balboa es también curiosamente el apellido heroizante que se le dio en el cine al boxeador de ficción “Rocky”. Otra imagen acuñada con frecuencia en las monedas panameñas es la del caudillo indígena Urraca. Esta alternancia iconográfica de Balboa y Urraca refleja el deseo de integrar dos herencias culturales diferentes en la definición del país. El reverso de las monedas lo ocupa normalmente el escudo nacional, en el que está representado el istmo, mientras que en su remate una rapaz sostiene una banderola con la frase latina “Pro mundi beneficio”, es decir, “Por el beneficio del mundo”, en alusión a las ventajas comerciales que para el mundo tiene el canal de Panamá. Algunas monedas de curso legal representaron a políticos importantes en la historia del país, como Justo Arosemena y Manuel Amador. Piezas de medio balboa de 1975 representaron a Lesseps, ingeniero artífice del canal de Suez, cuyo proyecto de construcción del canal de Panamá fracasó al quebrar su compañía en 1888. Entre las acuñaciones conmemorativas resaltan las exaltadoras de Balboa y Bolívar, así como otras de corte indigenista, deportivo, navideño y ecologista. Otras piezas celebraron el 75 aniversario de la Independencia y la ejecución de los tratados del canal. Entre las monedas de plata destaca por su belleza el balboa de 1931, que utiliza una alegoría republicana de cuerpo entero. Y entre las leyendas de las piezas conmemorativas podemos citar la de “Paz y Progreso”, colocada sobre unas flores en monedas de oro de 1978.

COSTA RICA

La República de Costa Rica recurrió durante buena parte del siglo XIX a la utilización de resellos que habilitaban para la circulación interior tanto monedas españolas del período colonial como monedas inglesas y de países americanos. Entre estos resellos estaba uno consistente en una estrella de seis puntas en el interior de otra estrella de seis puntas, definida ésta por irradiación de la primera. Otro resello consistía en un león rodeado del aviso “Habilitada por el gobierno”. Había también resellos dobles para anverso y reverso, como el del busto femenino para anversos y el árbol para reversos. El escudo de la Federación Centroamericana (1823 – 1848) de la que Costa Rica formó parte y el posterior escudo costarricense fueron también usados en diferentes tipos de resellos dobles. La práctica de los resellos se atestigua en Costa Rica hasta 1889, momento en que se documenta sobre piezas colombianas de plata. La Federación Centroamericana empleó como motivo destacado en sus monedas un árbol rodeado de la leyenda “Libre crezca fecundo”, frase que resume tres aspiraciones: la Libertad, el Robustecimiento y la Prosperidad. El motivo del árbol pervivió en monedas de la Costa Rica segregada, en las que cabe mencionar también la constancia en la alusión a la “América Central”, como si se quisiera resaltar la pertenencia a una abstracta entidad histórico-cultural de libre integración. Incluso las monedas de oro acuñadas en 1850 y en años posteriores presentan una alegoría femenina que se apoya en un pilar en el que figura la fecha de Independencia de la América Central (15 de Septiembre de 1821) y no la fecha de la Independencia definitiva de Costa Rica. Las monedas nacionales de Costa Rica han sido acuñadas en San José, su capital, y en algunas cecas extranjeras, como Birmingham, Londres y Filadelfia. Hacia 1897 se adoptó como moneda nacional el colón, en honor del almirante Cristóbal Colón, el cual fue representado en las piezas de oro. Las monedas de plata y de metales comunes sirvieron para fijar una iconografía muy estable en la que el elemento principal es el escudo. En él las estrellas pasaron a ser de 5 a 7 en las monedas de 1965, en alusión a la división territorial y administrativa interna del estado. Las piezas conmemorativas recurren sobre todo a motivos históricos, artísticos y de preservación de la naturaleza, como es el caso de las que en 1982 presentaron frontalmente una cabeza de jaguar. Algunas monedas celebraron en 1987 el premio nobel de la paz otorgado al presidente Óscar Arias por sus esfuerzos desmilitarizadores.

NICARAGUA

La República de Nicaragua, en cuyo interior se encuentra el gran lago del mismo nombre, conoció sus primeras monedas nacionales en 1878. Estas piezas presentan la particularidad de mostrar un escudo no triangular, a diferencia de las monedas acuñadas a partir de 1880. La forma de triángulo equilátero del escudo de Nicaragua está relacionada de manera metafórica con la igualdad ante la Ley de sus conciudadanos. Además del escudo, destaca en las monedas de Nicaragua la representación del explorador español del siglo XVI Francisco Hernández de Córdoba. De hecho desde 1912 la moneda nacional recibe el nombre de córdoba. En los reversos de las monedas en que se representa a Francisco Hernández de Córdoba va normalmente el escudo de la antigua Federación Centroamericana, de la que Nicaragua formó parte hasta 1838. El escudo consistía en un sol apareciendo tras las montañas. A su alrededor los gobernantes nicaragüenses colocaron la frase “En Dios confiamos”, que recuerda la fórmula monetaria estadounidense de “In God We trust”. Los gobiernos sandinistas de la década de 1980 introdujeron en la iconografía numismática la imagen del guerrillero antiestadounidense Augusto César Sandino, asesinado en 1934. Sandino es representado normalmente con sombrero de ala ancha, mientras que en otras piezas aparece en solitario su característico sombrero. En las monedas en que está la imagen de Sandino pervive la frase de “En Dios confiamos”, añadiendo en algunos casos la consigna “Patria Libre o Morir”, contraria al intervencionismo norteamericano. Monedas dedicadas en 1980 al sandinista Fonseca llevaban la frase: “El amanecer dejó de ser una tentación”. Ya en la década de 1990 se utilizó el motivo pacifista de la paloma sobre el mapa nicaragüense, aludiendo así al deseo de promover una reconciliación nacional. Algunas piezas conmemorativas de 1975 habían empleado una iconografía similar y la leyenda “Paz y Progreso”. Ese año se realizaron también pequeñas emisiones con motivos filoestadounidenses. Otras monedas conmemorativas hicieron referencia al quinto centenario del descubrimiento de América, a acontecimientos deportivos, a la especie amenazada del tigrillo y al poeta Rubén Darío.

HONDURAS

Durante su pertenencia al Imperio Mexicano de Itúrbide (1822-1823) y en el año inmediatamente posterior, se acuñaron en Honduras numerosas monedas de plata, algunas de ellas con los antiguos motivos iberocoloniales, como las columnas de Hércules con la inscripción “Plus Ultra” y la cruz cuartelando dos leones y dos castillos. Otras piezas representaron a Itúrbide y se valieron del símbolo mexicano del águila sobre cactus, incluyendo en algunos casos el nombre de la ceca: Tegucigalpa. En su período de integración en la Federación Centroamericana (1823-1838) y hasta 1861, las monedas hondureñas utilizaron para los anversos el escudo de la Federación rodeado del aviso: “Moneda provisional del estado de Honduras”. En los reversos iba el árbol con la leyenda “Libre crezca fecundo”. Las piezas de 1862 introdujeron la representación del escudo hondureño, pero manteniendo el aviso de que se trataba de una moneda provisional. Las piezas de 1869 llevaban la leyenda “América Central” en letras algo mayores que las que servían para aludir a la República de Honduras, signo de la pervivencia del viejo sueño pancentroamericano. Las monedas de 1871 colocaron alrededor del árbol de los reversos once estrellas provinciales y la consigna: “Dios – Unión – Libertad”. Desde 1878 se difundieron en las monedas hondureñas las alegorías republicanas junto a la leyenda “Centroamérica”. Un año después se convirtió en habitual la consignación en las monedas de la fecha de la Independencia de la América Central (15 de Septiembre de 1821) y no la de la definitiva Independencia de Honduras. Unas pocas monedas de plata de 1879 representaron en grande un águila bajo una banderola con las palabras: “Paz – Progreso – Libertad”. Esta iconografía no triunfó en las piezas posteriores, pero sí que se retomó en algunas de ellas la leyenda mencionada. Hacia 1931 se adoptó como moneda nacional el lempira, en honor del líder indígena del mismo nombre, derrotado en 1536 por Pedro de Alvarado. El escudo nacional y el busto de Lempira son las imágenes más comunes en las monedas hondureñas de época reciente. Las escasas monedas conmemorativas, acuñadas en 1992, aludieron al quinto centenario del descubrimiento de América y al segundo centenario del nacimiento del general Morazán, el cual fue presidente de la Federación Centroamericana.

EL SALVADOR

En la época de vigencia de la Federación Centroamericana, El Salvador acuñó importantes cantidades de monedas de plata de diferentes valores, en las que podía leerse “Por la Libertad del Salvador” junto a la advertencia de que se trataba de “Moneda provisional”. En bastantes piezas se cometió el error de escribir la palabra Libertad con v. Los motivos utilizados fueron el volcán para una de las caras y la columna para la otra. Sobre el volcán y sobre la columna iba en muchas piezas una estrella, pero en otros casos el volcán era representado en erupción y sobre la columna iba un gorro frigio. Se aplicaron también resellos sobre piezas extranjeras o de iconografía obsoleta. El resello podía consistir en el escudo o en un sencillo volcán. El motivo del volcán, propio de algunos países centroamericanos, transforma la tragedia en orgullo por la propia tierra, a pesar de que la misma se vea con frecuencia azotada por huracanes, terremotos y erupciones volcánicas. Sobre monedas guatemaltecas acuñadas entre 1859 y 1865 se aplicó en El Salvador un resello con la letra R. En 1889 arrancan las series salvadoreñas de tipo moderno. Para las piezas de menor valor se recurrió al busto del general Morazán, el político liberal que había defendido sin éxito la perduración de la Federación Centroamericana. El perfil de Morazán ha sido desde entonces uno de los iconos más empleados en la moneda salvadoreña, junto con el escudo nacional y el busto de Colón. De hecho hacia 1940 una reforma monetaria convirtió al colón en la nueva moneda nacional, adoptando así el mismo nombre de la moneda costarricense. Unas pocas piezas de oro de 1892 emplearon una bella alegoría republicana de la América Central, no con gorro frigio, sino con corona de laurel. Desde 1914 no se utiliza en las monedas salvadoreñas de curso legal la utópica expresión “América Central”, que sí que figura en algunas de las piezas conmemorativas hechas más recientemente en metal precioso. En 1925 se recordó mediante 2000 monedas de plata y 100 monedas de oro el cuarto centenario de la fundación de San Salvador por Pedro de Alvarado. Desde 1953 figura en distintos tipos de monedas de pequeño valor la imagen del presbítero José Matías Delgado, el cual lanzó el primer grito de Independencia en El Salvador en 1811. En 1971 se hicieron piezas alusivas al 150 aniversario de la Independencia de la América Central, algunas con la leyenda “Lucha por la dignidad del hombre”. Monedas de 1977 reproducen la primera moneda de la Federación Centroamericana, con el sol apareciendo tras las montañas. Algunas de las piezas conmemorativas acuñadas en 1992 con motivo del quinto centenario del descubrimiento de América presentan cuatro manos entrelazadas y la leyenda “Unidos por la Paz”.

GUATEMALA

La ceca de Guatemala, capital del país del mismo nombre, desplegó una intensa actividad acuñadora desde 1777, primero al servicio de la metrópoli y luego para el estado independiente. Como curiosidad se puede decir que entre 1808 y 1810 acuñó piezas a nombre de Fernando VII utilizando aún el busto de su padre, Carlos IV. Ya segregada de España, Guatemala reselló antiguas monedas coloniales y otras extranjeras mediante pequeños cuños que representaban un sol saliendo por detrás de uno o varios volcanes. Otro resello, utilizado sobre todo para los reversos, consistía en un sol con rostro dentro de una estrella y en compañía de un arco y una flecha. En la época de la Federación Centroamericana, y en concreto en el año 1829, Guatemala puso en circulación monedas provisionales de plata con el escudo federal en el anverso y el árbol en el reverso. Desde 1859 las monedas guatemaltecas exhiben una iconografía nacional propia, bastante variada. Las piezas de plata de menor diámetro tomaron como motivos al león, ya presente en piezas de la época colonial, y al sol sobre tres alturas, una de ellas, la central, volcánica. En piezas de mayor valor se representó inicialmente al gobernante autoritario Rafael Carrera, incluso en monedas acuñadas algunos años después de su muerte, acaecida en 1865. Desde 1873 nos encontramos en los anversos con una alegoría republicana sentada que sostiene una balanza y una cornucopia repleta, mientras que los reversos se reservan para el escudo, en el que un quetzal se posa en el pliego en el que está escrita la fecha de Independencia de la América Central. Estos motivos se emplearon también en resellos que sirvieron para habilitar a fines del siglo XIX grandes piezas extranjeras de plata. En 1923 se representó en las monedas guatemaltecas a Miguel García Granados y a Justo Rufino Barrios, los expedicionarios que desde México lograron en 1871 derrocar al impopular gobierno. Hacia 1925 tuvo lugar una reforma monetaria que convirtió al quetzal, pájaro de fuerte simbolismo en Guatemala, en la nueva moneda nacional. Podemos recordar que entre los objetos premonetales utilizados por los indígenas antes de la llegada de los españoles estaban las plumas de colores de pájaros vistosos. Implantado el quetzal, este pájaro se convirtió en la imagen preferida de las monedas guatemaltecas, bien formando parte del escudo o bien sobre una columna. También se recurrió al árbol con la leyenda “Libre crezca fecundo” y al busto de Fray Bartolomé de las Casas, el gran defensor de los derechos de los indígenas. Entre los motivos de corte indígena más empleados por las monedas de Guatemala están el monolito de Quirigua y un busto femenino con tocado tradicional.

MÉXICO

México es uno de los países latinoamericanos que cuenta con mayor variedad de emisiones y tipos monetarios. Su capacidad de amonedación es inmensa, debido en parte a su riqueza en plata y a la necesidad de garantizar los intercambios entre su numerosa población. La convulsa historia que México tuvo hasta principios del siglo XX, con enfrentamientos civiles, pérdidas territoriales frente a Estados Unidos, anacrónicas experiencias monárquicas y revoluciones agraristas contribuyó a la disparidad tipológica del numerario nacional. Actualmente México es un país de referencia en la numismática internacional y en lo relativo a las equivalencias oficiales y fluctuantes existentes entre los precios del oro y de la plata, cada vez más favorables al oro. El 1 de Mayo de 2003, 1 gramo de oro equivalía aproximadamente a 73 gramos de plata en Londres y a 57 gramos de plata en Madrid. Con frecuencia México acuña para el comercio internacional piezas de oro y plata basadas en el patrón de peso de la onza troy, equivalente de forma aproximada a 31’1 gramos. Estas piezas utilizan como motivos una máquina de acuñación, una balanza, una Victoria alada o una cabeza escultórica de jaguar, además del escudo de la nación, que aparece en casi todas las monedas. Este escudo consiste en un águila que sobre un cactus mata a una serpiente. Algunas localidades mexicanas produjeron moneda propia de mala factura en varios períodos del siglo XIX y durante la revolución desarrollada entre 1910 y 1917. En esta última etapa varias ciudades recurrieron al motivo clásico del gorro frigio del que mana luz, mientras que el estado sureño de Oaxaca prefirió la representación asidua del busto de su conciudadano Juárez, político liberal y reformista fallecido en 1872. Hasta principios del siglo XX funcionaron en el país numerosas cecas. Esta gran pluralidad de centros de acuñación tiene su origen en los primeros movimientos soberanistas de inicios del siglo XIX, favorecidos por el vacío de poder ocasionado por la invasión napoleónica de España en 1808. Muchos territorios fueron inicialmente leales a la monarquía española. Así, en Zongolica se acuñaron piezas de plata con la leyenda “Viva Fernando VII y América”. Tanto el bando realista como el insurgente emplearon resellos, a veces consistentes en iniciales o monogramas, como el del sacerdote rebelde Morelos, impulsor de la declaración de Independencia de 1813. Otros resellos utilizados por los independentistas representaban armas o un águila coronada sobre puente, motivos también presentes en las piezas de nueva factura. En Oaxaca fue común la representación de arco y flecha sobre la leyenda “Sud”, además del monograma de Morelos, promotor de estas acuñaciones. Algunas de estas monedas llevaban la inscripción: “América – Morelos”. Las monedas de Itúrbide, convertido en emperador en 1822, solían llevar su efigie y la leyenda latina: “Augustinus Dei Providentia”, es decir, “Agustín por la Providencia de Dios”. En el reverso iba un águila coronada sobre cactus. Son muchas las naciones que a lo largo de su desarrollo histórico han coronado o quitado la corona a los animales de sus escudos en función de si sus regímenes eran monárquicos o republicanos, conservadores o comunistas, fenómeno bien atestiguado en la Europa del Este. En el caso de México, el águila perdió la corona con la pronta caída de Itúrbide, recuperándola solamente durante el nuevo gobierno imperial de Maximiliano (1864 – 1867). Las piezas de Maximiliano recurrieron a tres tipos de escudo, uno de los cuales mostraba al águila flanqueada por dos grifos. Otro presentaba alrededor del águila la inscripción “Equidad en la Justicia”. Y sólo en un tercero la corona reposaba directamente sobre la cabeza del águila. Entre ambos emperadores hubo un período de preferencia por las alegorías republicanas y otros motivos, como el arquero indígena de las piezas de Chihuahua y el angelote republicano de Zacatecas. En Guanajuato se acuñaron monedas de latón con la leyenda “Labor omnia vincit”, es decir, “El trabajo todo lo vence”. Durante gran parte del siglo XIX destacó en México la utilización en las piezas de plata del motivo del gorro frigio que desprende luz. En el gorro puede leerse la palabra “Libertad”. En las piezas de oro, conocidas como “escudos”, aparecía el gorro frigio en un palo sostenido por una mano ante un libro, todo ello con la leyenda “La Libertad en la Ley”. Hacia 1869 se creó para los pesos de oro una iconografía compleja con la Ley, la espada, la balanza y el gorro frigio. Desde 1905 se centralizan las acuñaciones en la ciudad capitalina de México, y sobre el águila se coloca el nuevo nombre federalista de “Estados Unidos Mexicanos”. Numerosos personajes ilustres han desfilado en el siglo XX por las monedas mexicanas, como el caudillo azteca Cuauhtemoc, la poetisa del siglo XVII Sor Juana Inés de la Cruz, los sacerdotes soberanistas Hidalgo y Morelos, la patriota Josefa Ortiz de Domínguez, el primer presidente (que se hacía llamar Guadalupe Victoria), el general independentista Guerrero, y los presidentes Juárez, Madero y Carranza. Se emplearon también elementos artísticos de las culturas azteca, maya y olmeca, así como el prótomo del dios prehispánico Quetzalcoatl. Varios tipos monetarios de pequeño valor recurrieron al símbolo agrario americano de la mazorca de maíz. Un rasgo peculiar de las monedas mexicanas es el gran volumen y peso de muchas de ellas, quizás para crear en los ciudadanos una confianza que no ha podido evitar importantes procesos inflacionistas. Entre las alegorías republicanas destaca por su belleza la de los pesos de plata emitidos entre 1910 y 1914, conocidos como “caballitos” porque la alegoría va sobre un caballo, portando antorcha y rama de victoria, con el sol naciente al fondo. Las piezas conmemorativas mexicanas han tratado muchos temas, como la protección a la infancia, la preservación de la naturaleza, el arte indígena, los episodios heroicos, las Olimpiadas de 1968, el Mundial de fútbol de 1986 y el quinto centenario del descubrimiento de América, que supuso, según las leyendas monetales, el “Encuentro de dos mundos”.

REPÚBLICA DOMINICANA

Las primeras monedas nacionales de la República Dominicana son de 1844, es decir, del mismo año en que el país proclamó su Independencia. Se trataba de sencillas monedas anicónicas de bronce y de latón. En piezas de 1877 se representaron por separado dos elementos del escudo: la cruz y el libro. Más tarde se introdujo la representación del escudo, al que luego se añadió la leyenda: “Dios, Patria y Libertad”. En 1891 se empezó a utilizar en los anversos una preciosa alegoría india de la Libertad de la República, la cual pervivió hasta monedas acuñadas en 1975. La reforma monetaria realizada hacia 1937 colocó en las piezas de menor valor el símbolo de la palmera, frecuente también en las monedas de los países islámicos. Desde 1976, coincidiendo con el centenario de su muerte, es prioritaria en las monedas dominicanas la imagen del líder independentista Duarte, impulsor de las sociedades secretas como sistema de adoctrinamiento político de la sociedad. Piezas de diferentes valores acuñadas desde 1983 muestran a personalidades destacadas en la historia de la nación, en algunos casos en compañía de la expresión “Cuna de los Derechos Humanos”. En 1989 se recurrió a motivos dispares de influjo popular, como un hombre negro tocando el tambor, frutas tropicales, una carreta de bueyes y el monumento del faro a Colón. Muchas de las piezas conmemorativas denotan religiosidad, como las dedicadas en 1979 a la visita del Papa Juan Pablo II y las realizadas con motivo del “V Centenario del descubrimiento y evangelización de América”. En 1955 se acuñaron monedas de oro y plata en honor de Rafael Leónidas Trujillo, que había ejercido un gobierno próspero pero de tipo dictatorial hasta 1952. Otras piezas conmemorativas se dedicaron en 1974 y 1986 a los Juegos Deportivos Centroamericanos y del Caribe, y en 1982 al Año Internacional del Niño. Estas últimas piezas presentan a un niño pintando bajo la frase: “Quiero aprender”.

CUBA

Una vez independizada de España en 1898 y de los Estados Unidos en 1902, Cuba tuvo que esperar a 1915 para conocer un sistema monetario nacional y parcialmente autónomo, el cual tuvo que convivir al principio con las piezas estadounidenses. En 1898 Cuba había acuñado mil piezas de plata de carácter festivo con la leyenda “Patria y Libertad” alrededor de una alegoría republicana criolla, con el escudo nacional en los reversos. Durante la primera mitad del siglo XIX algunas monedas españolas de plata introducidas en la isla de Cuba fueron reselladas con un sencillo cuño cuadrangular. Y en la década de 1870 las tropas independentistas resellaron piezas mexicanas y estadounidenses de plata con el símbolo cubano de la llave, presente ahora en su escudo nacional, y que hace referencia a la posición estratégica de Cuba en la entrada del golfo de México. Hasta 1958 las monedas cubanas fueron acuñadas en la ceca norteamericana de Filadelfia, lo que es reflejo de cierta dependencia política. Desde que se produjo el definitivo triunfo de la revolución castrista el 1 de enero de 1959, el país fue girando hacia el bloque comunista filosoviético, de modo que las monedas cubanas pasaron a ser realizadas en las cecas de Kremnica (antigua Checoslovaquia) y San Petersburgo. Las piezas de cuproníquel de 1915 tenían una iconografía consistente en el escudo y en una estrella de cinco puntas que cobijaba un número romano alusivo a su valor. Alrededor de la estrella iba la consigna “Patria y Libertad”. Otras piezas de mayor valor, realizadas en plata, tenían una estrella de cinco puntas de formato distinto, radiante y similar a la de la bandera. Los pesos de oro llevaban el busto de José Martí, el principal ideólogo del movimiento independentista, muerto heroicamente durante la guerra contra España. En el canto de las piezas más valiosas iba la leyenda “Con todos y para todos”. Otras piezas de plata con el busto de Martí, hechas en 1953 con motivo del centenario de su nacimiento, llevaban la frase “Con todos y para el bien de todos”. La imagen de José Martí ha sido habitual en las monedas cubanas y en los billetes de un peso hasta época reciente. En 1934 se empezaron a acuñar pesos de plata decorados con el perfil de una alegoría femenina con gorro republicano y corona de laurel, con el mar y una estrella radiante al fondo. En 1952 se celebró el cincuentenario de la República con piezas de plata de distintos valores que tenían en el anverso la izada de la bandera en el castillo del Morro en La Habana, y en el reverso las ruinas del “ingenio” azucarero conocido como La Demajagua, relacionado con el alzamiento contra los españoles de 1868. Entre las piezas de plata hechas en 1953 en honor de Martí, algunas llevaban en el reverso el gorro frigio sobre un haz indicativo de la Unión, mientras que en otras se representaba la llave ante el sol saliendo del mar. En 1962 se representó en piezas de la fracción “40”, rara en los sistemas monetarios internacionales, el busto barbado del revolucionario Camilo Cienfuegos, acompañado de la afirmación “Patria o Muerte”. El Presidente Fidel Castro no se hizo representar en las monedas de curso legal, sino sólo en las conmemorativas. En 1981 Cuba creó piezas peculiares destinadas sólo al uso de los turistas, tomando como icono principal la palmera, símbolo del Instituto Cubano de Turismo. Estas monedas eran una argucia para captar divisas estadounidenses en los pequeños cambios. En 1990 se inició la acuñación de piezas de tres pesos con el busto frontal del héroe argentino Ernesto “Che” Guevara. Estas monedas sirven en el extranjero como un apreciado icono revolucionario. Últimamente las monedas cubanas de curso legal han recurrido a cuidadas representaciones arquitectónicas. Las monedas conmemorativas cubanas, realizadas especialmente desde 1975, son de numerosísimos tipos, debido tanto a un esfuerzo propagandístico de sus autoridades como al deseo de captar divisas de los coleccionistas extranjeros. Entre sus temas están los de la Independencia y la revolución castrista, los deportivos, los ecologistas, los de hermanamiento con España, los pacifistas, los arquitectónicos, los de manumisión de los esclavos, los educativos, los sanitarios, los espaciales, los artísticos, los de transporte, los indigenistas, los americanistas, los científicos y los dedicados a distintas figuras históricas nacionales y extranjeras. El régimen pretende dar así en el exterior una imagen de fortaleza económica alejada de las penurias cotidianas del pueblo cubano.

Sólo queda ya señalar que los valores que un país asume como suyos a través de las imágenes y expresiones de las monedas no deben ser incompatibles con los valores de otros pueblos libremente constituidos, de modo que sea posible para cualquiera el captar el carácter constructivo de sus respectivas manifestaciones culturales, a través por ejemplo de los símbolos de las naciones históricamente hermanadas que integran Iberoamérica. Por otro lado, parece contradictorio que el dinero, cuyo reparto desigual e injusto genera rabia y revoluciones, pretenda adoctrinarnos con mensajes igualitarios. De ahí que los simples símbolos agrarios, esperanza de que toda la comunidad ciudadana y universal disponga siempre de alimentos, parezcan en ocasiones más hermosos que los perfiles de las alegorías y las consignas más poéticas.

EL YACIMIENTO ARQUEOLÓGICO DE “EL MORREDÓN” (FRÉSCANO)

2003-10-01T00:00:00.007+02:00

El cerro amesetado de El Morredón, situado en el término municipal de Fréscano (Zaragoza), albergó un importante poblado de la Primera Edad del Hierro, el cual conoció su momento de mayor vitalidad en los siglos VII y VI a.C. Se trata de un poblado inscribible en la corriente cultural europea de los Campos de Urnas (“Urnenfelder”), nombre alusivo a los cementerios de estas gentes, caracterizados por las concentraciones de urnas cinerarias. El cerro sobre el que se asentó el poblado es actualmente de propiedad municipal. Está siendo objeto en los últimos años de una especial protección por parte de las autoridades municipales de Fréscano, dado que las intervenciones clandestinas habían sido en el pasado frecuentes, amenazando su integridad. Se cree que los clandestinos buscaban preferentemente piezas cerámicas completas y objetos metálicos.

El yacimiento se encuentra cerca del río Huecha, que nace en la sierra del Moncayo y desemboca en el Ebro. Éste fue el río que proporcionó agua al poblado, tanto desde su actual cauce como desde otros ya secos. Precisamente uno de estos cauces separaba el poblado de su necrópolis, asentada en un cerro cercano de menor altitud. A lo largo del río Huecha existió en el Bronce Final y en la Primera Edad del Hierro toda una red de pequeños poblados, dispuestos a una distancia media de 3’5 kilómetros, y enlazados visualmente. El poblado de El Morredón contaba en este sentido con una excelente visibilidad que le garantizaba el control de los campos de cultivo y de los pastos circundantes, por lo que podemos definir su ubicación como muy consciente y estratégica.

El yacimiento lo descubrió en 1970 un vecino de Borja, Santiago Carroquino. Entre 1978 y 1985 fue objeto de investigación por parte de diversos autores, como Isidro Aguilera, José Ignacio Royo y J. A. Hernández Vera, que lo incluyeron en sus artículos sobre poblados hallstátticos. El Centro de Estudios Borjanos mostró siempre gran interés por el yacimiento, patrocinando algunas de estas publicaciones. Entre los años 2002 y 2004 fue excavado en distintas campañas por la empresa Arqueología y Restauración S.L., dirigida por Francisco Javier Navarro Chueca. Estos trabajos aportaron gran cantidad de materiales, muchos de ellos en un estado de conservación muy bueno.

El cerro sobre el que se asentó el poblado tiene fuertes pendientes que generan en conjunto un desnivel de más de 30 metros. Dichas pendientes constituyen una buena defensa natural que haría innecesaria la construcción de un recinto amurallado, si bien no es descartable la modelación antrópica del cerro con fines defensivos o la existencia de algún tramo de muralla en las zonas de más fácil acceso. Las casas se disponían a lo largo de la cima amesetada, extendiéndose también por las laderas, recurriendo en este caso a algunos aterrazamientos. Las construcciones generaron un hábitat protourbano de calle central, con casas de planta rectangular alargada adosadas entre sí. Las dimensiones propuestas para las casas son de 13 por 4 metros aproximadamente, mientras que el eje del poblado tendría unos 100 por 200 metros. Este esquema urbanístico es propio del valle medio del Ebro desde el Bronce Final hasta época ibérica. Se documenta por ejemplo en el Cabezo de Monleón de Caspe.

De las casas se nos han conservado apenas una o varias hiladas de los muros exteriores, formados por piedras calizas de color blanquecino, fácilmente exfoliables, unidas en seco, sin argamasa. Son piedras poco o nada trabajadas, más anchas que altas. Estas piedras constituirían el zócalo de las casas, alcanzando aproximadamente unos 40 o 50 centímetros de altura. Convendría que los muros conservados fuesen recrecidos hasta la primitiva altura del zócalo para evitar su desaparición. Sobre el zócalo de piedras iría el alzado de adobes y tapial. Hemos podido documentar un muro medianero hecho de adobes y posteriormente enlucido, con restos de pintura roja. Hay también un posible banco corrido y evidencias de recortes en la roca para integrarla como un elemento constructivo más, capaz de proteger de los rigores del viento. Pequeñas concentraciones arcillosas, incluso a veces con el dibujo rectangular de los adobes, revelan el derrumbe de los alzados y de los muros medianeros.

En las viviendas alargadas podían distinguirse en ocasiones tres espacios, de los cuales el principal y más grande era el central, donde solían desarrollarse las actividades domésticas, como la elaboración de alimentos, la transformación de las materias primas y el reposo. Al fondo quedaría la despensa, si bien en algunas casas la compartimentación no es clara, distinguiéndose sólo un único espacio. Varios de los muros sacados a la luz en la campaña de verano los hemos relacionado con una vivienda destacada o con un espacio comunitario dada su posición central en la cima allanada del cerro. De las cubiertas vegetales, formadas por ramas con manteados de impermeabilización, se nos han conservado algunas improntas. Los humos de los hogares saldrían por puertas, ventanas y agujeros o resquicios en las cubiertas.

Los postes de madera tenían como función básica la de sostener las cubiertas. Su disposición sería un elemento más a tener en cuenta en la organización del espacio interno de las casas. Nosotros hemos observado que varios postes se alineaban de forma perpendicular a los muros principales. Irían recubiertos de barro para que no se incendiasen. Se han podido documentar bastantes pavimentos, algunos generales y otros exclusivos de ciertas viviendas. Se colocaban sobre el nivel de regularización, y eran arreglados cada cierto tiempo (varios años), sin retirar en ocasiones las cerámicas rotas, que servían así como relleno. Se trata de suelos arcillosos y compactados, hechos de tierra batida y endurecida, con un color generalmente anaranjado. Entre los descubrimientos más interesantes está el de numerosos hogares, relacionados con la cocción de los alimentos y otras tareas que requiriesen el uso de un fuego controlado. Se trata de círculos de piedras, hincadas u horizontales, con relleno de arcilla o de piedras. Mientras que algunos hogares están bien conservados, de otros queda sólo un círculo de arcilla o un círculo ceniciento. Nos desconcertó un poco la aparición de dos hogares juntos, a la misma cota y casi idénticos. En general, los hogares son orientativos de qué espacios estaban intramuros.

Los materiales arqueológicos encontrados en El Morredón son muy similares a los del yacimiento próximo del Alto de la Cruz en Cortes de Navarra, poblado excavado por J. Maluquer de Motes, el cual sistematizó gran parte de los conocimientos que ahora se tienen sobre la cultura material de este período. Entre las producciones cerámicas documentadas en El Morredón destacan las piezas con acabados lisos, espatulados y bruñidos, así como las piezas con decoración acanalada, incisa y excisa. Estas últimas decoraciones afectan porcentualmente a pocas piezas cerámicas, preferentemente bitroncocónicas, y presentan una cronología anterior a la de la mayoría de los materiales, remitiéndonos a un momento inicial o al menos antiguo de la vida del poblado. Son decoraciones que entroncan con las tradiciones artesanales del Bronce Final, pero que se aplican sobre recipientes característicos de un momento avanzado de la Primera Edad del Hierro, como los vasitos de cuello cilíndrico y panza globular.

Los ajuares domésticos revelan cierta prosperidad y riqueza, fruto de un intenso desarrollo productivo. Sorprende el hecho de que se hayan podido recuperar algunos recipientes enteros o casi enteros, lo que invita a su posterior musealización, que ojalá se produzca dentro de la propia localidad de Fréscano. Mientras que en algunas unidades estratigráficas prima la cerámica fina y bruñida, como sobre el suelo 1006, en otras destaca la abundancia de recipientes de almacenaje, en muchos casos decorados con cordones digitados, como es el caso de la unidad 1021, quizás indicativa de la existencia de un almacén. La fase mejor conocida del enclave es la correspondiente al siglo VI a.C., al que se adscriben casi todos los restos constructivos y materiales documentados.

El poblado experimentó un interesante desarrollo de la metalurgia, basada todavía en el trabajo del bronce, pero que ya empieza a introducir el hierro, especialmente en la manufactura de objetos de uso cotidiano. Entre los objetos de bronce aparecidos en prospecciones se encuentran cuentas cilíndricas, botones hemiesféricos, fíbulas de doble resorte y brazaletes. En las últimas excavaciones se encontraron varios fragmentos, tortas, y barritas de bronce, además de un hacha de talón con dos anillas. En cambio los trozos de hierro son escasos.

Es interesante reseñar que a pesar del desarrollo metalúrgico se siguieron usando útiles líticos, tanto de sílex como de otras piedras aptas para generar por talla bordes cortantes. Además de útiles, han aparecido lascas (indicativas de talla), afiladores, pesas de telar, pequeñas piedras planas con perforaciones, bolas para sustentar en los hogares los recipientes expuestos al fuego, moldes de fundición, una piedra semicircular usada como soporte sobre el que cortar, y la cabeza pulimentada de un posible idolillo. Hay noticias anteriores de hallazgos de cuentas de piedra y de ámbar, ilustrativas estas últimas de la participación en un comercio de largo alcance. En cuanto a la aparición de conchas, parece remitirnos más a un contexto fluvial que a contactos con las áreas costeras del Cantábrico. Los restos óseos son especialmente abundantes en los niveles inferiores, de tierra suelta y oscura, como si hubiesen sido basura aprovechada como relleno. Son restos óseos de animales, con la excepción de dos clavículas humanas, las cuales por su tamaño no son relacionables con enterramientos infantiles. Como prueba de que se trabajaba el hueso tenemos dos punzones de dicho material. Encontramos también un fósil, en concreto el interior petrificado de un bivalvo, signo del interés que ya en la Protohistoria suscitaban tales objetos.

El poblado de El Morredón parece que tuvo un fin violento, pues hay indicios de que se produjo un incendio generalizado que arrasaría todo el conjunto. En las recientes excavaciones se ha podido documentar un fuerte y extendido nivel de incendio (la unidad estratigráfica 1007). Dicha destrucción se produciría en la segunda mitad del siglo VI a.C. o a inicios del siglo V a.C., provocando el abandono definitivo del poblado. Destrucciones y abandonos similares acaecieron en otros poblados hallstátticos de Fréscano, como “La Cruz” y “Burrén y Burrena”, así como a lo largo del río Huecha y del valle medio del Ebro. En el caso del valle del Huecha se produjo la concentración de toda la población anteriormente dispersa en cuatro grandes poblados, entre los que se encontraba el núcleo originario de la posterior ciudad celtibérica de Bursau (Borja).

Estos cambios tan acentuados en la distribución regional de los hábitats se han relacionado con las alteraciones provocadas por la llegada de nuevas gentes, bien portadoras de las innovaciones tecnológicas ibéricas (como la cerámica a torno) o bien insertas en una cultura de tipo céltico o lateniense, con la ventaja en ambos casos de conocer y usar armas hechas ya de hierro. Se tendió desde entonces hacia el control del territorio a partir de núcleos poblacionales mayores, de los que dependerían otros centros menores de vocación productiva. Algunos autores vinculan esta redefinición de la dispersión de los enclaves con causas socioeconómicas internas más que con la llegada de nuevos aportes poblacionales hostiles. Una vez abandonado el yacimiento de El Morredón, sólo conoció frecuentaciones cortas y esporádicas, quizás por su valor como atalaya o puesto de vigía, pero ya sin que ninguna comunidad volviese a asentarse en él.

LAS MONEDAS CON LEYENDA “TERGAKOM”

2003-09-01T00:00:00.003+02:00

Es casi segura la identificación de la actual localidad zaragozana de Tierga con el poblado celtibérico que acuñó monedas con la leyenda “Tergakom”. Esta palabra utiliza la desinencia de genitivo plural céltica “kom”, pudiendo traducirse por tanto como “De los de Terga”. Todavía algunos documentos del siglo XII aluden a Tierga con el nombre de Terga, lo que refuerza la hipótesis de que estamos ante el centro emisor mencionado, justificando así la denominación patrimonial de “Espacio Tergakom” adjudicada a este municipio. El nombre de Tierga ha sido relacionado con una raíz céltica alusiva a “mercado” (Asensio, 1996, 57) . Este hecho, junto con su riqueza minera y la utilización del etnónimo en sus monedas parece revelar la existencia tanto de una conciencia socioeconómica comunitaria como de un cierto desarrollo comercial. Del control administrativo ejercido sobre su entorno tal vez sea herencia la importante extensión actual de su término (66 km2), mayor que el de muchas de las localidades próximas.

Las escasas monedas conocidas con leyenda “Tergakom” permiten distinguir dos series (Domínguez, 1979, 171). En una de ellas la cabeza imberbe de los anversos se ve rodeada por tres delfines, uno situado detrás y los otros dos delante, mientras que en la otra serie sólo aparecen dos delfines, ambos colocados con la cabeza hacia la parte superior. Los reversos de ambas series son comunes, y consisten en un jinete que porta lanza larga. El caballo mantiene recogidas sus patas traseras y levantadas las delanteras. Se apoya sobre una línea, bajo la cual va la leyenda, escrita en alfabeto ibérico. Curiosamente el cuarto signo, correspondiente al sonido “ko”, aparece escrito siempre sin el trazo superior. El paso del grupo de los tres al de los dos delfines se documenta también en otras cecas con acuñaciones de rasgos estilísticos semejantes, como es el caso de Orosis (¿Caminreal?). Todas las monedas conocidas con leyenda “Tergakom” son ases de bronce, de modo que es casi seguro que la ceca en cuestión no acuñara ni divisores de bronce ni múltiplos de plata. El peso de estos ases oscila entre los 8’20 y los 9’90 gramos, estableciéndose la media de los ejemplares conocidos en unos 9’25 gramos. El módulo va de los 21’7 a los 25’5 milímetros de diámetro. De los ocho ases con leyenda “Tergakom” estudiados por Almudena Domínguez Arranz (1979, 172) sólo en uno había correspondencia aproximada entre la orientación de las figuras de anverso y reverso, mientras que en los otros el jinete quedaría “boca abajo” con respecto al rostro imberbe de los anversos, con un ligero desvío hacia derecha o izquierda. Al menos en una pieza se aprecia que la gráfila del anverso es de puntos y la gráfila del reverso es lineal, detalle que apunta hacia una posible pluralidad de artesanos encargados de las labores de labra de los cuños.

Los tres hallazgos de piezas con leyenda “Tergakom” recogidos por esta autora se produjeron en Azaila (Teruel), en un lugar indeterminado de la provincia de Soria, y en la misma localidad de Tierga. El ejemplar de Soria basta a Martín Valls (1967, 68) para proponer la posible penetración de las monedas con leyenda “Tergakom” en el ámbito meseteño. Asensio (1996, 61) alude además a tres piezas en muy buen estado encontradas en 1915 junto a la actual población de Tierga, cuando se hacían unas obras en la carretera que une Ainzón e Illueca. Obtuvo este dato de un artículo de Montserrat (1920), autor que además hace referencia a que en 1798 un vecino de Trasobares llamado Ramón Rubio encontró 150 denarios oscenses en la zona de El Tremedal, sita en Trasobares, cerca ya del límite con Tierga. Aparecieron además en El Tremedal varios hornos de fundición de hierro, escorias, restos de armas y monedas de bronce. Aguilera (1982, 76) opina que claramente no todas las monedas de plata del tesorillo de El Tremedal habrían sido acuñadas en Bolskan, sino que habría también piezas de otros talleres. Entre estos talleres estarían las ciudades belas de Sekaisa (Mara-Belmonte) y Belikiom (Azuara), pues Burillo (1998, 162, 165, 171 y 304) incluye la zona de Tierga como un territorio de los belos, limítrofe con las posesiones de titos, lusones y sedetanos. Se apoya en las similitudes tipológicas y metrológicas de las monedas con leyenda “Tergakom” con respecto a las monedas de diversas cecas belas, así como en la utilización común de la desinencia “kom”. En este sentido es interesante subrayar el carácter fronterizo que poseería Tierga, que tal vez fue la población acuñadora más septentrional adscrita a la etnia de los belos. Los principales centros rectores de los belos serían probablemente las mismas cecas que acuñaron piezas de plata, es decir, Sekaisa y Belikiom, con respecto a las cuales Tierga mantendría cierta dependencia.

Criterios similares a los de Burillo fueron manejados por Octavio Gil Farrés (1966, 178-192) para reproducir el posible parentesco existente entre distintos centros emisores. Resultado de lo cual fue la inserción de las monedas con leyenda “Tergakom” en varios grupos: el de los tres y dos delfines, el del jinete lancero, el que acuña sólo ases y el que usa la desinencia “kom”. La combinación de todos estos grupos y de sus dispersiones geográficas cuadra bien con la propuesta de identificación de Tierga con la ceca que acuñó las piezas con leyenda “Tergakom”. En cuanto a la cronología de las emisiones, Mª Paz García-Bellido y Cruces Blázquez (2001, 366) se decantan por el tránsito del siglo II al I a.C. e inicios del siglo I a.C., quizás en relación con las alteraciones sertorianas. Éstas provocaron un incremento tanto de la amonedación como de las ocultaciones de tesorillos monetarios. En Tierga hay noticia de que un vecino de la localidad encontró una vasija llena de monedas en la zona de El Angostillo. Las referencias al hallazgo son confusas; hay quien dice que la vasija era vidriada, lo que retrasaría la cronología más probable de las monedas encontradas hasta al menos la época islámica; en cambio un vecino de Morata, aficionado al coleccionismo numismático, nos indicó que entre las piezas aparecidas había una con leyenda “Tergakom”, conservada actualmente por una mujer de Tierga. Ambas informaciones podrían ser correctas, de modo que una pieza antigua se colaría, valorada por su rareza, en un contexto de monedas de época posterior.

Además de su incalculable valor patrimonial, las monedas con leyenda “Tergakom” han adquirido por su escasez un gran precio entre los coleccionistas. Por el catálogo orientativo de precios incluido en el libro de Octavio Gil Farrés se sabe que en 1966 una moneda de “Tergakom” valía 1.000 pesetas. Nueve años después, el catálogo de precios anexado al antiguo libro de Delgado (1876) valoraba en 8.500 pesetas las piezas con leyenda “Tergakom” (mal leída “Tarra”). Actualmente es muy difícil encontrar tales monedas en mercadillos o subastas, ámbitos en los que además suele perderse la información sobre la procedencia del hallazgo, dificultándose así la adscripción definitiva de la ceca.

Bibliografía:

- Aguilera Aragón, Isidro; (1982); “Un tesorillo de denarios indígenas en Trasobares”. Acta Numismática, 12. Barcelona.

- Asensio Esteban, José Ángel; (1996); “Reducción geográfica de la antigua Tergakom (Terka – Terga – Tierga, Zaragoza)”. Caesaraugusta, 71. Zaragoza. Páginas 57-77.

- Burillo Mozota, Francisco; (1998); “Los Celtíberos. Etnias y Estados”. Barcelona.

- Delgado, Antonio; (1876); “Nuevo método de clasificación de las medallas autónomas de España”. Sevilla.

- Domínguez Arranz, Almudena; (1979); “Las cecas ibéricas del valle del Ebro”. Zaragoza.

- García-Bellido, Mª Paz; Blázquez, Cruces; (2001); “Diccionario de cecas y pueblos hispánicos”. Volumen II. Madrid.

- Gil Farrés, Octavio; (1966); “La moneda hispánica en la Edad Antigua”. Madrid.

- Martín Valls, Ricardo; (1967); “La circulación monetaria ibérica”. Valladolid.

- Montserrat, J. M.; (1920); “Reducción geográfica de la antigua Tárraga”. Boletín del Museo Provincial de Bellas Artes de Zaragoza, 4. Zaragoza. Páginas 25-30.

EL SOL DE VERGINA

2002-12-01T00:00:00.005+01:00

En 1977 el arqueólogo Manolis Andronikos descubrió en la ciudad de Vergina, situada en el Norte de Grecia, la sepultura del rey macedónico Filipo II, padre de Alejandro Magno. La tumba, intacta gracias al inmenso túmulo que la cubría, se integraba en el complejo cementerial que acogía a los miembros difuntos de la dinastía gobernante. El lugar del hallazgo, Vergina, se corresponde con la antigua Egas, ciudad que ostentó la capitalidad del reino macedónico, pero que ya en el 336 a.C., año en que fue asesinado Filipo II, era sólo una ciudad cortesana a la sombra de la nueva capital, Pella. En su rito funerario, los restos cremados del rey fueron envueltos en un tejido púrpura y depositados, junto con una corona áurea de hojas y de bellotas de roble, en un cofre de oro, en cuya tapa campea un sol de dieciséis puntas. Las cuatro caras laterales del cofre van decoradas con tres bandas superpuestas: la inferior de volutas y flores, la intermedia de rosetas de pasta vítrea azul, y la superior de flores de loto y palmetas. Se pudo confirmar que los restos correspondían a Filipo II porque su cráneo presentaba una herida cicatrizada encima de la órbita del ojo derecho, y es que las fuentes escritas indican que el rey había quedado tuerto en el 354 a.C. debido a una herida recibida durante el asedio de la ciudad de Metone. El cofre, cuyas patas comienzan en garras de león, fue introducido en un sarcófago cúbico de mármol. Cerca del mismo se colocó ordenadamente el ajuar funerario, del que formaban parte las lujosas armas del rey, una rica vajilla y pequeños retratos de marfil de los componentes de la familia real. La cámara fue decorada y sellada con cierta precipitación, tal vez por el hecho de que Alejandro quería dejar resuelto cuanto antes el asunto del entierro de su padre para así poder marchar a Pella a encargarse de sus nuevos cometidos al frente de la Hélade, entre los que estaba la necesidad de sofocar la insurrección tebana.

En la antecámara de la sepultura, más ricamente adornada, se halló otro sarcófago que contenía un cofre similar al ya descrito. Dentro del cofre, cuya tapa exhibe el mismo tipo de sol pero con sólo doce puntas, se encontraron los huesos cremados de una mujer joven, la cual pertenecería a la familia reinante. A su alrededor el suelo estaba lleno de pequeñas estrellas de oro de ocho puntas, tal vez desprendidas de un mueble cuya madera apareció descompuesta. Junto al sarcófago se encontró también una corona áurea decorada con hojas de mirto y flores. La puerta de la tumba, hecha en dos piezas de mármol, estaba flanqueada por dos medias columnas de orden dórico, por encima de las cuales quedaba un friso pintado con una escena de cacería, en la que el personaje barbado principal sería Filipo II abatiendo desde su caballo a un león. El simbolismo de este último animal, asociado al poder y preferentemente a la autoridad monárquica, se repite en la coraza de hierro del ajuar real, pues ésta presenta apliques áureos con forma de cabeza de león, destinados a sujetar las anillas por las que pasaban las tiras de cuero con las que se ceñían al cuerpo las placas articuladas de la coraza. El fresco muestra el perfil izquierdo del rey muerto, ocultando así la cicatriz del ojo derecho.

En 1991 se proclamó independiente de forma pacífica la República de Macedonia, la cual hasta entonces había formado parte de Yugoslavia. El nuevo Estado quiso adquirir como enseña nacional el sol que figura en el cofre funerario de Filipo II. Esta bandera consiste en un sol amarillo de dieciséis puntas sobre fondo rojo. Se trata de una bandera prohibida, pues Grecia impide a la República de Macedonia su utilización por ser el sol de Vergina un símbolo helénico aparecido en territorio griego. Grecia tampoco admite que el nuevo Estado se denomine Macedonia, pues Macedonia es también el nombre de una provincia griega. Además el nombre está cargado de incómodas alusiones historicistas, ya que Macedonia conquistó toda la Hélade en la segunda mitad del siglo IV a.C. Los griegos argumentaron que en la joven Constitución de la República de Macedonia aparecían vagas llamadas a la unidad de todos los macedonios independientemente del Estado al que pertenecieran, lo que fue interpretado por Grecia como una amenaza futura hacia su integridad territorial.

Buscando un reconocimiento internacional que no llegaba, angustiada por los embargos económicos de Grecia y por las tensas relaciones con sus vecinos albaneses, búlgaros y yugoslavos, la nación recién emancipada tuvo que cambiar de nombre y de bandera. Pasó a ser conocida como “Antigua República Yugoslava de Macedonia” o como “Ex-República Yugoslava de Macedonia”. En la elección de su nueva bandera, Macedonia hizo un giro astuto para evitar la censura griega. Escogió un sol de diseño distinto, con ocho rayos de anchura creciente que alcanzan los extremos de la tela. Es una enseña que inevitablemente recuerda la antigua bandera imperial japonesa, ilustrativa de los deseos expansionistas que tuvo esta nación oriental. La nueva bandera macedónica no sólo conserva y potencia las connotaciones imperiales del sol de Vergina, sino que además mantiene el significado dinástico de éste, pues se sabe que el antiguo símbolo de la casa real macedónica era un sol o una estrella cuyo número de puntas variaba según las representaciones, sin ser por tanto el número de rayos un elemento del todo definitorio. El sol fue utilizado en las monedas de Filipo II como un elemento iconográfico menor, ocupando en ocasiones un pequeño espacio entre las patas del caballo de los reversos. También se conocen algunas monedas macedónicas que presentan el Sol de Vergina como motivo central. La exhibición combinada de la bandera oficial y de la bandera clandestina en las manifestaciones populares de los macedonios refuerza su efecto propagandístico para desesperación del Estado griego.

El significado imperial del sol viene dado porque su luz afecta progresivamente a todo, extendiéndose por todas las tierras del planeta. Podemos aludir como comparación a la vieja frase de que en la España imperial del siglo XVI “no se ponía el sol”. No siempre el sol se usa iconográficamente con un significado imperial, pues por ejemplo cuando se representa en alborada los Estados pueden estar intentando aludir al advenimiento de un nuevo sistema, de un nuevo orden, o a la llegada de la Independencia, como en el caso del propio escudo macedónico actual.

Desde la proclamación de la República en Grecia en 1973, y hasta 1990, los griegos renunciaron prudentemente a la utilización icónica de Alejandro Magno en sus monedas y billetes. La nueva etapa republicana fue conmemorada en las monedas griegas de la época con un Ave Fénix renaciendo de sus cenizas bajo la leyenda “Democracia Helénica”, la cual se hizo omnipresente en las monedas posteriores hasta la llegada del Euro. En 1990, temiendo la futura apropiación de los símbolos monárquicos macedónicos por parte de un posible Estado macedónico independiente, Grecia volvió a utilizar en sus monedas la efigie de Alejandro Magno, polémica en cuanto a que no sólo alude a la expansión militar de la civilización griega, sino también a la opresión ejercida sobre las antiguas ciudades-estado helenas. Se optó por representar en los anversos de las monedas de 100 dracmas la cabeza de Alejandro, divinizado mediante los cuernos de carnero del dios Zeus Ammón. Y en los reversos se colocó el sol de Vergina, equilibrando su insidioso significado monárquico mediante el continuismo de la leyenda “Democracia Helénica”. En cambio Macedonia, conseguida su Independencia con respecto a Yugoslavia, sólo pudo utilizar en sus monedas y billetes un sol en alborada o abstracciones geométricas del sol y de sus rayos, sin poder exhibir en ningún caso representaciones alejandrinas.

¿Cuál de las dos naciones, Grecia o Macedonia, tiene mayores derechos para poder utilizar como vehículo de propaganda estatal el sol de Vergina? La respuesta es confusa por la fácil y dispar manipulación presentista del pasado histórico, y puede verse además ofuscada por las simpatías respectivas. En el conflicto reseñado, Macedonia tiene en su contra el hecho de que su base poblacional es fundamentalmente eslava, ajena por tanto a la tradición cultural griega, si bien debemos recordar que los antiguos griegos veían a los macedonios como bárbaros, despreciando su lengua y su cultura. La actual lengua macedónica, bastante próxima a la lengua búlgara, mana de tradiciones culturales eslavas cuyo arraigo en suelo balcánico es ya medieval, muy posterior por tanto al concepto étnico clásico de Macedonia. Los Estados de Grecia y Macedonia se componen de territorios que formaron parte del antiguo imperio macedónico, pero Grecia tiene a su favor en la disputa simbólica el hecho de que las antiguas capitales macedónicas están ahora en suelo helénico, que fue en definitiva donde se encontró la tumba de Filipo II.

El joven Estado macedónico percibe la realidad macedónica tanto griega como autóctona como algo históricamente deslindable de la reformulación actual que de la cultura helénica representa el Estado griego, pero no encarna ni quiere encarnar una alternativa capaz de cohesionar a los macedonios de ambos lados de la frontera, herederos de culturas e identidades distintas. Se conforma con redefinirse en torno a una imagen poderosa. Lo cierto es que tanto Yugoslavia como Grecia hicieron dormitar por razones políticas un símbolo asociado a la identidad real o a la identidad imaginada del pueblo macedónico, sin entender que así sólo lograrían dar más fuerza conceptual a dicho símbolo. Y, dentro de un proceso de reacción previsible, el sol se las ingenió para volver a lucir. Casi aislada hasta hace poco en el contexto internacional y con el problema interno del enfrentamiento civil con la minoría albanesa-kosovar, Macedonia, desde su pequeñez, presume de haber desafiado al mundo con la apropiación de un simple símbolo, gracias al cual tiene ahora poco más que dos banderas cargadas de efectismo.

Bibliografía:

- Ginouvès, René (Editor); “Macedonia. From Philip II to the Roman conquest”; Princeton; Nueva Jersey; 1994.

- Hammond, Nicholas; “Philip of Macedon”; Londres; 1994.

- Marín González, Gelu; “Atlas de Europa: La Europa de las lenguas, la Europa de las naciones”; Editorial Istmo; Madrid; 2000.